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Los No-Himnos del Bicentenario II


“No hay primera sin segunda”, y es por eso que nuestra selección de los escogidos como los No-Himnos del Bicentenario continua con esta segunda parte, que presenta la particularidad de expandir los horizontes del rock mostrando otros sonidos, así como también bandas que creemos merecen una mayor difusión, por su calidad y por integrar dentro de sus líricas el discurso contracultural presente desde los inicios del rock, pero que de a poco se ha ido volviendo imperceptible.

Violeta Parra – Miren Cómo Sonríen

violetaparra Quien otra que la creadora de los "cantos revolucionarios" (como decía ella misma) puede poner en tela de juicio nuestro status quo nacional. La Viola, entre sus tantos aportes a la música, tiene uno que es fundamental: entendió que la canción es una herramienta de esclarecimiento, lejos de las trivialidades y los versos fáciles, pero sin sacrificar la belleza y la poesía al contenido. Y de qué manera tan potente lo manifiesta en esta canción de 1962, que ha sido versionada en más de una ocasión por músicos de todos los rincones del orbe. Una canción, un manifiesto de la violencia institucional que azota a las sociedades.
Miren cómo sonríen los presidentes
Cuando le hacen promesas al inocente.
Miren cómo le ofrecen al sindicato
Este mundo y el otro, los candidatos.
Miren cómo redoblan los juramentos
pero después del voto doble tormento.
Miren Cómo Sonrien by Violeta Parra on Grooveshark

González & Los Asistentes – Tuvo Que Ser Tocado En Jukebox

gonzalez_y_los_asistentes Hadda Be Playing On The Jukebox es un poema del escritor beat Allen Ginsberg, pero seguramente la familiarizan más con los subversivos Rage Against The Machine, quienes la musicalizaron y grabaron para su exclusivo Live&Rare. Por otro lado, y en este rincón del planeta, este poema fue adaptado "a la chilena" por los incatalogables González & Los Asistentes. Utilizando la base musical de 'War Pigs' de Black Sabbath, hacen de esta canción un potente himno contra la corrupción y el imperialismo yanqui, haciendo hincapié en la intervención de la CIA en el Golpe de Estado del '73. Un doble-cover con aires criollos que nos abofetea en la cara la sucia realidad política.
Tuvo que ser el capitalismo la vorágine de esta rabia
La competencia del hombre por el hombre
¿Acaso bombardear Camboya ajustó las cuentas con los soviéticos?
La democracia roja chilena se fue a la mierda por el caceroleo de la Casa Blanca
Como advertencia a los Gobiernos del Mediterráneo.
Tuvo Que Ser Tocado En Jukebox [Allen Ginsberg] / War Pigs [Black Sabbath] by González & Los Asistentes on Grooveshark

Tiro De Gracia – Leyenda Negra

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La canción del ex-tridente más popular del hip-hop nacional es una rola babilónica; una mezcla entre rap y música latinoamericana, donde se conjugan samples, líricas contestatarias, trutruca, bombo, trompe, la inspiración de Las Venas Abiertas De América Latina Eduardo Galeano y los aullidos de Joe Vasconcellos, que la hacen un imperdible a la hora de hablar de anti-himnos. En sus exactos seis minutos, evidencian el maltrato y tortura hacia los pueblos indígenas, sí, el abuso centenario que tuvieron que sufrir nuestros indígenas para que hoy se celebre el bicentenario de una nación. Qué ironía. Abuso y persecución, que por lo demás, es tan coyuntural que estos versos certeros versos:
Hoy voy a sentenciar el derecho a matar
Frente al juzgado que en mi mente ha desatado
Furia por la lujuria de la injuria del Estado
Que ha censurado penuria pues ha reemplazado educación
Por páginas de traición
En un libro manoseado de pasado censurado
En el antiguo descubrimiento ambiguo
Acompañada por una cruz, bañada por una luz
Que ilumina hipocresía y regia al mesías
Vestía traje de culpable y hoy es honorable.
Leyenda negra by Tiro de Gracia on Grooveshark

TronN – Despertar

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TronN, aparte de generar una quimera musical entre lo connatural del folklore y la influencia del death metal, sus letras se empeñan en manifestar distintas desigualdades sociales. 'Despertar' nos habla sobre nuestra identidad como una pertenencia foránea - "admirando las riquezas del extranjero"- y de cómo el país se ha ido convirtiendo en una nación a medias. Un Chile "a la medida de lo posible", donde lo único que parece incrementar son las arcas de los dueños de todas las cosas.
Nos vemos enseñando atroces valores impropios.
Nos vemos sumidos en algo similar a la estupidez.
Somos grandes edificios a medio construir.
Despertar by TronN on Grooveshark

