Chris Cornell y su obsesión con Jesús

Antes de dedicarse al reggaeton pop-rock-electrónico, Chris Cornell (nacido como Christopher John Boyle) poseía una carrera llena de puntos altos, contando sus conocidas agrupaciones y una destacable carrera solista. Inclusive, cuando llegó a versionar una canción del icono pop Michael Jackson, principalmente por su extraordinaria calidad vocal y una capacidad compositiva y lírica también descollante.

A través de aquellos brillantes años en Soundgarden, el hito de Temple Of The Dog, la experiencia en Audioslave, y sus discos solistas (el primero con la ayuda de unos subvalorados Eleven), existe un punto en común, un elemento recurrente que de cuando en cuando era abordado por Cornell en sus letras: Jesús.

La primera canción que se viene a la cabeza, lógicamente, es 'Jesus Christ Pose', de aquel grandioso Badmotorfinger de 1991. La canción, trata acerca de los falsos mesías, la falsa lástima; también va contra las estrellas de rock que, desde arriba del escenario, se muestran como los nuevos salvadores de la música. Es el propio Cornell quien cita, que la letra de esta canción está inpirada por el líder de Jane's Addiction, Perry Farrell (el mismo que eligió nuestro país como la "tierra prometida" para su festival Lollapalooza), al que considera como uno de los aprovechadores del uso de la religión para su beneficio personal.

And you stare at me  In your Jesus Christ pose Arms held out like  You've been carrying a load And you swear to me  You don't want to be my slave But you're staring at me  Like I need to be saved

Y me miras  En tu pose de Jesucristo Brazos extendidos como si  Hubieras estado llevando una carga Y me juras  Que no quieres ser mi esclavo Pero estás mirándome  Como si necesitara ser salvado

En el disco Badmotorfinger, existe otra canción con temática religiosa: 'Holy Water', y un poco antes en el EP Foop (1988) lo había hecho con 'Hand Of God'. Pero este cuento con el mesías tendrá más antecedentes. Ese mismo 1991, cuando se edita el disco homónimo de la super-banda Temple Of The Dog, Cornell escribe y compone 'Wooden Jesus', donde retrata a los telepredicadores, aquellos charlatanes que lucran con la fe y las creencias de la gente.

Wooden Jesus, where are you from? Korea or Canada or maybe Taiwan I didn't know it was the Holy Land But I believed from the minute The check left my hand, and I pray

Jesús de madera, ¿de dónde eres? Corea o Canadá, o quizás Taiwan No sabía que eras de Tierra Santa Pero lo creí desde el momento en que El cheque dejó mi mano, y recé

En Superunknown, el disco de 1994, en una canción relativa al apocalípsis y los relatos del Nuevo Testamento, '4th Of July', dice:

Down in the hole Jesus tries to crack a smile Beneath another shovel load

Abajo en el agujero Jesús intenta esbozar una sonrisa Debajo de otra carga de pala

Ya como solista, en 1999 lanza su primer disco Euphoria Morning, con la colaboración de su amigo Alain Johanness y Natasha Schneider (ambos de Eleven), con quienes ya había indagado en "lo celestial" con una gran versión del 'Ave Maria', el famoso lied del compositor romántico Frank Schubert. Pues bien, en el álbum aquel, en la canción 'Sweet Euphoria', Cornell vuelve a citar al "hijo de dios":

In your morning I will sleep Fire on an open palm Death for Jesus and plastic armies Wouldn't bring me back again

En tus mañanas Dormiré Fuego sobre una mano abierta La muerte de Jesús y los ejércitos de plástico No me harían volver de nuevo

Y nuevamente, en 'Disappearing One':

And there you lie like a painting of Christ Bleeding on the heads  Of the ones who nailed you down I'm your disappearing one

Y mientes como una pintura de Cristo Sangrando sobre las cabezas  De los que te crusificaron Soy al que desapareces

Al reunirse con los ex-Rage Against The Machine a comienzos del milenio para dar vida a Audioslave, en su primer disco homónimo, Cornell desliza una metáfora de la crucifixión en 'Show Me How To Live', en cuyo videoclip además aparece liderando al grupo por el desierto (¿como Jesús?).

