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Una columna de 31 de Diciembre de 2010

La copiosa y consistente arremetida del “rock de autor” y la cumbia hecha por jóvenes o “pachanga rock” de los últimos 5 años, entrega buenas luces para entender el estado del rock chileno actual. Y es que, siendo honestos, lo hecho por el ejército liderado por Manuel García, Chinoy, Francisca Valenzuela y tantos otros, y por los ritmos de Chico Trujillo, Juana Fé, Banda Conmoción y compañía, fue simplemente mandar el riff rockero made in Chile para la casa (si es que alguna vez estuvo fuera de ella).


Si hay alguien que sacó dividendos de la cuestionada escena chilena de los últimos 10 años fueron estas dos tendencias, cada una a su modo, dejando en claro que definitivamente el rockero chileno no quiere escuchar rock chileno, que éste tiende a darle el reconocimiento (léase aplauso y compra de tickets) a aquellos que no tocan ese rock con el que estamos tan familiarizados, sino más bien a música con muchos rasgos chilenos y latinoamericanos, la cuerda de nylon y el sandungueo, no el riff y el cabeceo (definitivamente el que dijo que dentro de todo chileno hay un poeta acertó medio a medio).


¿Qué será? ¿Reconocimiento del público chileno a la raíz chileno- latinoamericana o esnobismo? ¿Castigo a la poca originalidad y constancia en el trabajo del rockero convencional nacional? ¿Simplemente algo que nos emerge desde lo más profundo de nuestros chilenos seres? ¿Es que acaso sencillamente, el rock no es algo que a los chilenos nos salga naturalmente bien? Lo cierto es que hoy, la tribuna no es para los que intentan día a día hacer suyos los sonidos de AC/DC, Pantera, Faith No More, Sonic Youth o Nirvana, sino para aquellos que han visto en la música popular, esa cumbia que ya se baila como si fuera nuestra, o esos acordes de Violeta Parra y Víctor Jara que permanentemente se tratan de reinventar, la senda de la evolución musical chilena.



Lo positivo, de todas formas, es que está reviviendo una escena, algo que habíamos perdido desde los 90, y hoy podemos identificar al “rock” chileno con algo: con canción de autor que de vez en cuando se arranca y se pega su rockeada (“Reloj” de Manuel García y “Llegaste de Flor” de Chinoy son algunos ejemplos) o bien que acepta dentro de sus filas a nombres como Angelo Pierattini (Ex Weichafe). Podemos, por otra parte, identificarlo con baile y bronces, pero a cargo de históricos del rock nacional como “El Macha” Asenjo (Ex La Floripondio y todo un marcador de tendencia), quien abrió el camino para que otras bandas originalmente rockeras hayan terminado inclinándose por fusionar sus sonidos para hacernos mover el esqueleto como Guachupé o Cholomandinga.

Historia para nada nueva, que ha tomado distintas formas en otros tiempos con otras fusiones hechas por grupos como Los Tres o Los Jaivas (cuando el Rock Chileno todavía llenaba recintos). Es esa rara esencia la que constituye nuestro rock. No sé qué nombre ponerle. A ver si a alguien se le ocurre.

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25 villancicos rockeros para celebrar

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¿Cansado de los villancicos de Luis Miguel y José Feliciano? ¿Sofocado por los 35° de calor comprando regalos a última hora (en 3 cuotas precio contado)? ¿Aburrido de la fruta confitada y el Cola de Mono aguado? Pues, no desesperes.

En +Rock hemos seleccionado los más destacados villancicos distorsionados y furiosos para esta nochebuena esté musicalizada con los acordes ad hoc a nuestro gusto rockero. Entre tanto consumismo, papel de regalo y luces multicolores, es bueno darse un tiempo para escuchar algo de villancicos con olor a whiskey para escapar de la vorágine navideña.

Un regalo de todo nuestro multidisciplinario equipo en estas fiestas, que parte con la majestuosa composición de 31 Minutos, en donde refleja la manera en que absorbimos la celebración navideña con las tradiciones del hemisferio norte, y la paradoja que esto conlleva.


Sumo – Noche De Paz


Luca Prodan, con el humor que lo caracterizaba, se mandó esta versión del clásico villancico -de origen alemán- en clave punk-rock-spanglish junto a los incombustibles Sumo, que aparece en el álbum After Chabón (1987). Sin duda, una de las inolvidables para esta fecha. Parafraseando a Luca: “Sueña un sueño imposible”.




Divididos – Villancico Del Horror

Siguiendo con canciones del otro lado de la cordillera, en el 2001, justamente Argentina vivió una de sus peores crisis político-económico-social, gracias el famoso corralito. Una amarga Navidad para los hermanos trasandinos que "la aplanadora del rock" retrató en esta canción de su disco Vengo Del Placar De Otro, pero que les dejamos en un registro acústico.




The Kinks – Father Christmas

Esta canción cuenta la historia de un Santa Claus que es golpeado por una pandilla de niños pobres que quieren dinero en lugar de regalos, ya que los regalos son inútiles y sólo para niños ricos. Otro niño pregunta a Santa si puede darle un trabajo a su padre para Navidad. Realidad social al palo.




The Ramones – Merry Christmas (I Don’t Want To Fight Tonight)

De su disco de 1989, Brain Drain, una banda que no se pierde recopilación alguna.



John Lennon – Happy Xmas (War Is Over)

El gran Lennon en protesta a la Guerra de Vietnam, creo este clásico navideño en 1971, usado hasta la saciedad por las tiendas en sus comerciales. En los coros participan los niños del Harlen Community Choir.



Yo La Tengo – It’s Christmas Time

De su EP navideño Merry Christmas From Yo la Tengo, del 2002. Porque los hipsters también tienen derecho a escuchar y cantar villancicos.



The Beatles – Christmas Time (Is Here Again)

Originalmente grabada en 1967 para los miembros del fan club oficial que pidiesen la canción por correo. Al final, cada integrante envía un saludo. Un gesto orquestado por su manager, Brian Epstein.



Yeah Yeah Yeahs – All I Want For Christmas

Grabada en 2008 y lanzada para aquella Navidad como regalo a los fans.



