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Los Mac`s, innovadores del rock chileno

Los Mac`s son como aquellas bandas de la mitad de la década de los sesentas que añoraban ser parte de un proceso musical que fuera reflejo de lo que acontecía conLos Beatles, Los Rolling Stone y el rock and roll en EEUU, es que las ganas de hacer cosas nuevas para el ambiente chileno se clavó con fuerza en esta banda porteña, debido al temprano acceso que tuvieron sus integrantes a la música rock del momento a través de los discos que traían consigo los marinos y pasajeros de los barcos que recalaban en el puerto Valparaíso, la ciudad natal de David y Carlos Mc Iver los fundadores del grupo, pero esa cuota de originalidad y perseverancia que necesariamente se necesitaba por aquellos años, no fue suficiente y al inicio de su corta pero productiva carrera tocaban y grababan covers de las mismas bandas extranjeras que tanta admiración les causaban, con el objetivo de inmiscuirse y destacar dentro de un circuito que era duro con los beat nacionales y castigaba con desinterés e indiferencia cualquier intento de autonomía compositiva.
Por eso no es de extrañar que sus primeros trabajos en 1966 Go Go /22 y en 1967 con GG Session by the Mac`s estuviesen compuestos casi en su totalidad por cover de los Stone, Beatles y Chuck Berry. Pero hay que ser justos, Los Mac`s solo tuvieron que esperar un poco más para dar un paso gigantesco para el rock chileno cuando en 1967 lanzaron uno de los discos precursores de la fisonomía musical de estas tierras.
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Kaledoscopio Men se llamó, y fue el primer disco psicodélico compuesto en Chile, en donde Los Mac`s dieron rienda suelta a su imaginación con letras que hablaban de amores poco dulces, sexo, drogas, un disco en donde resaltaban nombres extraordinarios de canciones instrumentales como “el evangelio de la gente sola". Este disco inauguró para la música chilena una serie de técnicas de grabación , como por ejemplo homenajear a Bob Dylan incorporando su voz en medio del temaDegress o incorporar guitarras en reversa en Dear friend Bob.
Punto aparte significó la inclusión La muerte de mi hermano dentro del set list, laprimera canción protesta del rock chileno no pertenecía al grupo, esta fue una composición de Payo Grandona cantautor popular externo al grupo e integrante del movimiento de la nueva canción chilena. La canción popularizó a los Mac`s, su contenido aludía al conflicto bélico en que EEUU invadió la isla de santo Domingo, un argumento que aunque ajeno a nuestro proceso social de país, fue novedoso y sentó un precedente para el Beat en las radios nacionales.
De toda la camada beat chilena muy pocos pudieron dar a conocer de manera masiva una canción en español, lo que sirvió como trampolín para todo un movimiento que solo logró asomar la cabeza por la ventana y que debió contentarse con mantenerse relegado por el auge y reconocimiento de la música popular en español, y claro, Los Mac`s con esta canción cruzaron a la vereda del frente, la misma por donde habitualmente circulaban Víctor Jara, Violeta Parra, Rolando Alarcón, Patricio Manns y tanto otros, la primera canción protesta contra el armamentismo remeció la escena, porque la gente la escuchó y entendió, pero por sobre todo porque esta vez la canción protesta llevaba guitarra eléctrica y batería.


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Hey! Ho! Let’s Go [Influencia_01]