La Mano Ajena – Décimas Del Bicentenario

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En clave de tonada, el grupo nacional de klezmer compuso una de las canciones más adecuada para este playlist. 'Décimas Del Bicentenario' es en toda su esencia, lo que motivo a escribir y a mostrar estos no-himnos. Empezando con una retrospectiva al centenario, nos devela que poco y nada se ha aprendido y avanzado en cien años. Evidencia esa chilenidad ególatra, jactanciosa y ciega, esa idiosincrasia de creerse más de lo que somos, identificándose sólo una parte de la sociedad: la triunfadora, la que sonríe. El resto de nuestro pueblo, el mayoritario y el que hace andar a Chile, que se joda y se siga pudriendo en su miseria.
Al cumplir Chile cien años
Se construyeron palacios
Con europeos espacios.
Para el mundo no fue extraño.
Para el pueblo era un engaño
Mirando los conventillos,
Sin educación ni anillos
Mientras la oficialidad
Escondió la realidad
Exportando sólo brillos.
Décimas Del Bicentenario by La Mano Ajena on Grooveshark

Yves – Canción Del Bicentenario

Otra más, que sin pelo en la lengua nos habla de la poca filiación que tenemos a la hora de hablar del bicentenario patrio. El cantautor callejero Yves, ex-Mortero, nos narra su visión de estos 200 años, desde una vereda más pesimista, esa que todos queremos obviar para tomarnos un vaso de chicha y comer una empanada sin culpa. Qué importa si nuestro dinero llega a los mismos españoles que otrora torturaron, violaron y asesinaron a la gente de la tierra. Celebrar es la única premisa. Eso es lo que nos dice esta canción.
Y por qué hablo de esto señora
Porque nunca hubo, ni antes ni ahora
Esa palabra que hoy se celebra
Sin identidad no hay independencia.
Canción Del Bicentenario by Yves on Grooveshark

Los Miserables – Qué Pasa En El Jaguar


Alguien, a mediados de los ’90, sugirió que Chile era el "jaguar de Latinoamérica". ¿Qué pasó entonces? Esa es la pregunta que se hace uno de los referentes del punk rock chileno. Doce mordaces versos tratando de responder la interrogante, ejemplificando con la realidad más cruenta nuestra dicotomía social. Un jaguar acomodado a la realidad que nos muestran en los medios, pero que dista mucho de la que realmente viven la mayoría de los compatriotas.
Qué pasa en el jaguar que todo está al revés
Miseria en las calles todos lo pueden ver
Niños pidiendo en los pasillos del metro
Los senadores aprueban subir sus sueldos
Los hospitales son una porquería
Te mueres si no tienes cheque en garantía
En el jaguar hay senadores vitalicios
En el jaguar la cultura es pa’ los ricos.
Que Pasa En El Jaguar by Los Miserables on Grooveshark

La Desooorden – Ciudad De Papel

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Desde la senda ambientalista, los valdivianos de La Desooorden también aportan lo suyo a este playlist. Sin dudas, uno de los tema de conversación y discusión en boga en estas celebraciones nacionales es el cuidado ambiental. 'Ciudad de Papel' desenmascara, con una poesía exquisita, los problemas ambientales latentes específicamente en la X región, dejándonos bien en claro que ese orgulloso "Puro Chile es tu cielo azulado", no es más que una linda frase.
Si al amanecer te encuentras siendo amenazado,
Es que traicionaste a tu alma, te la han lavado.
Te la han lavado, como al dinero.
Ainil habitada, naturales desplazadas.
Ciudadela colonial, de industrias poblada.
Y ese dinero mal habido.
No hay justicia que le gane
Valdivia arrasada, por agua inundada.
Ciudad de papel, naturaleza cobra en él.
Ciudad de papel by La Desooorden on Grooveshark

Por acá el playlist completo para escucharlo todo 18 de septiembre.

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El Arriero: rescatando las raíces a través del rock

'El Arriero Va', mural en homenaje a Atahualpa Yupanqui y su clásica canción
Artista: Rodolfo Campodónico, Trenque Lauquén. 1999.