Nail in my head From my creator You gave me life Now, show me how to live

Un clavo en mi cabeza De mi creador Tu me diste la vida Ahora, enséñame como vivir

También en el mismo disco, se lanza con otra letra digna de parábolas en 'Set It Off':

He was standing at the rock Gathering the flock And getting there with no directions And underneath the arch It turned into a march And there he found the spark to Set this fucker off He said set it off Set it off now children Set it right  Set it off Jesus at the back door Everything is all right All we need is some direction Everytime the wind blows Everything you don't know Turns into a revelation

Él estaba parado en la roca  Reuniendo a la multitud  Y llegando ahí sin direcciones  Y debajo el arco  Se convirtió en una marcha  Y ahí encontró la chispa para  Hacer estallar esta mierda  El dijo hazla estallar  Háganla estallar ahora niños  Arréglala  Hazla estallar Jesús en la puerta trasera  Todo está bien  Todo lo que necesitamos es un poco de dirección  Cada vez que el viento sopla  Todo lo que no sabes  Se vuelve una revelación

¿Los 12 apóstoles de Cornell? Si vamos un poco más allá y nos ponemos en onda hereje-numeróloga (?), si contamos a todos quienes han participado en estos proyectos junto a Cornell, nos da un total de doce, tal como el numero de apóstoles que tenia Jesús, partiendo desde Soundgarden (Matt Cameron, Ben Sheperd, Kim Thayil), siguiendo con Temple Of The Dog (Stone Gossard, Eddie Vedder, Mike McCready, Jeff Ament), Audioslave (Tom Morello, Brad Wilk, Tim Commerford), además de Alain Johanness en su primer disco solista. Hasta ahí van once, siendo el último y personificando a Judas, el productor Timbaland, quien lo vendió al pop más basura. ¿Y Natasha Schneider? Claro, María Magdalena (!).

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Decir mucho, en un espacio muy corto: Los Vidrios Quebrados

“Podemos escuchar, son nuestros pasos y alrededor del mundo algo comienza/abre tus ojos, es el cambio del tiempo, empieza tu verdadero camino y vive/ Es nuestro triunfo, el de la juventud, y también puede ser el tuyo, decídete y lo veras: yo lo veo.”

We Can Hear The Steps o Se oyen los pasos, canción compuesta por Los vidrios Quebrados parece un tema de Bob Dylan…, cualquiera de esos trascendentales que hablaban de cambiar los tiempos, es que quizás la situación Privilegiada de los integrantes del grupo en comparación al promedio de los artistas chilenos de los sesentas, les permitió relacionarse y empaparse de manera más directa con la música rock y su escenario internacional , además de entender las letras de los compositores ingleses y norteamericanos que llevaban la batuta, este vínculo, junto con sus aptitudes artísticas y conocimiento musical acabado fue lo que les llevo a componer un himno, quizás no muy conocido pero un himno al fin y al cabo para todos los seguidores del beat mundial de los sesentas, “se oyen los pasos” seria aquel himno, el cual dos décadas antes fue algo así como la antesala de la “voz de los 80” de Los Prisioneros.

Es que la canción We can hear the steps, composición musical que da cuenta de un pensamiento visionario y con aires libertarios y que forma parte del único disco publicado por Los Vidrios Quebrados, hablamos de Fictions, año 1967, este disco es quizás, la composición beat más importante que haya dado un grupo chileno alguna vez, prueba de ellos que este álbum haya sido re-editado en numerosas ocasiones en Europa por ser considerado una pieza clave de este género musical y una rareza para coleccionistas extranjeros.