Ramones
Un día me preguntaron: “si pudieras escuchar sólo una banda, de todas las que pudieras escuchar, ahora, en este preciso instante, cuál sería?”, como pocas veces, no me compliqué en explicaciones para la respuesta, ni titubeé un segundo y respondí, casi automáticamente, The Ramones.
The Ramones era una banda cuyo único mensaje estaba contenido al interior de su música. El resonar del último acorde de cada canción, generalmente venía seguido sólo por un “one, two, three, four"… y son escasas y puntuales las ocasiones en que habían pausas para decir otra cosa salvo “estamos felices de estar aquí…”, o “buenas noches y gracias”.
Cuando estos cuatro tipos “en riesgo social” se juntan a vaciar lo que sienten de vivir la vida que tienen, lo hacen de tal forma, que el Rock no vuelve a ser más lo mismo. En este sentido, no está de más echarle un ojo a letras como “Loudmouth”, “Now I Wanna Sniff Some Glue”, o “Beat On The Brat”.
The Ramones son los padres de un estilo de música que trascendió al Punk Rock de los 70s, y que de hecho, constituye la base fundamental de la forma de hacer de varios géneros posteriores, como el thrash, el hardcore, e incluso el grunge.
Inicialmente, es posible que ninguno de los cuatro tuviera mucha conciencia de estar fundando un estilo, de hecho en prácticamente todas las entrevistas que dieron, explicaron que el resultado de su sonido, es más bien el no poder hacerlo de otra manera.
El “invento” tras el sonido de The Ramones, tiene la virtud del azar. Tanto es así que el que es por muchos considerado como “el mejor frontman del PunkRock” (Joey), partió en la banda como baterista, y terminó cantando porque Dee Dee, era incapaz de hacerlo y tocar bajo simultáneamente.
Sin ninguna pretensión de virtuosismo, The Ramones son reconocidos como gran influencia por artistas como John Frusciante, Rob Zombie, Metallica, Blondie, Talking Heads, Television, Sex Pistols, Eddie Vedder, Green Day, Motörhead, Judas Priest, Iron Maiden, Sonic Youth, Nirvana… y un demasiado largo etcétera.
Tal era el interés que esta banda despertó en el mundo del arte, que gente como Andy Warhol iba a sus conciertos, queriendo incorporarlos a su "fábrica”, así como en su momento lo hizo con The Velvet Underground. Sobre esta misma idea, no es una mera anécdota haber tenido un disco producido por Phil Spector, y tampoco lo lo es que éste haya apuntado a Dee Dee con un revólver, en medio de una discusión.
The Ramones dejó un legado de actitud, estilo, y puesta en escena que determinó un cambio radical y que perdura hasta el día de hoy, tanto en bandas que continúan la tradición punk, como muchas otras al exterior de este género.
Sobre el contacto con tu oreja:

PD: La parte triste, es que de esta banda sólo sobreviven Tommy, Marky y CJ Ramone. Triste Joey, Dee Dee y Johnny se fueron en un período de 8 años luego de disuelta la agrupación.

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Voces de la contracultura en el nuevo milenio : Nine Inch Nails