La Era De La Boludez, aquel disco editado en 1993, el tercero en estudio de los argentinos Divididos (con la producción de Gustavo Santaolalla), nos sorprende en su tercer track con una canción densa, emotiva y con una letra que evoca el folklore con una simpleza magistral. Aquella poesía cotidiana, tomando elementos naturales y de fácil reconocimiento para construir metáforas vitales y profundas, pertenece al reconocido cantautor Atahualpa Yupanqui.
Dentro de la discografía de la banda liderada por Ricardo Mollo y Diego Arnedo, es habitual encontrar este rescate que hacen de la música de raíz, que se ha mantenido, por lo demás, en sus veinte años de trayectoria como uno de sus sellos característicos, que se conjuga dentro de aquel potente rock de power trío que los hizo acreedores del seudónimo "la aplanadora del rock"’, a estas alturas, ya su nombre por antonomasia.

Atahualpa Yupanqui
A través de los años, han reinterpretado en varias ocasiones a grandes folkloristas latinoamericanos: Quirino Mendoza, Mario Arnedo Gallo, Ricardo Vilca, y al mismo Yupanqui. Además, variadas composiciones originales rescatan los sonidos de la chacarera, el malambo y otros ritmos del folklore argentino, incluso el tango, dentro de una búsqueda que ambos músicos tenían desde muy jóvenes, pero que se vio truncada, en parte, luego que conocieran al gran Luca Prodan e iniciaran la leyenda con Sumo. Esta búsqueda, según cuentan, no es a propósito, ni menos aún es con un afán chovinista o patriotero, sino que se enmarca dentro de una "devolución" cultural a quienes los han influenciado para llegar donde están. Es algo que les sale de manera natural, por su formación musical, y que no pretenden sea tomado como algo forzado.

La historia de la canción fue contada por los mismos integrantes en el programa Encuentro En El Estudio, de la televisión argentina, donde señalaron que, en plena sesión de grabación, comenzaron a improvisar un blues denso, zeppeliano, y mientras aquella densidad se iba apoderando de la sesión, Ricardo comenzó a agregarle a la improvisación la letra de Yupanqui, originándose, entonces, una de las grandes canciones del trío argentino, cuya carga emocional es producto de una sentida (re)interpretación tanto de la influencia de Page, Plant, Jones y Bonham, como del compositor trasandino.

El resultado, luego de 17 años de grabada, los lleva a asumir aquel aporte mediante el reconocimiento que ha llevado a toda una generación de jóvenes a descubrir quién es Atahualpa Yupanqui, y porqué está dentro de un disco de Divididos; una búsqueda que todos hemos iniciado alguna vez cuando descubrimos las influencias de nuestros artistas, y así vamos descubriendo y escarbando hasta los orígenes de la música, de Divididos al folklore al hard rock setentero a los inicios del blues, enriqueciendo nuestro conocimiento musical, abriendo nuestras mentes y revelando porqué este estilo de música ha permanecido por tanto tiempo.

Una de las primeras canciones de la banda que descubrí, por allá a fines de los '90. Un sonido aplastante y emotivo, de esas canciones que se te quedan grabadas al instante, de esas que te emocionan, gracias a la electrizante guitarra de Mollo y aquella densa muralla alzada con las líneas de bajo, que te transportan a los lugares recónditos donde viaja el arriero, solo con sus animales, atravesando la pampa y la cordillera. Es de aquellos temas que se deben escuchar a todo volumen para lograr captar la esencia y la emotividad que resulta al sumar a Zeppelin y Yupanqui mediante la potencia de la aplanadora, una suma potentísima con un resultado que impresiona, desde la primera vez que se oye y que ya se ha transformado en un clásico.

Escuche a todo volumen la excelente versión de Divididos, registrada en La Era De La Boludez.

El arriero by Divididos on Grooveshark

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El gran choque

En septiembre de 1979, Paul Simonon golpeaba su bajo Fender Precision en una actuación de The Clash,
en el Palladium de Nueva York. Pennie Smith capturó el momento en esta fotografía

Una vez, a eso de los 14 años, recibí un disco con un tipo rompiendo su bajo en la carátula. Quien me lo regaló, dijo que era la música que le cambiaba el rumbo a las cosas el año en que nací.

London Calling, de 1979, es el tercer álbum de The Clash, la que según mi juicio, es la única banda punk británica que le hace verdaderamente peso a los gringos The Ramones.

Cuando vi la foto de la tapa quedé loco. Automáticamente supe (sin haber oído ni un sólo minuto), que eso era lo que tenía que escuchar. Claro, pensé que sería un disco de rock pesado, estridente al menos, considerando el retrato de la portada. Pero a cambio, me encontré con ska, reggae, punk rock, y en lugar de generarme tensión mandibular, me descubro marcando el beat con el pie.

The Clash llevó un discurso de rebeldía política al punk rock, y sus líneas éticas los llevaron a librar grandes batallas con la producción y la casa discográfica para conseguir que este disco doble se vendiera a precio de un LP normal.

