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Pussy Riot: el regreso del espíritu punk


Provocadoras como los Sex Pistols, auténticas como The Clash y con el espíritu femenino de Patti Smith; las Pussy Riot se han transformado en el icono de la lucha contra la censura y también ha vuelto a poner sobre la mesa el rol de los músicos en la política y en la contracultura.

Su historia se remonta al año recién pasado, específicamente a septiembre, con el anuncio del ex-agente de la KGB, Vladimir Putin, de volver a presentarse a elecciones presidenciales. El descontento provocado por este pronunciamiento fue el germen de un proceso de movilizaciones contra el ya actual primer mandatario ruso. Así, tomando la urgencia que históricamente caracterizó al punk, las Pussy Riot nacen como parte de un movimiento de jóvenes que, a través de performance urbanas, denuncian la sistemática censura del gobierno ruso y reivindican la lucha feminista.

Serafima -seudónimo utilizado por una de las más de diez integrantes actuales del colectivo- define de manera muy clara el surgimiento de Pussy Riot: 

Justo después de que Putin anunciara que pretendía volver a ser Presidente y tiranizar Rusia durante al menos 12 años más, en ese momento, nos dimos cuenta de que este país necesitaba un grupo militante, punk y feminista, que se moviera por calles y plazas, movilizando toda la energía pública acumulada contra los corruptos malvados de la junta de Putin. Y enriquecer así la oposición cultural y política rusas con temas que nos importan: los derechos de la mujer y de gays, lesbianas y transexuales, así como denunciar la ausencia de un mensaje político valiente en las escenas de música y arte, y la dominación masculina en todas las áreas del discurso público. 

La censura del rock en Rusia tiene larga data. Desde los años ’50, con la premisa que “el rocanrol era una perversión vulgar del capitalismo”, pasando por la prohibición de difundir en las radios a los Beatles y a los Rolling Stones; el rock ruso estuvo -hasta recién entrados los años ’80- en absoluta clandestinidad, siendo un aspecto común en la vida social de su juventud. Recién en 1981 tuvieron su primer gran lugar de difusión: el Rock-Club de Leningrado, en San Petersburgo, donde bandas como Kino, Agatha Christie, Secret, Televizor, Pop-Mekhanika, Nautilius Pompilius y Aria -que se mueven en géneros como el new wave, el punk, el synth pop y el heavy metal- cantaban sobre la vida cotidiana de la ex-URSS, difundiendo temas que hacían referencia a la violencia doméstica, al alcoholismo, la criminalidad, la rutina mental, al estancamiento en la vida social, al rechazo a los dogmas de la doctrina stalinista y, en casos más osados, el cuestionamiento a los jefes de Estado de los soviets y a los privilegios de pertenecer a las capas aristocráticas inscritas en la llamada Nomenklatura. Luego, en la segunda mitad de los ’80 y de los ’90, las ilusiones democráticas que la Perestroika y la restauración capitalista intentaron promover se terminarían esfumando con el reforzamiento del carácter policial, represivo y censor del Estado, prácticas que hasta el día de hoy se replican .

Hoy, al parecer, la bandera de lucha que llevan a cabo las Pussy Riot, y que flamean con orgullo y hasta las últimas consecuencias, también cubre los 'ideales' de los artistas del show bussines, como Madonna, Paul McCartney, Anthony Kiedis (RHCP), Beastie Boys, Patti Smith, y Pete Townshend (The Who), entre otros, los cuales se han expresado en contra la censura al arte y exigen la libertad de las músico-militantes, haciéndose parte también del mensaje de toda una generación que está detrás de ellas, porque este colectivo de arte callejero se transformó en el canal de expresión para miles de jóvenes frente al cuestionable régimen de Putin (que ya se caracterizó en su anterior periodo en el Kremlin por lamentables cifras para el país del noreste asiático: aumento de la pobreza , los ataques terroristas y la corrupción, sumando la pérdida de derechos civiles).


En lo musical, las pussy tienen un sonido crudo, directo. Entre sus influencias encontramos bandas 'Oi!' (street punk) y el punk clásico de principio de los '80: Sham 69, Angelic Upstarts y Cockney Reject; así como otras más ligadas al riot grrrl de los '90, como las L7, Bikini Kill y 7 Year Bitch. En cuanto a sus letras y su posición ideológica, sus inspiraciones vienen de las teorías feministas de Simone De Beauvoir, Andrea Dvorkin, Emmeline Pankhurst, Shulamith Firestone, Kate Millett, Rosi Braidotti y Judith Butler.