En Fictions, destacan los exquisitos arreglos musicales, la complejidad de las composiciones y letras revolucionarias para la época, las cuales derivaban del conocimiento literario de sus integrantes, especialmente de Héctor Sepúlveda (1º guitarra) y Juan Mateo O´Brien (2º guitarra y voz), dentro del stock de grandes canciones destacan, la antes mencionada We can hear the steps; por su discurso trascendentalista y por convertirse en una canción representativa de aquel tiempo ,Oscar Wilde; en donde se defiende el derecho a la integración social del homosexual,Like Jesus wore is own; o como Jesucristo usó el suyo haciendo una clara alusión al conservadurismo de la sociedad chilena “de la época” ante un tema tan burdo como llevar el pelo largo.

JUAN MATEO O´BRIEN CON MATORRAL
TEMA OSCAR WILDE

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Cruzando influencias: Los Shakers y el rock uruguayo de los ‘60

Un día de aquellos a través del timeline de twitter, la actriz y cantante Zooey Deschanel, acostumbrada a recomendar bandas o discos diariamente, nombró a una banda de los ‘60 nada más y nada menos que de Uruguay. Eran Los Shakers y su disco de 1966 titulado “Break it All”.

A partir de tal recomendación de la vocalista de She&Him, busque la citada grabación y me sumergí en la historia de una banda, hasta ese momento, para mi desconocida. Es poco lo que se sabe de las bandas de aquellos años en nuestro continente (más allá del rescate que ha emprendido @oscarm_arq en sus artículos sobre bandas chilenas) o de las bandas emblemáticas de los países más cercanos como Argentina o Perú.

La historia de la banda formada en 1963 se entrecruza con la del Rock Argentino, a través de su origen geográfico cercano al Rio de la Plata, donde es considerado por muchos referentes como Spinetta o Charly como una banda de culto, que nació bajo la influencia directa de los 4 de Liverpool, casi como un juego, para luego transformarse en los pioneros del Rock Latinoamericano a partir de su aclamado tercer disco “La Conferencia Secreta Del Toto's Bar” (1968) denominado de manera generalizada como “el Sgt. Peppers del Rio de la Plata” por su psicodelia mezclada con ritmos sudamericanos. Partiendo desde The Beatles, podemos hacer una secuencia de influencias que nos lleva de ida y vuelta al otro hemisferio.

“Ticket to Ride” Original de The Beatles, por Los Shakers.

El disco en cuestión citado por Zooey fue editado en exclusiva para los Estados Unidos, Australia y otros países anglosajones en aquel año, con solo canciones cantadas en ingles a petición de la disquera, a excepción de un cover de los Beatles cantado en español que la banda formada en el año ‘63 realizo para así aumentar su popularidad, ya establecida en el Atlántico, pero que no pasó más allá del Ecuador al rechazar la banda giras por Norteamérica. Aun así, es rescatado por la norteamericana cantante.

También ha sido rescatada en este lado del globo por los ya citados rockeros argentinos Charly García, en compañía de Pedro Aznar en su disco en conjunto de 1991 titulado “Tango 4”  donde hacen el ejercicio al revés de como lo hacen Los Shakers, que llevaron al español la canción de The Beatles, en este caso ellos llevan al español la canción de los uruguayos “Break it All” y la titulan “Rompan con Todo” y tienen el honor de contar en las voces para esta versión, nada más y nada menos que a Roberto Sánchez: Sandro.

"Rompan con Todo”, el homenaje de Charly, Aznar y Sandro.

De Liverpool a Uruguay, de Uruguay a Buenos Aires y a Norteamérica, las influencias iniciadas por The Beatles y que a partir de un simple ejercicio encontramos nexos que nos llevan de vuelta al inicio del post, Zooey Deschanel y su anecdótico tweet, situando a Los Shakers como punto de ‘pivot’ , reconociendo quizás una influencia en su melosa música más cercana al indie con She&Him, pero que también vuelve al origen (“de todo” dirán muchos) de los Fab Four  y su cover para “I Should Have Known Better” en clave casi polinésica (?) en su primer disco “Volume One” del año 2008.