El principal impulso de cualquier banda punk de la segunda mitad de la década de los 70 era que no tenían nada que perder, así que ya estaba: a escupirle al establishment, aunque en parte estuviera compuesto por quienes pagaban sus grabaciones.


De entre las favoritas del disco están 'London Calling', donde se denuncian parte de las mayores vicisitudes de la sociedad inglesa, como el desempleo, las drogas, y los conflictos raciales. 'Rudie Can't Fail', que ha sido grabada más tarde por Mighty Mighty Bosstones y por Rancid, es un ska en composición clásica, probablemente una de las piedras fundacionales de todo el movimiento ska-punk que le sucedió.

Si no has escuchado este disco todavía, quizás te sorprenda enterarte que en él se grabó la versión original de 'Revolution Rock', famosa en estas latitudes por la versión de Los Fabulosos Cadillacs, quienes también han tocado 'Guns Of Brixton', del mismo disco.

Otros temas a destacar son 'Clampdown', que tiene una versión hecha por Rage Against The Machine, y que habla de una cuestión bien frecuente y poco estudiada, que es ese minuto en que algunos abandonan sus ideales de juventud para entregarse al sistema.

La memoria asociada a este disco, es el día en que agarré 5 lucas y me compré mis primeros bototos de milico en el Persa Bío-Bío.

Sobre cómo te llega al oído, disfrutalo por ti mismo apretando play:

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Los Prisioneros: rock en la Quinta


En el 2003, Los Prisioneros dejaban caer su música sobre la Quinta Vergara, cargados de una expectativa en el ambiente debido al tiempo transcurrido sin pisar el (otrora) escenario de música popular más importante de Chile y Latinoamérica, por la realización del Festival de Viña del Mar. Las ironías del destino habían hecho que los tres prisioneros nunca se hubiesen presentados juntos en la Quinta. Personalmente, creo que el miedo de la organización por los dichos de González sobre el Festival -y teniendo como referencia lo ocurrido con su presentación en la Teletón 2002- fueron siempre más fuertes que las ansias de los fans y seguidores de la música que vociferábamos con todas nuestras fuerza su presencia.

Ya una vez arriba, se sabía que Los Prisioneros harían de las suyas, y en la etapa que está este país, seria mal visto hacer gala de una censura solapada. Por tanto, la posibilidad de cortar el show era inviable, y para regocijo de todos los que esperamos que en un escenario artístico como el de Viña todas las expresiones políticas y culturales tengan cabida, esto no ocurrió.

Y desde el primer momento entraron con todo, con la furia que los transformó en leyenda. El vocalista, motivado y transgresor, entró dando el primer puñetazo: "¡A ver esa pifia! Toda la Quinta pifiando, vamos. ¡La pifia, más fuerte! ¡Queremos pifias!", dijo irónicamente y se echó la concurrencia al bolsillo.


Durante el desarrollo del show, la postura grupal fue la esperada: poca conectividad visual. Prácticamente no se miraban en el escenario, algo que no es relevante, puesto que, salvo excepciones, la conexión musical entre ellos sigue existiendo. Ya al comienzo con 'Sexo', González hacía gala de su ironía habitual refiriéndose al cura del Canal 13, que cual dios terrenal trata de direccionar la vida de los demás con opiniones fundamentadas en su religiosidad, alejada del contexto mundo y sociedad al cual a diario los seres humanos estamos expuestos.
El curita con el sermón
En el canal de la televisión
Luego la propaganda del celular
Con la mina con el poto al aire.

El curita con la censura
En cierto canal de televisión
Luego las minas con las tetas operadas
Con la propaganda de cerveza.

El señor que no puede hacer
La propaganda del condón
El parece que quiere que todo el mundo
Muera de SIDA.

El curita con el sermón (sexo).
El curita con el sermón (sexo).
El manso culo en la televisión (sexo).

El curita con las palabras al cierre
El curita hablando de amor de Jesús
Pero cuando torturan y matan
Se queda callado.

Puesto que los que mataron
Eran comunistas anticristianos.
Puesto que a quienes torturaron
Tenían vacías de armas las manos.
Y con toda esa tortura
Su canal, los bolsillos se llenaron.
Con 'Quieren Dinero', Jorge se expresó con respecto a la situación mundial del momento: el bombardeo de EE.UU. a Irak, diciendo a los cuatro vientos lo que los medios de comunicación no dicen. Ya a estas alturas agradecíamos el panorama, era lo que se esperaba de Los Prisioneros, que ocuparon la tribuna que en bandeja se les entregaba. A estas alturas del partido, nada podía hacer la organización del certamen para suavizar la situación.