Smashing Pumpkins – Christmas Time



Chris Cornell – Ave Maria (feat. Eleven)



Ambas canciones forman parte del disco ‘A very Special Christmas 3’ del año 1997, a beneficio de las olimpiadas especiales.

Kenny Wayne Sheperd – Rudolf The Red Nosed Reindeer



Joe Satriani – Silent Night / Holy Night Jam



Steve Vai – Christmas Time Is Here



Las 3 extraídas del disco producido por Joe Satriani el año 1997 titulado A Merry Axemas, en que invitó a grandes héroes de la guitarra a interpretar grandes clásicos navideños.

Ronnie James Dio, Rudy Sarzo, Simon Wright & Tony Iommi – God Rest Ye Merry Gentlemen



Lemmy Kilmister, Billy Gibbons & Dave Grohl – Run Rudolph Run



Del compilado metalero We Wish You A Metal Christmas & A Headbanging New Year, editado en 2008, recordando al gran Dio, el enano maldito, que falleció este 2010.

Bob Dylan – Must Be Santa

Ni el inmortal Dylan ha querido estar ausente en esto de los villancicos. Ya convertido en todo un abuelo, el 2009 realiza el disco Christmas In The Heart, canción que además cuenta con un muy buen video.



Type O Negative – Red Water (Christmas Morning)

De su disco de 1996: October Rust, en la voz de otro grande que nos dejó este año: Peter Steel.



AC/DC – Mistress For Christmas

Parte de The Razor’s Edge, de 1990, una especial petición para la Navidad.



Korn - Jingle Balls

Parte de las composiciones de la banda para su disco Issues de 1999, que fueron editadas posteriormente en Australia como single.



Queen - Thank God It’s Christmas

Otro single navideño, grabado en 1984 como parte del disco The Works, pero que solo aparece editado en el Greatest Hits III de 1999.



Pearl Jam – Don’t Believe In Christmas

Unos que hicieron tradición lanzar singles navideños para sus fans (y que pueden encontrarlos acá). Este cover de The Sonics fue incluido en el X-Mas Singles del 2002.



Rob Zombie – Jingle Bells

Esta es una especie de remix de More Human Than Human’ en clave villancico navideño, que apareció en la banda sonora de aquel gran juego llamado Twisted Metal 3.



Beck – The Little Drum Machine Boy

El ‘tamborilero’ versión Beck, del disco recopilatorio Just Say Noel de 1996.



Jeff Buckley – Corpus Christi Carol

De aquel inmortal disco ‘Grace’ de 1994.



Intentamos ponerlas en Grooveshark, pero como saben, The Beatles y Korn no están, así que les dejamos las que encontramos en una lista,

[Gracias a los aportes de @cesartudela y los robados a @arquitecta]

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Sinergia y su ‘Vamos con Todo’: rescatando patrimonio

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El pasado sábado 18 de diciembre, la banda oriunda de Conchalí, precursora del metal pájaro en nuestro país, dueña de un estilo inconfundible y una propuesta novedosa que no admite imitaciones recorrió la capital para lanzar su ultimo disco ‘Vamos con Todo’, que incluye 7 covers a canciones de la nueva ola chilena, pero versionadas al estilo Sinergia.
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Para lanzar este disco la banda se subió literalmente arriba de un camión y recorrió las comunas de Santiago realizando 4 conciertos en el mismo día, todos gratis. El ultimo de ellos pude presenciarlo en la intersección de las calles Cumming y Agustinas, en pleno centro-poniente de Santiago. Coincidentemente en el mismo lugar estaba la presentación de la gira de 31 Minutos y actividades organizadas por las juntas de vecinos del sector, por lo que la tocata de Sinergia, programada originalmente para las 17 hrs se retraso hasta pasadas las 19 hrs, en una agenda que ya había pasado por el Persa Bio-Bio, Peñalolén y La Florida.
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El show como de costumbre fue una prueba de la potencia que alcanza la banda en vivo, que no se aprecia cabalmente en sus discos, porque la propuesta alcanza su máxima expresión cuando entran en contacto con su publico y la ‘sinergia’ entre ambos entes genera el mejor de los resultados. El show fue un repaso por algunos de los ya clásicos del repertorio propio y las canciones de su nuevo disco, el segundo de covers (antes fue un repaso a los 80) y el séptimo de su carrera, que viene a rescatar aquel patrimonio de la cultura más popular chilena ligada a las radios, a recuerdos de infancia para algunos o de juventud para otros, como algunos de los peatones que se encontraron con el show de casualidad.
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Personalmente las canciones de este disco me rememoran mis tiempos de educación básica, cuando en aquellos años al mediodía, cada día escuchaba antes de irme al colegio, junto a mi madre que me preparaba el almuerzo, el programa de Radio Chilena conducido por Luis Hernan Schwaner llamado “Lolos de Ayer” quien tocaba las canciones de la ‘época dorada’ de la música según sus palabras, desde el año ‘54 hasta el ‘73.
Embustera, original de Raul Vera Chacon
folderPero más allá del recuerdo o valor personal, la gran gracia del disco es que a partir de canciones ‘añejas’ la banda de Don Rorro sigue manteniendo vigente su propuesta, a partir de esas canciones escogidas, de los covers, de esas inspiraciones es cuando las canciones de la banda adquieren más sentido aun, al compartir esa misma inocencia y el lenguaje simple y juguetón de los clásicos de la nueva ola, un rescate patrimonial que sirve para dos propósitos: mostrar estas canciones a las nuevas generaciones y agradecer la inspiración a través de incorporarlas dentro del lenguaje propio, es cosa de escuchar ‘Embustera’ y ‘Te enojai por todo’ por ejemplo.
Volviendo al show, es destacable la puesta en escena y la entrega de la banda, que a pesar del calor, la extensa jornada y el escaso publico presente, mostro el mismo profesionalismo y entrega que, por ejemplo, los llevo hasta el escenario del Festival de Viña. Apretados arriba del camión y todo, se las ingeniaron para hacer coreografías en homenaje a Devo e interpretar cada canción con las mejores ganas. También se dio el espacio para que surgieran algunas cosas espontaneas y criollas que conviven día a día en la ciudad, como que un ‘mendigo’ ilustre del barrio Cumming, como el ‘Chuña’ se suba al escenario a compartir con la banda y transformarse en parte del show, además de degustar algunas bebidas que el publico les entregaba, jeje.
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No es nuevo esto de recorrer en camión con su música para la banda, ya lo hicieron para el lanzamiento de “El Imperio de la Estupidez”, lo que viene a destacar, además de sus intentos musicales de rescatar canciones del imaginario colectivo chilensis, una búsqueda igual de trascendente e importante, que es acercar a los barrios la música y la cultura, tratar de revivir aun con el éxito que han logrado la vida de barrio y ese sentimiento de arraigo con la ciudad ‘inventando’ panoramas que están al alcance de la mano y de manera gratuita. Una iniciativa aplaudible y ojala imitable, de una banda donde no hay aires de divos ni de estrellas del rock, sino que son conscientes de donde vienen, gracias a quien crean su música y para donde quieren dirigir su arte.
Aparato Raro y Devo, hermanados por Sinergia.