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Country Joe Mc Donald dice que si en este mundo hubiera un cambio total, ese cambio sería al sonido del Rock; más podríamos agregar nosotros, si el sueño, si ese sueño que nos impulsa a vivir es real, si la vida es real, si es real la continua sensación de estar a medio camino entre un pasado abismal y la utopía más fecunda, entonces en ese sueño, en ese paraíso, se escuchan los sonidos de guitarras eléctricas y tambores, ¿para que, podríamos preguntar, vivir si se nos prohibiese formar republicas ideales?”
Fabio Salas. ‘El grito del Amor’.
Dentro del actual paisaje musical, existe una cierta parsimonia temática más ligada a la cotidianeidad y al ocio que a las causas grupales o masivas, en parte atribuibles al individualismo al que ha llegado el ser humano impulsado por las fuerzas capitalistas del consumo y la competitividad sin sentido. Pocas son las voces que desde la vereda del rock nos remecen con sus mensajes y propuestas incorporadas dentro de su música y por sobre todo de sus letras, en un momento en que es tendencia la búsqueda de un sonido particular, un look en particular o entrar en una tendencia en particular, lejana a la fuerza que por allá por fines de los años 60 llevaron a lo más alto la expresión artística en la archirevisada postura anti-Guerra de Vietnam. Es por eso que, a partir de este post, iremos revisando aquellas canciones que nos han remecido dentro del ultimo tiempo, aquellas que mantienen viva esa llama del rock, y comenzaremos, de manera aleatoria con Nine Inch Nails, quienes comandados por Trent Reznor se lanzaron directamente contra el presidente de los EEUU en ese entonces George W. Bush en su canción ‘Capital G’  del año 2007, quien, a pesar de las evidentes referencias, ha señalado que esta ‘G mayúscula’ se refiere realmente a la codicia o avaricia (Greed, en ingles).
Amargamente se relacionaron Bush y Reznor al conocerse que la música de Nine Inch Nails, entre otros, era usada como medio de tortura en los campos de concentración de prisioneros en Guantánamo, Cuba, posteriormente al lanzamiento del disco. Bueno, la letra dice :
I pushed a button and elected him to office and a
He pushed a button and it dropped a bomb
You pushed a button and could watch it on the television
Those motherfuckers didn't last too long ha ha
I'm sick of hearing 'bout the haves and the have nots
Have some personal accountability
The biggest problem with the way that we've been doing things is
The more we let you have the less that I'll be keeping for me
bush-donkeyDesde tiempos de la guerra fría se ha usado la metáfora del ‘botón’ que destruye al mundo, en tiempos en que la automatización comenzó a tomarse los principales procesos, este también llego a los métodos usados para elegir un presidente mediante el voto electrónico al que Reznor se refiere en la primera línea y que fue el que eligió por 2 periodos consecutivos a Bush; la segunda clara referencia al sistema armamentista impulsado por este y la tercera en referencia a nuestro rol de meros espectadores de los juegos de ambición y poder que se dan en la política, desde la comodidad de nuestro sillón cambiando de canal si no nos agrada ver una noticia, hastío que dura solo hasta que la noticia nos afecta directamente.
Don't give a shit about the temperature in Guatemala
Don't really see what all the fuss is about
Ain't gonna worry bout no future generations and a
I'm sure somebody's gonna figure it out
Don't try to tell how some power can corrupt a person
You haven't had enough to know what it's like
You're only angry 'cause you wish you were in my position
Now nod your head because you know that I'm right, all right!
CapitalgEl segundo párrafo va más allá en la postura inconformista y desinteresada a la que el sistema nos empuja con todas sus distracciones, se va generando entonces una aparente apatía, un déficit atencional inducido cuyo único resultado va en beneficio de los más poderosos mientras el resto se ve enfrascado en peleas menores por un puesto o tal o cual figuración, sin velar por los intereses comunes que tan bien suenan en sus discursos.
Well I used to stand for something
But forgot what that could be
There's a lot of me inside you
Maybe you're afraid to see
Well I used to stand for something
Now I'm on my hands and knees
Traded in my God for this one
He signs his name with a Capital G
El llamado final de Reznor en el coro es a mirar hacia atrás y ver como nos hemos acomodado, como nos han vuelto cómodos y perezosos, es tiempo de pararse y ver, ya basta de estar de rodillas. Así se refería a ‘Year Zero’ en ese entonces:
“Realmente quise enfocarme en algo que estuviese en lo más directo de mi conciencia, como es ser un estadounidense. Estoy consternado por el comportamiento de nuestro gobierno, la dirección que ha tomado y la dirección que todos están tomando en el mundo debido a su arrogancia. Decidí escribir un ensayo acerca de como llegará a ser el mundo si continuamos en este mismo camino, con un gobierno neo-con-esque que hace lo que se le plazca”
Video no-oficial, hecho por un fan.

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Una columna de 31 de Diciembre de 2010

La copiosa y consistente arremetida del “rock de autor” y la cumbia hecha por jóvenes o “pachanga rock” de los últimos 5 años, entrega buenas luces para entender el estado del rock chileno actual. Y es que, siendo honestos, lo hecho por el ejército liderado por Manuel García, Chinoy, Francisca Valenzuela y tantos otros, y por los ritmos de Chico Trujillo, Juana Fé, Banda Conmoción y compañía, fue simplemente mandar el riff rockero made in Chile para la casa (si es que alguna vez estuvo fuera de ella).


Si hay alguien que sacó dividendos de la cuestionada escena chilena de los últimos 10 años fueron estas dos tendencias, cada una a su modo, dejando en claro que definitivamente el rockero chileno no quiere escuchar rock chileno, que éste tiende a darle el reconocimiento (léase aplauso y compra de tickets) a aquellos que no tocan ese rock con el que estamos tan familiarizados, sino más bien a música con muchos rasgos chilenos y latinoamericanos, la cuerda de nylon y el sandungueo, no el riff y el cabeceo (definitivamente el que dijo que dentro de todo chileno hay un poeta acertó medio a medio).