Para los más observadores, parecía que cuando vino el turno de 'Paramar', González señala a Narea como dedicándosela, pero pensándolo mejor, con una mirada menos farandulera, menos fantástica y más conciliadora, creo que lo señala porque el comienzo de la canción comienza con los riff de Claudio, el gesto de González para los más optimistas es entonces de pleitesía para con su compañero. Así, luego parte con la furiosa '¿Por Qué No Se Van?'.


Cuando suena 'We Are Sudamerican Rockers', y recordamos que Los Prisioneros son una banda nacida del esfuerzo, por acá, cerquita de mi casa en San Miguel, cerca también de la casa donde murió Miguel Henríquez y mantenida sin la pirotecnia gringa, sin presupuestos de sellos transnacionales. Ellos, se abren paso en el mercado musical, y yo creo que muchos agradecemos ese sonido poco prolijo, con mas actitud que talento, pero que llena el alma y la mente de los que pensamos que el rock debe por misión ir más allá y que, por lo tanto, debe ser reflejo de las anomalías de nuestra sociedad.

'Latinoamérica Es Un Pueblo Al Sur De EE.UU.' es otra excusa más para que el Subcomandante González vocifere contra lo que no le parece. Acá, cambia a su antojo la letra de la canción para disparar en contra los yanquis:
El Ejército de los Estados Unidos
Dice que hay que ir a la guerra
Toda Latinoamérica le chupa el miembro
Y está dispuesta a avalar esa matanza
Para que los mismos yankees nos vendan
El petróleo, a precios de alza.

George Bush dice que hay que matar a los árabes
¡Puesto que tienen las reservas de petróleo más grandes!
Y las necesita, porque él, precisamente, es un tejano
Millonario y dueño de una petrolera.

Y Latinoamérica dice que sí (¡NO!, grita el público)
"Vamos a la guerra", que sí (¡NO!)
"Que invadan las fronteras", que sí (¡NO!)
"Que asesinen a niños y a mujeres", que sí (¡NO!)

El periódico está feliz, la tele está feliz
El noticiario está feliz, todo el mundo está feliz.

Van a tener las noticias de la masacre en directo
Van a vender diarios, noticias, con los bombardeos
Y se pondrán del lado del más fuerte, una vez más
Como lo hicieron en aquellos años de la dictadura.

El periódico dice que es muy patriota
Pero entrega todo a los gringos que nos ven las pelotas.

Yo quiero al hermano argentino
Yo amo al boliviano
Yo adoro al peruano
Y si alguien tiene un problema con eso
Bien puede lamerme el ano.

Luego de esta metralleta de declaraciones, fue turno de cantar para el público con la más nostálgica canción de viaje: 'Tren Al Sur', del fabuloso Corazones, que coreó toda la Quinta sin excepción alguna.

Era el turno de 'Lo Estamos Pasando Muy Bien', y se notó la distancia emocional de los integrantes; florece toda la descordinación de un grupo que se reúne sólo para ciertas ocasiones, pero también florece la imperfección del punk, y vuelvo a agradecer lo desprolijo del show en vivo. Todo da un giro en 360º y como si estuviese programado salta '¿Quién Mató A Marilyn?'. Sólo para mostrar el escenario y la tecnología de las nuevas instalaciones de la Quinta Vergara, el público canta, grita y disfruta cada minuto que pasa.

De pronto, se silencia todo, se minimiza la iluminación del escenario y con esto se viene un momento especial (dentro de los tantos que hubieron), comienza Jorge González a entonar 'Estrechez De Corazón', dedicada completamente a Claudia Carvajal, la ex-esposa de Claudio Narea. La cámara se queda con el rostro del guitarrista de la banda y pareciese que éste toca con el corazón en la mano, como remontándose a aquel año 1989 en donde golpeó con tanta fuerza a su compañero de banda tras la traición, que según sus mismas palabras: “ fue el golpe más fuerte que he dado en mi vida”. Mientras tanto, Jorge del otro lado canta con el alma, y alarga cada estribillo con tal pasión que pareciese que Claudia es los 25.000 espectadores que en frente tiene. Tal canción sólo podía salir de un conflicto emocional de este tipo, de una sensibilidad extrema y una mentalidad a veces neurótica.


Los Prisioneros siguen con uno de los clásicos del Pateando Piedras, 'El Baile De Los Que Sobran', dejando de manifiesto que, al fin y al cabo, la posición social condiciona muchas cosas en este país y que la falta de educación, en la mayoría de los casos, no es un factor regulador de estas desigualdades.