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Subíle a esa que es de Charly, Ché!

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Me acuerdo que durante algún tiempo, compartimos largas horas de trabajo universitario con un grupo de colegas argentinos.
Los tipos tenían dos gracias importantes. Una era que les gustaba el Rock, lo que nos evitaba el tener que buscar estrategias para cambiar la música sin que se ofendieran; y la otra era que, a pesar de ser grandes amantes de los rockstars de su país, eran bastantes ávidos de escuchar música de lo que para ellos eran “nuevas bandas” chilenas.
Una de esas noches de arduo maqueteo al borde de la inconsciencia, tipo 4 de la mañana de un día martes o miércoles, con todo el equipo convertido en zombie, intoxicados de café, cigarrillos (propios y ajenos), y quizás el efecto no-buscado de la exposición al neoprén, envueltos en un ruido persistente de una radio mal sintonizada, uno de ellos salta desde el asiento, y grita “subíle a esa que es de Charly, ché”. Y en el salto de la emoción acabó con el puente de palitos que otro llevaba horas haciendo. Quien tuvo que ver destruido su trabajo, fue el mismo que se esmeró en acomodar la antena de la radio, y subirle el volumen… Alegría instantánea! (no hubo ni un atisbo de queja por parte del damnificado).
Sonaba Bancate Ese Defecto.
El tipo nos dice, en medio de la canción, “ustedes tienen un Rock un poco aguado, al menos el que tocan por la radio, eso de La Ley no es Rock, es como esto (haciendo un gesto consistente en recorrer una esfera imaginaria con el índice sobre la palma de la otra mano)… no es nada…”, yo solté las carcajadas, y le digo “y voh creí que nuestro estandarte musical es La Ley hue´ón”… “no sé” retruca, “lo que sé es que ustedes no tienen un Charly loco”.
Bueno, el resto de la discusión consistió en los chistes sobre lo agrandados que son, lo “vivos” que nosotros los chilenos somos… un desastre… mientras, yo me quedé pensando en que no es que no tengamos un Charly (y si estás pensando en Jorge González, yo creo que no da el ancho), lo que no tenemos es esa capacidad de reconocer y poner en valor a nuestros héroes del rock. Nuestro rock es local, interior y subterráneo, y los que salen de esa condición, generalmente lo han hecho endulzándose con pop, de tal forma que crecen en figuración, gracias al apoyo de aquellos que guardan estos discos de La Ley, entre otros de Maná, de lo mejor de Kc, de Arjona, etc., y que votan en los ránkings de MTV Latino.
Por su lado, Charly ha recorrido la historia del rock argentino y latinoamericano. Ha dado cátedras de composiciones de todos los tonos, letras en todas las emociones, y sembró un legado de artistas que crecieron a su alero, como Fito Páez, Andrés Calamaro, entre otros.
Por el lado chileno, nuestros baluartes sobreviven en circuitos mezquinos, haciendo carreras en las que más tienen que perder, que ganar. Los afortunados, casi nunca representan lo que yo espero sea un símbolo del rock nacional, pues generalmente no traen encima calle, que es un ingrediente fundamental para mi gusto.
Escribo sobre esto, mientras disfruto de un playlist con algunos de los baluartes argentinos.

Prometo lista de baluartes chilenos en una próxima oportunidad. No espere encontrar a La Ley en esa lista.
Disclaimer: No crea que no disfruto de Rock Chileno, ni que tenga preferencias por una condición de la nacionalidad unos respecto de otros, no sea bestia eso no es lo que intento decir.

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CINE +ROCK: Red Hot Chili Peppers y el Dr. Caligari

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El Gabinete del Dr. Caligari es una película del año 1920, dirigida por Robert Wiene, quien da forma a una historia donde un desquiciado doctor y su sonámbulo paciente sirven como metáfora para denunciar la forma en que se desempeñaba el estado alemán por esas fechas. Se destaca principalmente por ser la primera película expresionista, con decorados retorcidos donde se acentúan los ángulos imposibles y amenazantes, en conjunto con una exagerada actuación. Una película casi imprescindible para conocer la historia del cine.
Trailer de la Película
Pueden ver, además del trailer, la pelicula completa en YouTube, que tiene una duración de solo 52 minutos. O bien, pueden descargarla en diversos formatos, de manera legal desde archive.org ya que al ser una película antigua, es de dominio publico. También estos días estuvieron exhibiéndola en el canal de cable ARTV, donde durante esta semana pueden ver otra pelicula antigua y de culto que tambien comentamos aca en +ROCK, Las Uvas de la Ira’ de Henry Fonda.
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Y que tiene que ver esto con el rock?
Pues, en  el año 2000, dentro de aquella maquina de singles titulado “Californication”, los Red Hot Chili Peppers acudieron a Jonathan Dayton y Valerie Faris para realizar el videoclip de la cancion “Otherside”. Dayton y Faris recogieron los elementos heredados por Wiene en “El Gabinete del Dr. Caligari”, el expresionismo alemán y algunos trabajos de M.C. Escher, para dar forma a un trabajo de carácter gótico y surrealista.
Otherside, de los RHCP.
La idea surgió a través de Flea, el bajista, quien había visto la película del Dr. Caligari en televisión durante una de las giras de la banda, y siempre quiso realizar algo similar, según cuenta el mismo en el making of del videoclip.
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Stone Temple Pilots: 7 de Diciembre de 2010