¿Qué será? ¿Reconocimiento del público chileno a la raíz chileno- latinoamericana o esnobismo? ¿Castigo a la poca originalidad y constancia en el trabajo del rockero convencional nacional? ¿Simplemente algo que nos emerge desde lo más profundo de nuestros chilenos seres? ¿Es que acaso sencillamente, el rock no es algo que a los chilenos nos salga naturalmente bien? Lo cierto es que hoy, la tribuna no es para los que intentan día a día hacer suyos los sonidos de AC/DC, Pantera, Faith No More, Sonic Youth o Nirvana, sino para aquellos que han visto en la música popular, esa cumbia que ya se baila como si fuera nuestra, o esos acordes de Violeta Parra y Víctor Jara que permanentemente se tratan de reinventar, la senda de la evolución musical chilena.



Lo positivo, de todas formas, es que está reviviendo una escena, algo que habíamos perdido desde los 90, y hoy podemos identificar al “rock” chileno con algo: con canción de autor que de vez en cuando se arranca y se pega su rockeada (“Reloj” de Manuel García y “Llegaste de Flor” de Chinoy son algunos ejemplos) o bien que acepta dentro de sus filas a nombres como Angelo Pierattini (Ex Weichafe). Podemos, por otra parte, identificarlo con baile y bronces, pero a cargo de históricos del rock nacional como “El Macha” Asenjo (Ex La Floripondio y todo un marcador de tendencia), quien abrió el camino para que otras bandas originalmente rockeras hayan terminado inclinándose por fusionar sus sonidos para hacernos mover el esqueleto como Guachupé o Cholomandinga.

Historia para nada nueva, que ha tomado distintas formas en otros tiempos con otras fusiones hechas por grupos como Los Tres o Los Jaivas (cuando el Rock Chileno todavía llenaba recintos). Es esa rara esencia la que constituye nuestro rock. No sé qué nombre ponerle. A ver si a alguien se le ocurre.

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25 villancicos rockeros para celebrar

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¿Cansado de los villancicos de Luis Miguel y José Feliciano? ¿Sofocado por los 35° de calor comprando regalos a última hora (en 3 cuotas precio contado)? ¿Aburrido de la fruta confitada y el Cola de Mono aguado? Pues, no desesperes.

En +Rock hemos seleccionado los más destacados villancicos distorsionados y furiosos para esta nochebuena esté musicalizada con los acordes ad hoc a nuestro gusto rockero. Entre tanto consumismo, papel de regalo y luces multicolores, es bueno darse un tiempo para escuchar algo de villancicos con olor a whiskey para escapar de la vorágine navideña.

Un regalo de todo nuestro multidisciplinario equipo en estas fiestas, que parte con la majestuosa composición de 31 Minutos, en donde refleja la manera en que absorbimos la celebración navideña con las tradiciones del hemisferio norte, y la paradoja que esto conlleva.


Sumo – Noche De Paz


Luca Prodan, con el humor que lo caracterizaba, se mandó esta versión del clásico villancico -de origen alemán- en clave punk-rock-spanglish junto a los incombustibles Sumo, que aparece en el álbum After Chabón (1987). Sin duda, una de las inolvidables para esta fecha. Parafraseando a Luca: “Sueña un sueño imposible”.




Divididos – Villancico Del Horror

Siguiendo con canciones del otro lado de la cordillera, en el 2001, justamente Argentina vivió una de sus peores crisis político-económico-social, gracias el famoso corralito. Una amarga Navidad para los hermanos trasandinos que "la aplanadora del rock" retrató en esta canción de su disco Vengo Del Placar De Otro, pero que les dejamos en un registro acústico.




The Kinks – Father Christmas

Esta canción cuenta la historia de un Santa Claus que es golpeado por una pandilla de niños pobres que quieren dinero en lugar de regalos, ya que los regalos son inútiles y sólo para niños ricos. Otro niño pregunta a Santa si puede darle un trabajo a su padre para Navidad. Realidad social al palo.




The Ramones – Merry Christmas (I Don’t Want To Fight Tonight)

De su disco de 1989, Brain Drain, una banda que no se pierde recopilación alguna.



John Lennon – Happy Xmas (War Is Over)

El gran Lennon en protesta a la Guerra de Vietnam, creo este clásico navideño en 1971, usado hasta la saciedad por las tiendas en sus comerciales. En los coros participan los niños del Harlen Community Choir.