Y en lo que se refiere a la militancia, las protestas callejeras con burlas a los símbolos del poder político y eclesiástico son parte de su batería de acciones insurgentes, las cuales son consideradas ilegales por el gobierno ruso. Utilizan cualquier escenario urbano para desarrollar sus intervenciones: desde micros, estaciones de metro, desfiles de modas y negocios de ropa de alta costura hasta la Plaza Roja, el techo de un centro de detención y, la última -que terminó generando la detención de tres de sus integrantes-, la actuación en la Catedral de Cristo Salvador de Moscú.


El desencanto a los requisitos de la actualidad política pusieron a prueba la intolerancia del régimen putiniano. Con la detención, juicio -que nada tuvo que envidiarle a los viejos procesos de Moscú de los años ’30- y condena de dos años de prisión por haber "socavado el orden social" a las tres activistas de las Pussy Riot: Maria Aliojina, Yekaterina Samutsevich y Nadezhda Tolokonnikova, se encendieron las alarmas respecto a la libertad de expresión en lo que se supone es una nación democrática. Hasta organismos internacionales de DD.HH. como Amnistía Internacional se han sumado a la campaña "Free Pussy Riot", que aboga por la libertad de las tres jóvenes .

La importancia simbólica que el gobierno ruso le dio a dicha catedral no sólo pone de manifiesto los entrelazamientos políticos de Putin con el poder eclesiástico de la iglesia ortodoxa rusa -hoy dirigida por patriarcas con pasado de agentes de la KGB, como Kirill Gundyaev-, sino que también, manifiesta la impostura política que gobiernos de diferentes colores, ONGs, grupos financieros, periodistas, la ONU y hasta las mismas burocracias, pretenden como promoción la “democratización” por medio de la intervención del clero en la vida política y social de los ex-estados socialistas. Porque seamos claros: las Pussy Riot fueron condenadas por expresar, pacíficamente, sus ideas. 


Cuando muchos creían que el rocanrol y su poder de convocatoria se limitaban a los megafestivales, estas chicas rusas (sin camarines, productoras, managers ni esforzados saludos al público con camisetas de fútbol) han recogido la simpatía movilizadora de miles de jóvenes de todo el mundo en un solo grito de guerra: FREE PUSSY RIOT

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Pierattini, Bertoni y Vampiros


bertoni

La inspiración a veces surge de los lugares más rebuscados, así como también de los lugares más cotidianos. Parte de esto existe dentro del disco de Angelo Pierattini editado en el año 2010. El ex-vocalista y guitarrista de Weichafe emprendió el segundo episodio de su carrera solista a partir de la relación cotidiana con uno de los grandes poetas chilenos del último tiempo: Claudio Bertoni.

Es a partir de una entrevista publicada en la edición chilena de la desaparecida revista Rolling Stone, de enero de 2010, en la cual Pierattini confiesa esta relación, al explicar el titulo de su disco Vampiros, que nada tiene que ver con la moda de películas, series y telenovelas de chupasangres y hombres lobos que últimamente se impuso dentro de los “creativos” del entretenimiento (hasta niveles presidenciales). Según palabras del propio músico:

El tema de los vampiros me lo gatilló Claudio Bertoni, un poeta chileno. El tiene una conexión con las mujeres menores y a mi me pasa lo mismo. Alimentarse con sangre fresca es una temática en ‘Vampiros’
Rolling Stone Chile Nº 142

Esta conexión con Claudio Bertoni se hace más que evidente a partir de la obra del poeta editada el año 2002, titulada Jóvenes Buenas Mozas, donde el autor traspasa al papel las vivencias cotidianas extraídas de la observación, cual ciudadano común, cual transeúnte, de las mujeres por la ciudad, con inclinación evidente a las escolares de 16.

Me tocó levemente su mochila
su mochila tocaba su chaqueta
su chaqueta tocaba su jumper
su jumper tocaba su calzón y su calzón tocaba su poto.
Me di por satisfecho.


‘Satisfaction’, Bertoni

El disco de Pierattini lleva a su propio lenguaje estos relatos cotidianos dentro de las nueve canciones que forman Vampiros al compartir con el poeta aquel interés por retratar la ciudad y los amores que por ella transitamos: los platónicos, los casuales y también aquellos llenos de ternura.