Un show correcto, sin grandes sorpresas, mostró Stone Temple Pilots el pasado 7 de Diciembre en el Arena Santiago. No hubo errores, pero tampoco un performance digna de un ataque histérico. De Scott Weiland, desde la separación de STP en 2002, uno puede esperar dos cosas, y al que le tocó le tocó nomás: o bien puedes esperar que llegue muerto de curado y/o drogado, al nivel de ser incapaz de desarrollar un show completo y saberse sus propias canciones, o bien te puede tocar la época del año en que la pinta de rockero en rehabilitación no se la saca nadie y te hace un concierto correcto pero ni tanto. A nosotros, 'por suerte', nos tocó lo segundo.

La cita comenzó a eso de las 21:25 con la tríada a prueba de balas compuesta por “Crackerman”, “Wicked Garden” y “Vasoline”, mostrando a un Weiland haciendo sus acostumbrados movimientos, pero de forma mucho más coreográfica, casi con el piloto automático (fue inevitable la comparación con su performance en su visita de 2007 con Velvet Revolver, donde aparte de fome fue totalmente apático). Por su parte, los hermanos De Leo, como siempre, mostraron que siguen siendo una muralla sónica, el mejor dúo guitarra- bajo de la querida generación “grunge”, llenos de potencia y glamour.

Cabe destacar que donde mejor se vio a la banda fue al momento de interpretar los temas nuevos de su placa homónima. La pegada de “Between the Lines” con “Hickory Dichotomy”, y la inclusión de “Cinnamon”, mostraron a una banda mucho más fresca, afiatada, e incluso, sonando mejor que en el resto de la presentación. El público, por su parte, invirtió toda su energía en clásicos del “Purple” como “Still Remains” y “Big Empty”, además de la algarabía total generada en “Plush”, “Interstate Love Song”, ambas tocadas juntas en soberbias interpretaciones.

El STP potente y avasallador no vino, como varios pensáramos antes del concierto, de la mano ni de “Down” ni de “Sex Type Thing” (donde más se notó la mayor contención de la banda en comparación a los conciertos de hace 10 años), sino que apareció en la grandiosa “Silvergun Superman” y en el bis con “Dead & Bloated”. Ambas sonaron sencillamente devastadoras. El cover de “Dancing Days” de Led Zeppelin, si bien es una adecuada muestra de respeto por un tema que sin duda juega el rol de “manual bíblico” para el cuarteto de San Diego, fue curioso apreciar que la guitarra de Jimmy Page sonara mucho más “Stone Temple Pilots” que al propio Robert De Leo, que intentó innovar quitándole la distorsión (y de paso la potencia y onda al tema). Luego de la maravillosa “Dead & Bloated”, el final del concierto vino con “Trippin’ on a hole in a paper heart”, en la única alusión de la noche al imprescindible “Tiny Music”.


Stone Temple Pilots cumplió. Con una presentación acorde a lo que puede esperarse de ellos hoy en día, con los hermanos De Leo notoriamente emocionados y agradecidos del cariño entregado por los asistentes que casi repletan el Arena, y un Scott Weiland que, aunque contenido y volado (con un pitito nomás yo creo, eso sí), fue harto más empático y abierto con un público que ya se está acostumbrando a ser especial, con tanta banda que ha venido últimamente a decirnos que somos el mejor público del universo. Es más, ahora pienso que quizá hasta estoy siendo medio injusto y mimado al reclamar tanto con que hicieron exactamente el mismo set list en toda la gira latinoamericana. Gracias STP por ponerme en mi lugar.

Fotos: Concierto Visual

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El Festival de la buena onda: Faith No More, Primus, Monotonix y Fulano. 5 de Diciembre de 2010.