Pasa un tiempo, reciben "la Gaviota", y se escucha una de las mejores canciones de rock de todos los tiempos: 'No Necesitamos Banderas'. Suena como un himno, como en todos estos años, y Jorge González con su bajo tocado con rabia y feroz dedicación, grita "¡¡NOOOOOOOOO!!" para terminar la estrofa, y se manda un discurso de aquellos, en donde recalca la necesidad de manifestarse en contra de las guerras y abusos y, por sobre todo, la necesidad cierta de hacer de América Latina un pueblo más unido y más hermano, y por ende más fuerte, en el buen sentido de la palabra, claro está.

Esa canción tan conocida que dice “porque dios así lo quiso, porque dios también es hombre” -'Corazones Rojos'- pone la cuota de reticencia dentro del público femenino, pero que es borrada de sopetón con 'Pa Pa Pa', donde todos bailan y celebran. Canción que también sirvió para que, por primera vez, Jorge con Claudio dieran algún atisbo de unidad grupal y se juntaran en el centro del escenario, esta era la primera alerta de que el show pronto acabaría.


'La Voz De Los 80' es la última canción del espectáculo. Sirvió para reafirmar que el rock como tendencia cultural sigue latente y vigente. Las canciones de Los Prisioneros perfectamente podrían ser de un grupo de rock de comienzos de siglo. En 90 minutos, aproximadamente, los sanmiguelinos se pasearon por temas de actualidad nacional e internacional, utilizaron las mismas canciones que los llevaron al estatus de próceres hace ya varios años, para reafirmarnos que el rock siempre seguirá vivo, porque es música con contenido social, lo que sustenta cualquier validez en el tiempo, no sólo para la propia música, sino para todos los seguidores del rock que esperamos en las melodías y letras encontrar las traducción a ese malestar general que nos aqueja y del cual poco hacemos para aliviar.

Los Prisioneros, desafiantes como siempre, cumplían su promesa y daban un nuevo paso en su trayectoria. Y hacían historia. Como nadie en aquel Festival de Viña 2003.

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Los No-Himnos del Bicentenario I


El mes de la patria en pleno nos recordó, hasta la saciedad, el año en que el país celebra los 200 años de la Primera Junta Nacional de Gobierno, (no los de la Independencia, que es en 8 años más) que no es otra cosa que la simple institucionalización del poder en la por ese entonces República. En todos lados se flamean banderas, las grandes tiendas ofrecen endeudarse con el blanco, azul y rojo, y todos quieren ganar a costa del Bicentenario.

Dentro de toda esta fiesta, el rock chileno, dentro de su amplia gama de manifestaciones, ha tenido en estos últimos años una postura critica y un discurso contracultural marcado por ciertas canciones que, aunque pasen los años, no dejan de perder su vigencia. No, mientras no se realicen cambios profundos en el país alguna vez llamado "el jaguar de Latinoamérica". Esta es la primera parte de la lista de nuestros elegidos como los “No-Himnos del Bicentenario”:

Víctor Jara – Las Casitas Del Barrio Alto

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Es uno de los himnos germinales. Inspirado en la canción de Malvina Reynolds e interpretada por Pete Seeger: 'Little Boxes', forma parte del disco El Derecho De Vivir En Paz de 1971, y pretendía señalar las diferencias sociales, educacionales y habitacionales de Chile a comienzos de los '70, y que cambiarían en el entonces gobierno socialista de la UP. Sabemos que las reformas fueron violentamente frenadas, y que hasta hoy se mantienen esas brechas sociales, con cifras brutales. Víctor describió de la siguiente manera la composición, durante su concierto en La Habana en 1972:
La canción se trata de un lugar que hay en Santiago. Recorriendo Latinoamérica me di cuenta que ese lugar se repite en otras ciudades, barrios que generalmente están puestos en colinas muy suaves, donde el aire es mas limpio, donde no hay contaminación atmosférica, donde las áreas verdes son mas hermosas. Claro, para estar de acuerdo con el lugar, las casas que se construyen son mas lindas, mas espaciosas, con ventanales maravillosos, desde donde se domina la ciudad, y a veces mas allá en la ciudad.