Yo La Tengo – It’s Christmas Time

De su EP navideño Merry Christmas From Yo la Tengo, del 2002. Porque los hipsters también tienen derecho a escuchar y cantar villancicos.



The Beatles – Christmas Time (Is Here Again)

Originalmente grabada en 1967 para los miembros del fan club oficial que pidiesen la canción por correo. Al final, cada integrante envía un saludo. Un gesto orquestado por su manager, Brian Epstein.



Yeah Yeah Yeahs – All I Want For Christmas

Grabada en 2008 y lanzada para aquella Navidad como regalo a los fans.



Smashing Pumpkins – Christmas Time



Chris Cornell – Ave Maria (feat. Eleven)



Ambas canciones forman parte del disco ‘A very Special Christmas 3’ del año 1997, a beneficio de las olimpiadas especiales.

Kenny Wayne Sheperd – Rudolf The Red Nosed Reindeer



Joe Satriani – Silent Night / Holy Night Jam



Steve Vai – Christmas Time Is Here



Las 3 extraídas del disco producido por Joe Satriani el año 1997 titulado A Merry Axemas, en que invitó a grandes héroes de la guitarra a interpretar grandes clásicos navideños.

Ronnie James Dio, Rudy Sarzo, Simon Wright & Tony Iommi – God Rest Ye Merry Gentlemen



Lemmy Kilmister, Billy Gibbons & Dave Grohl – Run Rudolph Run



Del compilado metalero We Wish You A Metal Christmas & A Headbanging New Year, editado en 2008, recordando al gran Dio, el enano maldito, que falleció este 2010.

Bob Dylan – Must Be Santa

Ni el inmortal Dylan ha querido estar ausente en esto de los villancicos. Ya convertido en todo un abuelo, el 2009 realiza el disco Christmas In The Heart, canción que además cuenta con un muy buen video.



Type O Negative – Red Water (Christmas Morning)

De su disco de 1996: October Rust, en la voz de otro grande que nos dejó este año: Peter Steel.



AC/DC – Mistress For Christmas

Parte de The Razor’s Edge, de 1990, una especial petición para la Navidad.



Korn - Jingle Balls

Parte de las composiciones de la banda para su disco Issues de 1999, que fueron editadas posteriormente en Australia como single.



Queen - Thank God It’s Christmas

Otro single navideño, grabado en 1984 como parte del disco The Works, pero que solo aparece editado en el Greatest Hits III de 1999.



Pearl Jam – Don’t Believe In Christmas

Unos que hicieron tradición lanzar singles navideños para sus fans (y que pueden encontrarlos acá). Este cover de The Sonics fue incluido en el X-Mas Singles del 2002.



Rob Zombie – Jingle Bells

Esta es una especie de remix de More Human Than Human’ en clave villancico navideño, que apareció en la banda sonora de aquel gran juego llamado Twisted Metal 3.



Beck – The Little Drum Machine Boy

El ‘tamborilero’ versión Beck, del disco recopilatorio Just Say Noel de 1996.



Jeff Buckley – Corpus Christi Carol

De aquel inmortal disco ‘Grace’ de 1994.



Intentamos ponerlas en Grooveshark, pero como saben, The Beatles y Korn no están, así que les dejamos las que encontramos en una lista,

[Gracias a los aportes de @cesartudela y los robados a @arquitecta]

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Sinergia y su ‘Vamos con Todo’: rescatando patrimonio