30 de Octubre de 2009. Varios fanáticos salimos con una extraña sensación disconforme del concierto realizado por Faith No More en el Bicentenario de La Florida. Aparte de las fallas técnicas ocurridas en “We Care a Lot” y la consecuente tibia despedida con “Pristina”, algo más había en el aire: que FNM no es una banda de estadio y el recinto de La Florida les había quedado grande, que el concierto de la noche anterior en el Caupolicán (muy injustamente para los verdaderos fanáticos que compraron su entrada los primeros días) fue mucho mejor, que el set list era muy similar a lo que venían tocando durante 6 meses, etc. Excusas más, excusas menos, a pesar de la soberbia interpretación y el gran show que de todas maneras los californianos nos habían traído, no había sido el concierto de nuestras vidas.
Este domingo se saldó esa deuda. Con creces. Pero vamos por parte.
Fulano: Pura buena onda.
Puntualmente a las 17:00 hrs. salió Fulano, los encargados de abrir este mini festival de las bandas buena onda. Con un show soberbio, y un sonido increíble que se mantuvo durante casi toda la cita, como pocas veces pudimos ver a unos teloneros que no fueron “chancho en misa” y que, a punta de buenas canciones y trayectoria, se ganasen ese espacio.
Monotonix: ¿????!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
Cuando uno cree que ya lo ha visto todo en el rocanrol, se encuentra con este trío israelí comandado por un señor de unos 50 años, que sacado de la película “El Náufrago” (inmediatamente se ganó el apelativo de “Wilson” por parte del respetable), sin más vestimenta que unos short modelo Patricio Yáñez, pelo largo y sin afeitar, extrañamente empieza a bajar del escenario al público. Vemos posteriormente que los otros dos miembros de la banda hacen lo mismo… ¡y empiezan a bajar la batería!
De ahí en adelante todo fue delirante. Wilson canta durante toda la presentación arriba del público (en distintas versiones: acostado, parado, ¡sentado en una silla tocando el bombo, ambas cosas afirmadas por nosotros!...), y la banda, a medida que avanzaban los temas, iba trasladando la batería por distintas partes de la cancha vip armando pequeñas tocatas. Luego, Wilson subiendo arriba de los baños químicos, de la tribuna andes, comenzando una breve corrida saludando a toda la concurrencia en una escena digna de Forrest Gump (este señor claramente es un fiel seguidor de Tom Hanks)…en fin, un show que esta vez trasladó la galería al escenario, obligando a los mismos Mike Patton y Billy Gould a salir y observar el espectáculo.
¿El punto negro? Sólo aquellos que pudimos pagar Cancha Vip pudimos disfrutar el show al 100%, el resto tuvo que limitarse a verlo por las pantallas del escenario.
Primus: Menos mal que no pagué por verlos a ellos.
A eso de las 19:15, aparecen en escena Jay Lane, el soberbio Les Claypool y el subvalorado guitarrista Larry Lalonde, devolviendo la convencionalidad del show y el impecable sonido de la jornada.
Les Claypool es como un viejito medio senil de esos que se ponen a hablar solos, monologando incoherencias todo el rato, pero con el talento de uno de los mejores bajistas de todos los tiempos. “Pudding Time” y “Here Come the Bastards”, nos anunciaron un show soberbio, pura perfección técnica de una presentación que habíamos visto miles de veces en video antes, que no nos entregó ninguna sorpresa, pero ante la que no había absolutamente nada que apelar.
La grandiosa “Groundhog’s day”, y los hits “Me llamo Mud” (nunca fue en español, salvo en la frase que bautiza el tema), “John the Fisherman” y “Harold of the Rocks” para cerrar la jornada, si bien nos hicieron pasar un excelente rato, viendo a una de las bandas fundamentales de los 90, no impidieron que quedáramos con gusto a poco. Se había anunciado un show de hora y media, y la banda no estuvo más de una hora sobre el escenario. Si yo hubiera ido a ver exclusivamente a Primus como varios lo hicieron, me hubiera sentido estafado. Será para otra vez.
Faith No More: You’re perfect, yes, it’s true!
Todo fue mejor. La pulcritud y potencia del sonido (esta vez sonó mucho más fuerte, mil disculpas vecinos de La Florida), el set list, la conexión con el público chileno, y un Mike Patton que además de mostrar una condición vocal impecable, durante las casi dos horas de concierto nos regaló varios momentos memorables más para sumar a la lista.
La banda partió a eso de las 9:20 con “Epic”, un tema que no suele sonar tan bien en vivo, pero que esta vez sonó descomunal con la complicidad de un público a toda prueba, y con un Patton que de entrada nos preguntó “¿Con pollos esta noche, no?”. Pasaron “Everything’s Ruined” y “Be Aggressive”, y el primer regalo de despedida vendría con “Helpless”, una verdadera joya escondida que la banda había tocado muy pocas veces, en un par de conciertos de lanzamiento de “Album of the Year” y en el concierto anterior a éste en Los Ángeles. Fue así como no sólo tuvimos el privilegio de escuchar esta maravilla, sino además de presenciar una interpretación brillante.
Los que pudimos ver el año pasado a la banda tanto en el Caupolicán como en La Florida y quedamos con la sensación de que La Florida les había quedado un poco grande y que definitivamente se desenvolvían mejor en instancias menos masivas, nos llevamos un tapadón de boca del porte de un buque. Con un relajo digno de una tocata de bar, se dieron el tiempo para echar tallas, leer los carteles del público y “obligar” al público a cantar (“Yo soy Don Francisco, y cuando yo digo canta, cantas!” señaló Patton enfundado en una máscara de verdugo, sacando carcajadas generalizadas en la previa de “Spirit”) .
Entre tanto momento sublime del concierto, probablemente el ganador de la noche fue la interpretación de “Qué he sacado con Quererte”, el cover de Violeta Parra que la banda ya había insinuado la noche anterior en la Teletón, pero que esta vez extendieron más y la pegada fue mucho más ad hoc, con la sicodélica “King For A Day”, generando una atmósfera simplemente emocionante. Extraordinario.
La primera despedida vino, como suele ser, con “Just a Man”, pero todavía quedaba media hora de concierto más. “Zombie Eaters” fue otro regalo que había quedado fuera el año pasado, y a estas alturas ya no me quedan nuevas maneras de decir lo bien que sonó. “Surprise you’re Dead” siguió, y la nueva despedida vino con “We Care a Lot”, donde varios se sacaron la espinita por el condoro del sonido del año pasado.
El público gritaba enardecido para que volvieran a tocar “Digging the Grave” (que también quedó fuera del setlist de La Florida el año pasado), y la banda retorna nuevamente para darnos en el gusto, no sin antes interpretar “Easy”. Y cuando ya pensábamos que no quedaba más, Gould y compañía regresan por la despedida definitiva, escogiendo como último tema nuevamente un cover acorde a la situación. Suena la romántica “Kiss and Say Goodbye” de The Manhattans, y la mitad de la banda se despide del escenario dejando solamente a Roddy Bottum en los teclados, y a un Mike Patton que se tiró al público a recibir los últimos pollos de los “putazos” chilenos. Qué despedida, loco. Y fue en Chile.

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Dictadura Musical: 10 Canciones para el Tirano


El músico que sabe interpretar el sentido del pueblo es aquel que se inmortaliza, aquel que queda en el recuerdo por sus propuestas valientes y honestas.

Dentro de los pasajes más tristes de la historia reciente, está el período que comenzó aquel 11 de septiembre de 1973, donde hubo un personaje que quedó grabado en la memoria colectiva mundial como la imagen país del último cuarto del siglo XX. Ese personaje es Augusto Pinochet.

Nunca nos enteramos, con certeza, acerca de los gustos musicales del dictador chileno, de lo que -por desgracia- si supimos, fueron todos los intentos que maquinó para hacer desaparecer todo vestigio de corrientes musicales ligadas a la Unidad Popular, partiendo por la Nueva Canción Chilena, que por los '70, pasaba por su momento clave. Bien lo relata la periodista Marisol García:
“(este era) un país que bullía de creatividad musical, y que al fin lograba afirmarse en una continuidad de publicaciones, figuras y festivales como los que laten en todo país sano”.
También, conocemos todas las faramañas que ocupó la administración Pinochet, desde septiembre de 1973, para frenar toda continuidad de creaciones musicales con tendencias contrarias al ‘nuevo orden’: a punta de balas, exilio, censura y vulgaridad, silenció un pilar de identidad que aún no logramos reconstruir del todo. Se perdió a toda una generación de músicos, de rockeros.