Las Casitas del Barrio Alto by Víctor Jara on Grooveshark

Claudio Narea – Rico El País

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El ex-prisionero sacó su lado irónico en el primer single de su segundo disco, El Largo Camino Al Éxito (2006), para enumerar aquellas características que ha adoptado el común de los chilenos en los últimos años, principalmente victimas del manejo mediático que los embrutece día a día y los hace imitadores de productos del mercado, en lugar de inculcarles una identidad propia, el gran karma de este país que celebra por celebrar.
Rico el país tan informado
Con su gente exigente
Que sabe y crítica
Que vota por ideas y no por caritas
Rico el país del people meter’
Todos para arriba, todos para abajo
Rumores, culo y tetas garantizados
No me digas que tu sabes donde vives
No me digas que tu sabes lo que eres
Rico el pais by Claudio Narea on Grooveshark

Fiskales Ad-Hok – Microtráfico

fiskalesadhok
Tráfico de drogas: aquella realidad patente en cada rincón de la ciudad, sin embargo, tan oculta por los medios, tapizada por los reportajes del consumo de marihuana y otras drogas en las poblaciones, sin apuntar a quienes les entregan la droga, solo enfocan el problema sin encontrar a los verdaderos culpables, que no viven precisamente en los suburbios de las ciudades, si no que se pasean de cuello y corbata por los barrios acomodados de la urbe. Los siempre descollantes Fiskales Ad-Hok ponen de manifiesto esta realidad tan latente y flagelante en esta canción de su disco Lindo Momento Frente Al Caos (2007).
Microtráfico en el Congreso,
En la oficina de correos
Microtráfico en el colegio
Y en el aeropuerto
En el patio de la universidad,
Con el tío de la furgoneta
Al lado de la biblioteca
O en la oficina municipal
La culpa es de la publicidad
Hace que quieras tener más y más,
La plata no te alcanza, la vida es tan cara
Y tu también quieres gozar
Microtrafico by Fiskales Ad-Hok on Grooveshark

Triburbana – Zona De Catástrofe

triburbana
El único disco de los oriundos de San Bernardo es uno de los registros más actualizados de nuestro status-quo, donde cada canción denuncia un problema, una condición o característica de este pueblo encerrado por la cordillera y el mar. Desde la mala calidad de educación al centralismo regional, desde el arribismo como deporte nacional y lo malos para el fútbol que realmente somos.
Si el país se parte en trece
Y ya partieron la torta
Todo se lo come el centro porque el resto nada crece
Con tan sólo una visita
En período de elecciones
No se entienden los problemas que a la gente martirizan
Ni hablar de Rapa Nui
Siempre "tan mal ponderado"
No sorprende que ellos quieran ser colonia de otro lado
Los jóvenes se mueven desde el campo a la ciudad
Se pierden en la droga y en el mundo marginal
La gente allá en su casa no tiene ni pa' raspar
¿Darán en el Congreso otra solución parcial?
De hambre, frío, de mentira.
Zona de Catastrofe by Triburbana on Grooveshark

Dracma – Chilenada

dracma1
Una letra punzante y directa al chovinismo que se ha instalado estos últimos años en el inconsciente colectivo de nuestra sociedad. La composición de los hermanos Foncea se mete hasta con el himno nacional, para denunciar ciertos aspectos poco citados en la canción popular, y ocultos en los medios tradicionales. La canción es del primer y único disco de la banda, que llevo por titulo Dracma, lanzado en 1999.
Puro Chile es tu cielo azulado
Corrupción y Gobierno enamorados
El jaguar de Latinoamérica, ¡Hey!
Tenemos los récords más recordados
Número uno en discriminación
Número uno en contaminación
El dictador más famoso
Y el tenista más odioso
Si eres mapuche, mujer o niño
Debes saber que no tienes opinión
Y si necesitas quejarte
El Presidente no está de tu parte.
Chilenada by Dracma on Grooveshark

Rekiem – Traga

rekiem
Otro discurso incendiario, literalmente: “Es hora de prender fuego a tu bandera”. Se posiciona en contra del patriotismo que el sistema y los grupos de poder imponen, como mecanismo de control, la falsa libertad y los escasos espacios reales de desarrollo. El disco Apgar:0, del año 2000, contenía un discurso y un mensaje acorde con este track, dentro del país que esperaba el nuevo siglo.
Patria, ¿qué mierda significa?
Un puño de tarados agitando sus banderas
Prisión patética y mental
Marionetas movidas con mayor facilidad
Se reirán de ti mientras te ven caer, caer
Te asfixiaran con la bandera si te ven retroceder…
traga by rekiem on Grooveshark

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Esperando por el fantasma de Tom Joad


Tom Joad es el personaje principal de la película estrenada en 1940 The Grapes Of Wrath (Las Uvas De La Ira) de John Ford, basada en la novela homónima del escritor estadounidense John Steinbreck, publicada un año antes, y que se convirtió de inmediato en un libro polémico, por su contenido y crítica social, llegando a ser prohibido en algunos estados de EE.UU. En la película, Tom Joad -interpretado por Henry Fonda- es el hijo de una familia yanqui proletaria que, ante la crisis financiera de 1930, son expulsados de sus viviendas y deciden emigrar a tierras más prosperas, atravesando el país desde Oklahoma hasta California, todo esto en un viejo camión donde, desde los niños hasta los abuelos, se embarcan en la búsqueda de tierras, trabajo y dignidad. La película fue ampliamente debatida por la controversia que generaba, a raíz de su tono de política de izquierda que incomodaba a la clase poderosa, porque sacaba debajo de la alfombra económica la realidad del pueblo estadounidense post Gran Depresión.