El cover de Zooey Deschanel y M. Ward a The Beatles, cerrando el circulo.

ANEXOS :
- La Historia de Los Shakers en garagesixtie.blogspot.com
- Más detalles de su historia en www.los60.es
- El video con la version original de “Break it All” en YouTube
- Un Bonus Track de Zooey, cantando de manera notable “I Put A Spell On You” de Creedence.

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UNO, DOS, ULTRAVIOLENTOS

Un martes 17 de Septiembre de 1996, poco antes del alba. El Reagrupamiento Operacional Especial coordina en toda la península Itálica el arresto de 70 anarquistas. Se trata de poner término a 15 años de investigaciones infructuosas que tenían por objeto a anarquistas insurreccionalistas. 

La técnica es conocida: fabricar "un arrepentido", hacerle denunciar la existencia de una vasta organización subversiva jerarquizada. Después acusar sobre la base de esta creación quimérica a todos aquellos a los que se quiere neutralizar de formar parte. Una vez más, secar el mar para coger a los peces. Incluso cuando no se trata más que de un estanque minúsculo. Y de algunos gobios.

Una "nota informativa del servicio" escapó al Reagrupamiento Operacional Especial en relación a este asunto. Se expone su estrategia. Fundada sobre los principios del general Dalla Chiesa. El Reagrupamiento Operacional Especial es el servicio imperial tipo de contra-insurrección. Trabaja sobre la población. Allí donde una intensidad se produce, allí donde algo ha pasado, él es el "french doctor" de la situación. El que pone, con el pretexto de profilaxis, los cordones sanitarios cuyo objeto es aislar el contagio. Lo que teme, lo dice. En este fragmento lo escribo. Lo que teme, es "el pantano del anonimato político".

El Imperio tiene miedo. El Imperio tiene miedo de que nos volvamos cualquieras. Un medio delimitado, una organización o una comunidad combatiente. No los teme. Pero una constelación expansiva de OKUPAS, de granjas auto-gestionadas, de viviendas colectivas, de reuniones "fine a se atesso", de radios, de técnicas e ideas. El conjunto ligado por una intensa circulación de los cuerpos y de los afectos entre los cuerpos. Ese es otro asunto.

La conspiración de los cuerpos. No de los espíritus críticos, sino de las corporeidades críticas. He ahí lo que el Imperio teme. He ahí lo que lentamente adviene, con el incremento de los flujos, de la defección social. Hay una opacidad inherente al contacto de los cuerpos. Y que no es compatible con el reino Imperial de una luz que ya no ilumina las cosas sino para desintegrarlas. Las zonas de opacidad ofensiva no están por crear. Están ya ahí, en todas las relaciones  en las que sobreviene una verdadera puesta en juego de los cuerpos. Lo que hace falta es asumir que tomamos parte en esta opacidad. Y dotarse de los medios de extenderla, de defenderla. Por todas partes donde se llega a desarticular los dispositivos imperiales, a arruinar todo el trabajo cotidiano del Biopoder y del espectáculo para exceptuar de la población una fracción de ciudadanos. Para aislar nuevos "untorelli". En esta indistinción reconquistada se forma espontáneamente un tejido ético autónomo, un plan de consistencia secesionista. Los cuerpos se agregan. Recuperan el aliento. Conspiran. Que tales zonas estén condenadas al aplastamiento militar importa poco. Lo que importa, es cada vez arreglar una vía de retirada bastante segura. Para volverse a agregar en otra parte, más tarde.

Lo que sustentaba el problema de ¿QUÉ HACER? era el mito de la huelga general.

Lo que responde a la pregunta ¿CÓMO HACER? es la práctica de la huelga humana.

La huelga general permitía interpretar que había una explotación limitada en el tiempo y en el espacio, una alineación parcelaria, debido a un enemigo reconocible, por tanto derrotable. La huelga humana responde a una época en la que los límites entre el trabajo y la vida acaban por difuminarse. Donde consumir y sobrevivir, producir "textos subversivos" y precaverse de los efectos más nocivos de la civilización industrial (hacer deporte, el amor, ser padre, o estar con el Prozac)...todo es trabajo.