Pero la vida tiene curiosas formas de hacer justicia. Desde la segunda mitad de los '80, comenzaron a surgir rebeldías musicales que subsistían en un tenso ambiente político (leer más al respecto por acá), y así, el mismo caudillo que intentó frenar la producción musical, fue la inspiración para un montón de músicos que bajo sentimientos como la injusticia, la impotencia, el dolor, la rabia, etc., pudieron desahogarse por todos esos años de censura y prohibiciones, y crearon diversos himnos anti-dictatoriales.

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A continuación, en el cuarto aniversario de su muerte (una de las últimas 'fiestas populares' y de las más espontáneas vividas en el país -no ligada al fútbol- donde se congregaron todos quienes vieron pasados a llevar sus derechos durante los 17 años de dictadura), les dejamos a modo de conmemoración, 10 canciones (con sus respectivos audios) inspiradas en Pinochet y el horror de la dictadura militar, 'porque aunque la perra murió, la leva sigue aullando':


"Cuando Muera" [Fiskales Ad-Hok]



El soundtrack indiscutido de aquella tarde de domingo. Cuando una parte de la población se volcaba a las calles para, sencillamente, celebrar la muerte del tirano (luego de semanas de agonía en el Hospital Militar), los siempre controversiales Fiskales Ad-Hok venían anunciando su jolgorio desde 1998, cuando deciden incluir este punk crudo de sólo 42 segundos en su tercer disco "Fiesta". Sin más rodeos le gritaban a los 4 vientos: "vamos a celebrar cuando muera Pinochet". Para la anecdota queda la paradoja de Alvaro España que no pudo compartir los festejos con mucha gente, según el mismo cuenta.
"Mirando hacia atrás, en la historia,
con la bala pasada, con la bala pasada
Mirando hacia atrás, en la historia,
con la sangre totalmente infectada
Con el odio, con la rabia ,
del que perdió la batalla
El rencor, acumulado,
en la memoria me hace reventar
Vamos a celebrar, vamos a celebrar,
Vamos a celebrar, ¡cuando muera Pinochet!"

"No es Cierto" [Los Tres]



Los Tres, desde sus inicios por allá en los '90, nunca ocultaron su crítica contra el último período negro de la historia de Chile, eso si, siempre maquillada con letras metafóricas. En su catálogo musical se pueden encontrar canciones dedicadas, por ejemplo, al Mamo Contreras ("La Primera Vez", "Bestia") o a los embates de la dictadura ("He Barrido el Sol", "Pájaros de Fuego" -esta última teniendo una lectura más banal, según ha trascendido). Sin embargo, no es hasta su regreso en el 2006, cuando deciden dedicarle un tema, sin rodeos, a Pinochet. Con ironía, los penquistas hacen esta canción tomando una clásica frase dicha por el mismo Capitán General, en una de las pocas veces que el acudió a tribunales. Su respuesta pasó a la historia ante la consulta del juez Montiglio respecto a si, durante su 'presidencia', había sido jefe directo de la DINA: "No me acuerdo, pero no es cierto. No es cierto, y si fuera cierto, no me acuerdo" dijo, sin siquiera arrugarse. Una genialidad, según mi perspectiva, del humor negro.
"Nunca nadie entendió lo que dijiste ayer
Sonaba tan distinto a cuando eras el rey
Un hombre convertido en niño le ruega a Dios
Silencioso como una rata meando sobre algodón
Dios perdonará si me excedí, pero no creo
Todos los problemas que causé se los dedico al cielo
No me acuerdo, pero no es cierto
Y si es cierto, no me acuerdo"

"Juicio y Castigo" [2X]



Una sin metáforas, llena de rabia y tomando cierta justicia. Este track de 2X es una ametralladora cuyas balas son los versos del versátil Alex de la Fuente (único miembro original en la actual formación de los de Recoleta). La incorporación de frases extraídas desde las instrucciones por radio que se daban los soldados imponiendo su justicia y su ley en las calles de la ciudad, aquel día de 1973, parece aumentar el nivel de brutalidad de la canción, que no deja lugar a dudas sobre el mensaje, sólo hay que escucharla y cabecearla con todo. Con ustedes: "Juicio y Castigo", del primer disco de la banda, “Pateando Cráneos” (2000).
"Violaste a tu patria maldito gusano
pasaste a llevar los derechos humanos
engendraste el odio en el pueblo
¡y reprimiste nuestro cerebro!
Ahora llegó el momento de pagar
todas tus culpas vamos a juzgar
en nuestras manos la ley tomaremos
y con nuestras manos te castigaremos
Mereces la muerte ¡hijo de puta!
pero lentamente para que sufras
dejaste cuerpos oliendo a podrido
no tendrás perdón , no tendrás olvido"

"Pisagua" [Los Miserables]


La ruta sanguinaria de muertes y torturas no sólo golpeó duro a la capital. Hubieron lugares donde la brutalidad, las desapariciones, la agonía, tomaron como epicentros las regiones más extremas de nuestro país. Ese es el caso del nefasto campo de concentración de Pisagua. Es así como Los Miserables, tomaron un testimonio anónimo (de los tantos casos de violaciones a los DDHH que ocurrieron en la I región) y lo hicieron una hermosa y emocionante canción, que a estas alturas ya es un himno. Para escucharla en silencio, y recordar lo que jamás debe volver a pasar.
"18 años después, de angustia y de dolor
encontraron su cuerpo, mutilado y deshecho
su familia y su hijo, piden juicio y castigo
En su Mercedes va el General
gozando de su impunidad
con el peso en su conciencia
de quitar vidas ajenas
por su orden apresados
por la espalda asesinado"

"11 de Septiembre de 2073" [Le Mat]