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El pasado sábado 18 de diciembre, la banda oriunda de Conchalí, precursora del metal pájaro en nuestro país, dueña de un estilo inconfundible y una propuesta novedosa que no admite imitaciones recorrió la capital para lanzar su ultimo disco ‘Vamos con Todo’, que incluye 7 covers a canciones de la nueva ola chilena, pero versionadas al estilo Sinergia.
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Para lanzar este disco la banda se subió literalmente arriba de un camión y recorrió las comunas de Santiago realizando 4 conciertos en el mismo día, todos gratis. El ultimo de ellos pude presenciarlo en la intersección de las calles Cumming y Agustinas, en pleno centro-poniente de Santiago. Coincidentemente en el mismo lugar estaba la presentación de la gira de 31 Minutos y actividades organizadas por las juntas de vecinos del sector, por lo que la tocata de Sinergia, programada originalmente para las 17 hrs se retraso hasta pasadas las 19 hrs, en una agenda que ya había pasado por el Persa Bio-Bio, Peñalolén y La Florida.
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El show como de costumbre fue una prueba de la potencia que alcanza la banda en vivo, que no se aprecia cabalmente en sus discos, porque la propuesta alcanza su máxima expresión cuando entran en contacto con su publico y la ‘sinergia’ entre ambos entes genera el mejor de los resultados. El show fue un repaso por algunos de los ya clásicos del repertorio propio y las canciones de su nuevo disco, el segundo de covers (antes fue un repaso a los 80) y el séptimo de su carrera, que viene a rescatar aquel patrimonio de la cultura más popular chilena ligada a las radios, a recuerdos de infancia para algunos o de juventud para otros, como algunos de los peatones que se encontraron con el show de casualidad.
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Personalmente las canciones de este disco me rememoran mis tiempos de educación básica, cuando en aquellos años al mediodía, cada día escuchaba antes de irme al colegio, junto a mi madre que me preparaba el almuerzo, el programa de Radio Chilena conducido por Luis Hernan Schwaner llamado “Lolos de Ayer” quien tocaba las canciones de la ‘época dorada’ de la música según sus palabras, desde el año ‘54 hasta el ‘73.
Embustera, original de Raul Vera Chacon
folderPero más allá del recuerdo o valor personal, la gran gracia del disco es que a partir de canciones ‘añejas’ la banda de Don Rorro sigue manteniendo vigente su propuesta, a partir de esas canciones escogidas, de los covers, de esas inspiraciones es cuando las canciones de la banda adquieren más sentido aun, al compartir esa misma inocencia y el lenguaje simple y juguetón de los clásicos de la nueva ola, un rescate patrimonial que sirve para dos propósitos: mostrar estas canciones a las nuevas generaciones y agradecer la inspiración a través de incorporarlas dentro del lenguaje propio, es cosa de escuchar ‘Embustera’ y ‘Te enojai por todo’ por ejemplo.
Volviendo al show, es destacable la puesta en escena y la entrega de la banda, que a pesar del calor, la extensa jornada y el escaso publico presente, mostro el mismo profesionalismo y entrega que, por ejemplo, los llevo hasta el escenario del Festival de Viña. Apretados arriba del camión y todo, se las ingeniaron para hacer coreografías en homenaje a Devo e interpretar cada canción con las mejores ganas. También se dio el espacio para que surgieran algunas cosas espontaneas y criollas que conviven día a día en la ciudad, como que un ‘mendigo’ ilustre del barrio Cumming, como el ‘Chuña’ se suba al escenario a compartir con la banda y transformarse en parte del show, además de degustar algunas bebidas que el publico les entregaba, jeje.
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No es nuevo esto de recorrer en camión con su música para la banda, ya lo hicieron para el lanzamiento de “El Imperio de la Estupidez”, lo que viene a destacar, además de sus intentos musicales de rescatar canciones del imaginario colectivo chilensis, una búsqueda igual de trascendente e importante, que es acercar a los barrios la música y la cultura, tratar de revivir aun con el éxito que han logrado la vida de barrio y ese sentimiento de arraigo con la ciudad ‘inventando’ panoramas que están al alcance de la mano y de manera gratuita. Una iniciativa aplaudible y ojala imitable, de una banda donde no hay aires de divos ni de estrellas del rock, sino que son conscientes de donde vienen, gracias a quien crean su música y para donde quieren dirigir su arte.
Aparato Raro y Devo, hermanados por Sinergia.

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Subíle a esa que es de Charly, Ché!