El Imperio gestiona, digiere, absorbe y reintegra todo lo que vive. Incluso "lo que yo soy", la subjetivación que no desmiento "hic et nunc", todo es productivo.

El Imperio ha puesto todo a trabajar. Idealmente, mi perfil profesional coincidirá con mi propio rostro, incluso sino sonríe. Las muecas del rebelde venden muy bien, después de todo.

Imperio, es decir que los medio de producción  se han convertido en medios de control, al mismo tiempo que lo contrario se verificaba.

Imperio significa que de ahora en adelante el momento político domina el momento económico. Y contra esto, la huelga general no puede ya nada.

Lo que hay que oponer al Imperio es la huelga humana. Que nunca ataca las relaciones de producción sin atacar al mismo tiempo las relaciones afectivas que las sostienen. Que socava la economía libidinal inadmisible, restituye el elemento ético - el cómo - reprimido en cada contacto entre los cuerpos neutralizados.

La huelga humana es la huelga que, allí donde se esperaba tal o cual reacción previsible, tal o cual tono apenado o indignado, PREFIERE NO. Se disimula al dispositivo. Lo satura o lo estalla. Se recobra, prefiriendo otra cosa.

Otra cosa que no esta circunscrita en los posibles autorizados por el dispositivo. En la ventanilla de tal o tal servicio social, en las cajas de tal o tal supermercado, en una conversación cortés, en una intervención de la "poli", según la relación de fuerzas; la huelga humana hace consistir el espacio entre los cuerpos, pulveriza el "double bind" en el que están capturados, los conduce a la presencia.

Hay todo un luddismo por inventar, un luddismo de los engranajes humanos que hacen girar el Capital.

En Europa, el feminismo radical ha sido una forma embrionaria de huelga humana. "¡Basta de madres, de mujeres y de hijas, destruyamos las familias!" era una invitación al gesto de romper los encadenamientos previstos, de liberar los posibles comprimidos.

Era un atentado a los comercios afectivos fracasados, a la prostitución ordinaria. Era una llamada a sobrepasar la pareja, como unidad elemental de gestión de la alineación. Llamada a una complicidad. Práctica insostenible sin circulación, sin contagio.

La huelga de las mujeres llamaba implicitamente a la de los hombres y los niños, llamaba a vaciar las fábricas, las escuelas, los despachos y las prisiones, a reinventar para cada situación otra manera de ser, otro cómo.

La Italia de los años 70, era una gigantesca zona de huelga humana. Las auto-reducciones, los atracos, los barrios oKupados, las manifestaciones armadas, las radios libres, los innumerables casos de "Sindrome de Estocolmo", incluso las famosas cartas de Moro detenido, hacia el final, eran prácticas de huelga humana.

Los "estalinistas" hablaban entonces de "irracionalidad difusa", y ya es decir.

Hay autores también en los que se esta todo el tiempo en huelga humana. En Kafka, en Walser o en Michaux, por ejemplo. Adquirir colectivamente es facultad de sacudir las familiaridades. Ese arte de frecuentar en sí mismo al huésped más inquietante.

En la guerra presente, en la que "el reformismo" de urgencia del Capital debe tomar los hábitos del revolucionario para hacerse entender, en la que los combates más "demócratas" , los de las "contracumbres" , recurren a la acción directa, un papel nos esta reservado.

El papel de mártires del orden "democrático" , que golpea preventivamente todo cuerpo que podría golpear. Yo debería dejarme inmovilizar ante un ordenador, mientras las centrales nucleares explotan. debería dejar que se juegue con mis hormonas o a envenenarme. Debería entonar la retórica de la víctima. Porque, está claro, todo el mundo es víctima, también los opresores mismos. Y saborear que una discreta circulación del masoquismo vuelva a dar encanto a la situación. 