Desde los escenarios más emergentes, también surgen gritos en contra de los espurios titiriteros de la dictadura. Porque aunque hayan pasado más de 35 años de los hechos, aunque cierta clase política se esmere en hacer olvidar la historia, aunque el perro esté enterrado y pudriéndose en el infierno, las heridas de ese pasado aún calan en una juventud clasificada como los 'hijos de la dictadura'. Así, los sureños láricos Le Mat hacen el trabajo visionario de lo que aún ocurre cien años después del Golpe, en el 2073, con esta extraordinaria rola cargada de rock, que es parte de su primer disco homónimo que pueden descargar gratis en su web oficial.
"Una fecha pa' recordar
lo que no se debe olvidar
hoy va a justificar
tu derecho a matar
Fueron tiempos de pura idiotez
lo dejamos sin resolver
aún en cien años
no sabemos qué hacer"

“Verte Caer” [Dracma]



Del único disco editado por la banda de los hermanos Foncea, aquel homónimo del año 2000, se extrae este track, sutil pero sentido contra el General y todo aquel que cometió los actos llamados de ‘lesa humanidad’ y que da cuenta de la visión luego de la detención en Londres (el ‘gran error’) y la esperada justicia.
“Me pregunto si alguna vez pensaste
En toda la gente que dañaste
Los hijos sin padre, madre y hermanos
Que nunca más pudieron ver la luz de la alegría
Desde que tú pisoteaste sus vidas
Sin ningún tipo de arrepentimiento
Vives hoy postrado como un hijo de su madre
Que piensa que todo se olvidará
Quiero verte caer
Quiero sentir al fin la venganza
Quiero verte sufrir
Quiero dormir en paz”

“Perro Muerto” [Fiskales Ad-Hok]



De su ultimo disco ‘Lindo Momento Frente al Caos’, del año 2007, este track que aún cuando no lo nombra directamente, es muy fácil deducir a quien está dirigido. Haciendo una analogía con aquella práctica de irse sin pagar en un local de comida, se hace alusión a la cobardía del valiente soldado que en sus últimos años, cada vez que la justicia lo llamaba a declarar, se hacía el enfermo y luego se escondía tras su ejército de abogados, encabezados por Ambrosio Rodríguez.
“Y a quién le vamos a cobrar
Si la mentira es institucional
Nada hay que hacer si la justicia
Es la puta del que pueda pagar
Nos quedamos fríos mirando
Como te vas y nos sigues cagando
Con tu gente indecente
Que te sigue, que te defiende

Y qué paso con el honor militar
No sé
Y qué paso con el amor a la bandera
No sé
Y qué paso con el valiente soldado
No sé
Se escondió detrás de un abogado
El abogado del diablo!!”
“Blues Al Desaparecido” [El Cruce]

Un grito de tristeza, como lo dice su letra, desde la perspectiva del dolor de un niño cuyo padre es detenido por los militares, y finalmente lo deja de ver para siempre. Una gran canción, tremendamente emotiva, compuesta por el gran Claudio ‘Bluesman’ Valenzuela, de los otros grandes: El Cruce, que aparece en el disco “A mi País” del año 2006.
”Sin aviso alguno le quitaron a su padre
Se lo llevaron unos hombres con otros ideales
No llores, mi pequeño
Esto es sólo un gran error
Estos hombres que me llevan
Pronto entrarán en razón

Mañana es domingo y como siempre, te prometo
Volveremos a estar juntos en la mesa
Quédese tranquilo, hijo
Que su padre nunca ha roto una promesa

Dónde está mi padre
Necesito encontrarlo
Quiero verlo cuanto antes
Sólo para abrazarlo

Desaparecido, desaparecido
Nadie puede devolverme lo perdido
Desaparecido, desaparecido
No hay domingos, no hay perdón y no hay olvido”
M.L.C.A.E. [Rekiem]


Una letra directa, como todas las que forman “apgar:0” del año 2000, que en colaboración con Makiza, retratan el legado de ‘secuaces’ que aún pululan por la política y los medios, profundizando la ignorancia y falta de cultura que la dictadura impulsó. A estas alturas, en lugar de Canal 13 se debería decir Mega, aquel antro de la chabacanería, el chiste fácil y el embrutecimiento televisivo.
“Oye bien, el habla del diablo, está tu camino
Lee entre líneas y conoce a tu enemigo
Está por todas partes, maneja tu destino
Ese mismo hijo de puta que aplaudió al asesino
Manos con sangre, puedes sentirlo
Quieren el perdón pero no quieren pedirlo
La culpa en la cara, conciencia oscura
Los mismos cobardes que amaron la dictadura
Cobarde como un militar
Que sólo hasta 4 aprendió a contar
Invoca a la patria para justificar
Los miles de muertos que no quieren cargar
¿Es este el país que querías?
Asesinos caminando entre la gente día a día
Justicia corrupta, callada, macabra
Culpable como el cerdo que de cambio él te habla

“El Paño de Luis” [Weichafe]
Si bien la canción no está completamente dedicada al siniestro personaje, si lo es a su legado de desigualdad y segregación, una de las letras más ‘comprensibles’ de la extinta banda, que si bien denuncia, no se compromete mas allá ni entra en una discusión añeja, demostrando el hastío por las consecuencias que en los jóvenes tiene la actual conformación de la sociedad, de la que todos heredamos de uno u otro modo sus consecuencias. Aparece en su disco “Pena de Tí” del año 2004.
“Mal formados bajo represión
Ignorantes como el dictador
Quiero ver alegría en las calles de nuestra región

Basta de segregación,
no hay bien ni mal en esta canción
Pacté ir más allá”
Pueden escuchar estas canciones en este playlist de Grooveshark: 10 canciones para el Tirano.
©2010. Escrito por César Tudela y Miguel A. Pérez*Imagen principal por Pablo Lobato

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LITERATURA +ROCK: Ray Loriga

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Dentro de los tantos autores que hemos abordado en esta sección, en esta ocasión nos enfocamos en este español, que si bien se escapa de aquella conexión directa con alguna obra musical, es el quien realiza la misma conexión pero en el sentido inverso, es decir, a partir de grandes bandas y grandes discos de la música, nace su obra o parte de ella

ray_loriga_mRay Loriga, español, con 43 años a la fecha y 12 libros publicados, fue reconocido en el mundo literario como un heredero de las plumas de la generación beat y los viajes de sexo, drogas y rocanrol.