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Me acuerdo que durante algún tiempo, compartimos largas horas de trabajo universitario con un grupo de colegas argentinos.
Los tipos tenían dos gracias importantes. Una era que les gustaba el Rock, lo que nos evitaba el tener que buscar estrategias para cambiar la música sin que se ofendieran; y la otra era que, a pesar de ser grandes amantes de los rockstars de su país, eran bastantes ávidos de escuchar música de lo que para ellos eran “nuevas bandas” chilenas.
Una de esas noches de arduo maqueteo al borde de la inconsciencia, tipo 4 de la mañana de un día martes o miércoles, con todo el equipo convertido en zombie, intoxicados de café, cigarrillos (propios y ajenos), y quizás el efecto no-buscado de la exposición al neoprén, envueltos en un ruido persistente de una radio mal sintonizada, uno de ellos salta desde el asiento, y grita “subíle a esa que es de Charly, ché”. Y en el salto de la emoción acabó con el puente de palitos que otro llevaba horas haciendo. Quien tuvo que ver destruido su trabajo, fue el mismo que se esmeró en acomodar la antena de la radio, y subirle el volumen… Alegría instantánea! (no hubo ni un atisbo de queja por parte del damnificado).
Sonaba Bancate Ese Defecto.
El tipo nos dice, en medio de la canción, “ustedes tienen un Rock un poco aguado, al menos el que tocan por la radio, eso de La Ley no es Rock, es como esto (haciendo un gesto consistente en recorrer una esfera imaginaria con el índice sobre la palma de la otra mano)… no es nada…”, yo solté las carcajadas, y le digo “y voh creí que nuestro estandarte musical es La Ley hue´ón”… “no sé” retruca, “lo que sé es que ustedes no tienen un Charly loco”.
Bueno, el resto de la discusión consistió en los chistes sobre lo agrandados que son, lo “vivos” que nosotros los chilenos somos… un desastre… mientras, yo me quedé pensando en que no es que no tengamos un Charly (y si estás pensando en Jorge González, yo creo que no da el ancho), lo que no tenemos es esa capacidad de reconocer y poner en valor a nuestros héroes del rock. Nuestro rock es local, interior y subterráneo, y los que salen de esa condición, generalmente lo han hecho endulzándose con pop, de tal forma que crecen en figuración, gracias al apoyo de aquellos que guardan estos discos de La Ley, entre otros de Maná, de lo mejor de Kc, de Arjona, etc., y que votan en los ránkings de MTV Latino.
Por su lado, Charly ha recorrido la historia del rock argentino y latinoamericano. Ha dado cátedras de composiciones de todos los tonos, letras en todas las emociones, y sembró un legado de artistas que crecieron a su alero, como Fito Páez, Andrés Calamaro, entre otros.
Por el lado chileno, nuestros baluartes sobreviven en circuitos mezquinos, haciendo carreras en las que más tienen que perder, que ganar. Los afortunados, casi nunca representan lo que yo espero sea un símbolo del rock nacional, pues generalmente no traen encima calle, que es un ingrediente fundamental para mi gusto.
Escribo sobre esto, mientras disfruto de un playlist con algunos de los baluartes argentinos.

Prometo lista de baluartes chilenos en una próxima oportunidad. No espere encontrar a La Ley en esa lista.
Disclaimer: No crea que no disfruto de Rock Chileno, ni que tenga preferencias por una condición de la nacionalidad unos respecto de otros, no sea bestia eso no es lo que intento decir.

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CINE +ROCK: Red Hot Chili Peppers y el Dr. Caligari

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El Gabinete del Dr. Caligari es una película del año 1920, dirigida por Robert Wiene, quien da forma a una historia donde un desquiciado doctor y su sonámbulo paciente sirven como metáfora para denunciar la forma en que se desempeñaba el estado alemán por esas fechas. Se destaca principalmente por ser la primera película expresionista, con decorados retorcidos donde se acentúan los ángulos imposibles y amenazantes, en conjunto con una exagerada actuación. Una película casi imprescindible para conocer la historia del cine.
Trailer de la Película
Pueden ver, además del trailer, la pelicula completa en YouTube, que tiene una duración de solo 52 minutos. O bien, pueden descargarla en diversos formatos, de manera legal desde archive.org ya que al ser una película antigua, es de dominio publico. También estos días estuvieron exhibiéndola en el canal de cable ARTV, donde durante esta semana pueden ver otra pelicula antigua y de culto que tambien comentamos aca en +ROCK, Las Uvas de la Ira’ de Henry Fonda.
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Y que tiene que ver esto con el rock?
Pues, en  el año 2000, dentro de aquella maquina de singles titulado “Californication”, los Red Hot Chili Peppers acudieron a Jonathan Dayton y Valerie Faris para realizar el videoclip de la cancion “Otherside”. Dayton y Faris recogieron los elementos heredados por Wiene en “El Gabinete del Dr. Caligari”, el expresionismo alemán y algunos trabajos de M.C. Escher, para dar forma a un trabajo de carácter gótico y surrealista.
Otherside, de los RHCP.
La idea surgió a través de Flea, el bajista, quien había visto la película del Dr. Caligari en televisión durante una de las giras de la banda, y siempre quiso realizar algo similar, según cuenta el mismo en el making of del videoclip.
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Stone Temple Pilots: 7 de Diciembre de 2010