La huelga humana, hoy, es rechazar jugar el rol de la víctima. Atacar ese rol. Re-apropiarse de la violencia. Arrogarse la impunidad. Hacer comprender a los ciudadanos pasmados que aunque no entren en la guerra están de todos modos. Que allí donde se nos dice que es tal cosa o morir, es siempre en realidad tal cosa y morir.

Así, de huelga humana en huelga humana, propagar la insurrección, donde ya no hay, sino, donde somos todos singularidades cualquieras.

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I’ll Never Give You My Money

Paul McCartney y su esperada llegada vinieron a remecer el calendario de conciertos de este 2011 luego de una suspensión a fines del año pasado por la imposibilidad de usar el Estadio Nacional, ya que ese día se jugaba un clásico entre azules y blancos. Muchos intelectualoides reclamaron furiosos contra el deporte más masivo, el opio del pueblo o el deporte de los rotos ignorantes, como quieran llamarle.

También vino a remecer los bolsillos, instalando un nuevo estándar en el rango de precios, con un tope de $532.000 pesos en las entradas normales y un pack exclusivo en la venta a través de la web del cantante sobre el millón de pesos. Muchos dirán, claro, es un beatle, es otra categoría. Quizás aquella suspensión del año pasado solo sirvió como investigación de mercado luego de una sospechosa programación el mismo día de un partido que tenia meses de anunciado.

El rango de precios es sin duda exagerado, por donde se le mire, aun cuando exista gente que ya desembolso 4 millones de pesos para presenciar el segundo show de Macca (aquel siútico apodo) en nuestro pais. Ciper recordaba que para aquel primer show del 93 no se completo la capacidad del coloso de Ñuñoa, lo que validaría más la idea de investigación de mercado en 2010.

imagen via @pvelasco (fuente)

El mal llamado fanatismo es aprovechado por el mercado, que lo estruja y lo lleva hasta el limite, siempre hay alguien que paga, siempre hay personas que en su afán egoísta encontraran miles de justificaciones a un acto que ellos mismos ensalzan o minimizan de acuerdo al punto de vista. Claro, lo ensalzan y defienden si tu les preguntas si vale la pena: “es un artista de categoría planetaria”, “es un honor que venga a Chile”, “no pasara 2 veces”, etc. O bien lo minimizan si la consulta va por el lado ético, en un país como el nuestro: “que resentido” “na que ver” “no le pongai tanto si es un concierto no mas”.

Y no es el único caso, y no será el ultimo, el mercado sabrá indefinir la calidad de un artista y los precios se igualaran en poco tiempo, dadas las libertades y la pasividad de quienes asisten a las ya instauradas canchas vip, festivales con pre-venta de tickets sin artistas confirmados, con pésimas instalaciones, accesos o sonido. Esto ha ido escalando desde los últimos 10 años en que el concierto de rock masivo se ha ido transformando en un espectáculo clasista y aburguesado, similar a la opera a fines del siglo XIX, donde solo los ‘elegidos’ podían acceder a los exclusivos precios.

Pero como los que escribimos en +ROCK pensamos que ser rockero va mucho más allá de unos buenos audífonos y escuchar los últimos artistas que lance NME, si no que creemos que es un postura de vida, una conciencia común y un espíritu liberador muy lejano a las garras y definiciones que el mercado nos pueda trazar, es que repudiamos este clase de cosas, este aprovechamiento de las productoras que solo pretenden aumentar sus beneficios a costa de una pobre cultura con precios que casi doblan a los de nuestros países vecinos, mas acostumbrados a los grandes espectáculos y también a reclamar frente a los abusos en las calles. Es muy fácil inventar argumentos para pagar los precios que nos diga el mercado, lo difícil es mantener tus principios y dejar de presenciar a uno de tus artistas favoritos. Por eso le decimos a las productoras: I’ll Never Give You My Money!!

*imagen principal via @larojadetodos

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