"Ven acercate, estamos solos, no te arrepentiras, te doy mi eternidad"





Como quedo 
cuando me cruzo con una mujer

que no veré nunca más en la vida

y con la que me habría gustado pasar

toda la vida.
'Hecho Polvo', Bertoni


Las relaciones y las similitudes entre una y otra obra, y cómo éstas se enlazan es un ejercicio de cada uno,  en el que podríamos tomar estos dos trabajos - la poesía de Bertoni y la música de Pierattini- para ir cruzando aquel lenguaje común y aquella visión de la ciudad, y llevarla a nuestro contexto y nuestras historias. La cotidianidad de la que uno canta en 'Mi Vieja Radio' y el otro cuenta en 'Record'; aquella simple relación del poeta radicado hace ya muchos años en las costas de Concón y el cantautor santiaguino que nos cuenta sobre el 'Litoral Central'; el poeta que dijo una vez que amaba a la música tanto como a las mujeres y quien dio rienda suelta a su lado más beatlesco en Vampiros.


“Mujercita, labios tiernecitos,vamos deja la razón, en el velador y ven” 


"cree que su polerita blanca es inocente
cree que sus blullines son inocentes

cree que su caminadita

con el cuello estirado

con los hombros echaditos para atrás
y con el culito parado
¡son inocentes!
Ella misma
-la muy inocente-
se cree inocente"
'Inocente', Bertoni

Un ejercicio personal, que se da de acuerdo a cómo entendamos a ambos artistas. Si no conoces a alguno es quizás tu oportunidad para descubrir a uno a partir del otro, a partir de sus libros o de su música, según corresponda.


“Gracias caballero”
Le di cien pesos
por meter el jugo de naranjas
y un par de marraquetas
en la bolsa de supermercado.
Si hubiera sabido
que le estaba mirando la boquita.
Si hubiera sabido lo que estaba pensando
que me hacía con su boquita.
¿Me habría dicho “caballero”?

‘Vaya uno a saber’, Bertoni

Anexos:
- De Claudio Bertoni, en Memoria Chilena podemos encontrar en PDF sus libros "El Cansador Intrabajable (II)", "Harakiri" y más.
- De Angelo Pierattini podemos encontrar todos sus discos solistas incluido el ultimo "Fuego en los Andes" para descargar gratis y legalmente desde NEKOe.
- Entrevista a Angelo Pierattini en TwitSessions en 2012
- Entrevista a Claudio Bertoni en 'Una Belleza Nueva' en 2006

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30 años de la salida al mercado del CD


Con servicios de música en streaming como Spotify o dispositivos capaces de reproducir archivos en formato MP3 (como el iPod, la gran mayoría de smartphones disponibles en el mercado o incluso equipos Hi-Fi que incluyen puertos USB), poco a poco hemos ido relegando el CD a un segundo plano. Sin embargo, este formato revolucionó el mercado de la música y fue apartando los sistemas analógicos (las cintas de cassette o los discos de vinilo, convirtiendo a estos últimos en objetos de colección) para adentrarnos en el mundo de los formatos digitales donde se podía combinar la comodidad de un formato de tamaño reducido (que no había que dar la vuelta) con una enorme mejora de la calidad de sonido (y una transformación de los procesos de grabación). Aunque el CD nos pueda parecer un formato obsoleto y casi del pasado, realmente no es “tan mayor” como podríamos pensar porque recién cumplió 30 años

El 1 de octubre de 1982 salió al mercado el primer disco en formato CD y el primer reproductor de música capaz de reproducir este nuevo formato y, como no podía ser de otra forma, ambos hitos se dieron en Japón. Concretamente, el primer reproductor de compact disc que llegó al mercado fue el Sony CDP-101 (aunque su puesta a la venta en el resto del mundo se retrasó un poco más para que Philips, la otra socia del proyecto pudiera comercializar sus equipos) y el primer disco en ponerse a la venta fue el 52nd Street de Billy Joel (una re-edición de un disco lanzado al mercado en 1978) que, cómo no, fue lanzado por Sony Records. 

Si bien se toma como fecha oficial el 1 de octubre de 1982, el camino recorrido hasta dicha efeméride fue bastante largo y comenzó a mediados de la década de los '70, donde Philips y Sony comenzaron a explorar la digitalización del sonido por separado hasta que convergieron en 1980 y se pusieron a trabajar juntas

En 1974, un equipo de Philips con base en Eindhoven (Holanda) comenzó a trabajar con dispositivos ópticos (láser) con la idea de mejorar la calidad del sonido de los discos de la época (los discos de vinilo). Tras varios meses de trabajo, los miembros del equipo llegaron a la conclusión que la mejor forma de cumplir este objetivo sería mediante un proceso de digitalización de las señales de audio y como formato pensaron en un disco de unos 20 centímetros de diámetro (suficiente para almacenar la información y redundancia para prevenir errores). En paralelo, Sony también comenzó a trabajar en discos ópticos como evolución del disco de vinilo y realizaron una primera demostración en 1976. 