Su novela 'Héroes' fue la que lo 'condenó' a llevar estas etiquetas por largo tiempo, aquella historia desordenada y poco lineal que cuenta las andanzas de un joven que solo quiere una chica rubia y ser estrella de rock, que en sus sueños se encuentra con Bowie, Lennon o Lou Reed, y que mantiene viva esa llama de rebeldía adolescente que inspira al rock como un movimiento liberador.

Tanto para Loriga como para el protagonista de 'Héroes' (del cual nunca nos enteramos su nombre) la música es fundamental en su vida, así como para muchos de nosotros, no por nada el titulo de esta obra de 1993 se inspira en aquel gran disco con el mismo nombre de David Bowie, publicado en 1977. La canción del mismo nombre, el track 3 de aquel disco, fue versionada por The Wallflowers para la banda sonora de Godzilla en el año 1998. En aquella banda estaba, nada mas y nada menos, Jacob Dylan, en voz y guitarra. hijo de otro de los personajes de culto citados en el libro: Bob Dylan.
“Dejé el trabajo. Comprobé que la mayor parte de las luces se encendían y se apagaban sin contar conmigo; cines, cafeterías, grandes almacenes, coches, trenes y aviones, las farolas en los puentes y los semáforos. Así que puse los dedos sobre los interruptores que podía controlar. También imagine que venía algo mejor y me senté a esperar dentro del Blood on the Tracks de Dylan”
Bowie inspira otra vez.

No solo Dylan, Bowie o Lennon cruzan por las paginas del libro, la relación estrecha entre el protagonista y el rock nos rememora de cuando en cuando a The Clash, Sex Pistols, Nico, Bruce Springsteen, Iggy Pop, Neil Young, Ray Manzarek, Keith Richards e incluso Ziggy Stardust.Una muestra de esta relación musical queda de manifiesto en la siguiente cita:
"Antes, cuando iba al cine, trataba de retener la sensación de Al Pacino durante mucho tiempo pero siempre se escapaba y lo que quedaba luego era el recuerdo de la sensación y eso ya no es lo mismo. Con el video puedes tener la sensación aislada como un virus, y recuperarla siempre que quieras. Como el que se pone su sombrero favorito. Como las canciones. Puedes ponerte la sensación Light My Fire’  y salir a la calle.
Sentirte como Jim Morrison no te convierte en Jim Morrison, pero no sentirte como Jim Morrison te convierte en casi nada.
Yo nunca saldría a la calle sin sentirme como Jim Morrison o Dennis Hopper por lo menos"
Para estrella de rock no le alcanzó a Loriga, pero si para su chica rubia, ya que estuvo casado por varios años con Christina Rosenvinge, la blonda vocalista de Christina y Los Subterráneos que en los noventa hacia furor con sus baladas. También le alcanzo para ser guionista, cineasta de películas y para escribir columnas en el diario El Pais de España.

Hace rato que quería leer a Loriga, un día vitrineando en TXT me encontré con el único ejemplar de ‘Heroes’ en edición de bolsillo y a un precio menor a los $5.000. Pueden encontrarlo, e iniciarse, como yo, en la obra de este madrileño en BuscaLibrosFeria Chilena del Libro o bien en Taringa, para que no digan que solo hacemos promoción gratis, ja.


ANEXOS:
- Entrevista a Ray Loriga en 2009, en ‘The Clinic’ firme junto a las empresas.
- Entrevista en La Nación, 2009
- Algunos de sus libros en
Google Books

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CINE +ROCK: Faith No More y su ‘homenaje’ a Hitchcock


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Sin duda que ‘Vertigo’ es una de las mejores películas del gran director del cine de suspenso Alfred Hitchcock, en la cual su protagonista John ‘Scottie’ Ferguson (James Stewart) es un detective privado que sufre de acrofobia, y es contratado para vigilar a la esposa de un millonario ex compañero de estudios. Así comienza la trama de una de las películas más clásicas e imperdibles de la historia del cine y que fue homenajeada (o parodiada, según como se vea) por la banda norteamericana que acaba de finalizar su inmensamente lucrativa gira en nuestro país.
Trailer de Vertigo.
Joseph Kahn fue el director del video de “Last Cup Of Sorrow”, que hace 13 años formaba parte del ultimo disco que la banda edito. El producto final se destaca por su perfeccionismo en imitar casi a la perfección las tomas, vestuario y locaciones del film original, con algunas diferencias lógicas del formato videoclip y la tecnología que 40 años atrás no existía.
Sin embargo, a pesar de no tener la tecnología del fin de siglo, Hitchcock fue un innovador sin igual. Por ejemplo, para mostrar de mejor manera el efecto de vértigo que sufría el protagonista, cuando este estaba en lugares altos, utilizo magistralmente el efecto denominado “Zolly” o “Dolly Zoom”, inventado por el camarógrafo Irmin Roberts, que consiste en alejar la cámara mientras se aumenta el zoom de la misma, o viceversa, con lo que el fondo de la imagen varia de manera progresiva al aumentar la profundidad de campo, provocando la ilusión óptica de mareo en las alturas o acrofobia. Como se ve en la genial escena del campanario a continuación.
El Dolly zoom en el campanario.
En la película los roles del detective John Ferguson y Madeleine son interpretados magistralmente por dos grandes actores: James Stewart y Kim Novak, mientras que en la versión de Faith No More, es Mike Patton quien las hace de detective y Jennifer Jason Leigh intenta emular a Novak. Asimismo, todos los integrantes de la banda, participan de la parodia en la versión de Joseph Kahn.
El video dirigido por Joseph Kahn

A continuación dejamos algunas capturas de ambos trabajos, separados por casi 40 años, a la izquierda el original, a la derecha la copia-parodia-homenaje.
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ANEXOS:
-
Entrevista a Joseph Kahn y la lista de sus videos realizados
- “Dolly Zoom” en tecnicacinematografica.blogspot.com
-
Análisis y datos del video de Faith no More en queco.blogspot.com
-
Vertigo, disfrutala desde Taringa
- Ve la pelicula de Hitchcock online, en Cuevana