Un show correcto, sin grandes sorpresas, mostró Stone Temple Pilots el pasado 7 de Diciembre en el Arena Santiago. No hubo errores, pero tampoco un performance digna de un ataque histérico. De Scott Weiland, desde la separación de STP en 2002, uno puede esperar dos cosas, y al que le tocó le tocó nomás: o bien puedes esperar que llegue muerto de curado y/o drogado, al nivel de ser incapaz de desarrollar un show completo y saberse sus propias canciones, o bien te puede tocar la época del año en que la pinta de rockero en rehabilitación no se la saca nadie y te hace un concierto correcto pero ni tanto. A nosotros, 'por suerte', nos tocó lo segundo.

La cita comenzó a eso de las 21:25 con la tríada a prueba de balas compuesta por “Crackerman”, “Wicked Garden” y “Vasoline”, mostrando a un Weiland haciendo sus acostumbrados movimientos, pero de forma mucho más coreográfica, casi con el piloto automático (fue inevitable la comparación con su performance en su visita de 2007 con Velvet Revolver, donde aparte de fome fue totalmente apático). Por su parte, los hermanos De Leo, como siempre, mostraron que siguen siendo una muralla sónica, el mejor dúo guitarra- bajo de la querida generación “grunge”, llenos de potencia y glamour.

Cabe destacar que donde mejor se vio a la banda fue al momento de interpretar los temas nuevos de su placa homónima. La pegada de “Between the Lines” con “Hickory Dichotomy”, y la inclusión de “Cinnamon”, mostraron a una banda mucho más fresca, afiatada, e incluso, sonando mejor que en el resto de la presentación. El público, por su parte, invirtió toda su energía en clásicos del “Purple” como “Still Remains” y “Big Empty”, además de la algarabía total generada en “Plush”, “Interstate Love Song”, ambas tocadas juntas en soberbias interpretaciones.

El STP potente y avasallador no vino, como varios pensáramos antes del concierto, de la mano ni de “Down” ni de “Sex Type Thing” (donde más se notó la mayor contención de la banda en comparación a los conciertos de hace 10 años), sino que apareció en la grandiosa “Silvergun Superman” y en el bis con “Dead & Bloated”. Ambas sonaron sencillamente devastadoras. El cover de “Dancing Days” de Led Zeppelin, si bien es una adecuada muestra de respeto por un tema que sin duda juega el rol de “manual bíblico” para el cuarteto de San Diego, fue curioso apreciar que la guitarra de Jimmy Page sonara mucho más “Stone Temple Pilots” que al propio Robert De Leo, que intentó innovar quitándole la distorsión (y de paso la potencia y onda al tema). Luego de la maravillosa “Dead & Bloated”, el final del concierto vino con “Trippin’ on a hole in a paper heart”, en la única alusión de la noche al imprescindible “Tiny Music”.


Stone Temple Pilots cumplió. Con una presentación acorde a lo que puede esperarse de ellos hoy en día, con los hermanos De Leo notoriamente emocionados y agradecidos del cariño entregado por los asistentes que casi repletan el Arena, y un Scott Weiland que, aunque contenido y volado (con un pitito nomás yo creo, eso sí), fue harto más empático y abierto con un público que ya se está acostumbrando a ser especial, con tanta banda que ha venido últimamente a decirnos que somos el mejor público del universo. Es más, ahora pienso que quizá hasta estoy siendo medio injusto y mimado al reclamar tanto con que hicieron exactamente el mismo set list en toda la gira latinoamericana. Gracias STP por ponerme en mi lugar.

Fotos: Concierto Visual