Sigamos con la historia de Tom. Era el segundo de los hijos de la familia Joad. Luego de salir de prisión, vuelve a la casa abandonada de su familia y se entera que todos se han marchado a California. Una vez que los encuentra, éstos también encuentran un hogar, pero se ve envuelto en una disputa en defensa de su familia que termina mal, y para no volver a la cárcel, se convierte en fugitivo. Al mismo tiempo, se da cuenta que hay mucho porqué luchar además de tener un techo y un trabajo. Antes de marcharse, habla con su "Ma", en este gran dialogo de la historia del cine:
- ¿Sabes en qué he estado pensando? En Casy. En lo que dijo. En lo que hizo. En cómo murió. Y lo recuerdo todo. Era un buen hombre. También he estado pensando en nosotros. En nuestra gente viviendo como cerdos cuando hay tierra fértil sin cultivar. O quizá un tipo con un millón de acres y 100.000 granjeros muriéndose de hambre. Y me preguntaba qué pasaría si todos nos juntáramos y gritáramos...
- No. Te encontrarían y te matarían. Como a Casy.
- Me encontrarán de todas formas. Antes o después, me encontrarán por una cosa o por otra. Hasta entonces...
- No pensarás matar a nadie.
- No, mamá, no es eso. Es que, si voy a seguir siendo un delincuente, quizá entretanto pueda hacer algo. Quizá pueda averiguar algo. Ir tirando y quizá averiguar qué es lo que está mal. Y luego ver si no hay nada que se pueda hacer. No lo tengo tan claro. No puedo. No sé lo suficiente.
- ¿Cómo tendré noticias tuyas? Podrían matarte y no me enteraría. Podrían hacerte daño. ¿Cómo lo sabré?.
- Quizá sea como decía Casy. El hombre no tiene alma propia, sino un pedazo de un alma más grande. El alma grande que nos pertenece a todos. Entonces...
- Entonces, ¿qué?
- Entonces, no importa. Estaré en la oscuridad. Estaré en todas partes. Allá donde mires. Allá donde se luche porque los hambrientos puedan comer, ahí estaré yo. Allá donde un policía le pegue a un hombre, estaré yo. Estaré en los gritos de los hombres cuando estén furiosos. Estaré en la risa de los niños cuando tienen hambre y la cena esté lista. Y cuando la gente coma lo que cultive y viva en las casas que construye, allí también estaré yo.
Es aquí cuando entra el rock para apoderarse de este potente discurso y hacerlo canción, a través de la lírica de Bruce Springsteen, uno de los músicos más populares de Estados Unidos (pero muy poco reconocido fuera de su país). Fue Springsteen quien conmemora el espíritu de nuestro protagonista en 'The Ghost Of Tom Joad', en el disco del mismo nombre, lanzado en 1995.


Now Tom said, “Mom,wherever there’s a cop beatin’ a guy
Wherever a hungry newborn baby cries
Where there’s a fight ‘gainst the blood and hatred in the air
Look for me Mom, I’ll be there
Wherever there’s somebody fightin’ for a place to stand
Or decent job or a helpin’ hand
Wherever somebody’s strugglin’ to be free
Look in their eyes Mom you’ll see me.”

Unas décadas antes, el cantante folk Woody Guthrie había compuesto la canción 'The Ballad Of Tom Joad' (1940), la que escribió inmediatamente después de ver la película de John Ford. Es desde acá donde "El Jefe" sacó su inspiración, luego de haber leído la novela y visto la película.

Tres años más tarde, una de las bandas más comprometidas con los temas sociales: Rage Against The Machine, versionó la canción, que fue incluida en su disco de covers Renegades de 2000, justo antes de la disolución de la banda. Fue aquí, cuando me cruce con esta gran canción, para luego descubrir la gran historia que lleva detrás a partir de ver la película.


Es el fantasma de Tom Joad, un estandarte de la lucha social que esta presente en el imaginario colectivo desde hace 70 años.