A partir de ahí, ambas compañías comenzaron una carrera de demostraciones y prototipos que, a pesar de su valor desde el punto de vista de la ingeniería, causaba algo de escepticismo en la industria de la música y los usuarios. En septiembre de 1978, Sony presentó un disco óptico en el que habían grabado 150 minutos de música digitalizada (con una tasa de muestreo de 44,056 KHz y una resolución de 16 bits) con unas especificaciones muy cercanas a las de los CDs que conocemos y que asombraría a los asistentes de la Audio Engineering Society de dicho año. Meses más tarde, el 8 de marzo de 1979, Philips daría otro gran salto en esta carrera: la presentación de un prototipo de reproductor de CD, un evento titulado “Philips Introduce Compact Disc” que ha sido reconocido por el IEEE como un hito dentro de la historia de la ingeniería. 

Con el dominio de la digitalización del audio de Sony y el dominio del hardware de Philips, ambas empresas decidieron unirse y formar un equipo de trabajo conjunto para impulsar este nuevo formato de audio digital para unir esfuerzos y, lo más importante, definir un estándar que permitiera regular el mercado: el Libro Rojo del estándar del Compact Disc (que se publicó en 1980 y fue adoptado por el IEC en 1987). Además de la redacción del estándar, las empresas se especializaron en distintos campos puesto que Philips aportó el proceso de fabricación del CD y el proceso de lectura del disco y Sony aportó el método de corrección de errores (CIRC) y todo lo relacionado con la codificación digital. 


¿Y qué pasa con Billy Joel y su disco 52nd Street? Aunque formalmente es el primer CD que salió a la venta, no es ni por asomo la primera grabación musical que se materializó en un disco compacto. Tras redactarse el estándar en 1980, éste se presentó a la industria y, a partir de ahí, 40 compañías de todo el mundo solicitaron licencias para producir reproductores y discos además de cautivar a algunos pesos pesados del mundo de la música que hicieron campaña a favor de este nuevo formato. 

El CD no sería lo que es si no fuese por el gran director de orquesta Herbert Von Karajan, que, desde un primer momento, entendió el formato y sus posibilidades (hasta el punto de participar en las ruedas de prensa y presentaciones). Precisamente, la primera grabación que se realizó en CD (a modo experimental) fue la Sinfonía Alpina de Richard Strauss interpretada por la Filarmónica de Berlín y dirigida por Karajan (un hecho especialmente significativo porque Deutsche Grammophon, el sello para el que trabajaba Karajan, fue fundado por Emile Berliner, el inventor del gramófono y en esa época pertenecía a Polydor que a su vez pertenecía a Philips). A la interpretación de Karajan, le seguiría una edición del disco Living Eyes de los Bee Gees que se usó dentro de un programa de la BBC titulado “Tomorrow’s World” (que giraba en torno a la prospectiva tecnológica y las tecnologías que marcarían el futuro). 

Karajan en la presentación del CD

La llegada del CD también marcaría a los estudios de grabación y éstos también tuvieron que adaptarse a las nuevas reglas del juego para captar en origen el audio con la mejor calidad posible usando procesos de grabación y edición digitales, algo que se emplearía por primera vez en el disco The Visitors de ABBA (grabado en 1981 y lanzado al mercado en CD en 1982) y, en el ámbito de la música clásica, los valses de Chopin interpretados por el pianista Claudio Arrau. Sin embargo, fruto del acuerdo de Sony con Philips, sería Sony la encarga de lanzar el primer CD junto con el primer reproductor y, al final, el disco de Billy Joel se convirtió en el primer álbum en lanzarse al mercado en este formato que por estos días cumplió tres décadas.


[Artículo original de JJ Velasco para ALT1040, publicado el 01.10.12]

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La Renga: el premio de hacer música




Previo a su primer show en la capital colombiana el pasado 6 de octubre, Chizzo el vocalista de La Renga conversó con Dianna Rodriguez, desde donde compartimos esta conversación como preambulo a la visita de la banda a nuestro país, por segunda vez en el año, esta vez al Teatro Caupólican el 19 de Octubre, a 10 años de su primer show en Chile.

Alguna vez dijiste que La Renga era una tripulación muy bamboleante, que se iban cacheteando hasta que el rumbo los enderezara, porque no había timón y entre todos se iban turnando el "imaginario" mando". Después de más de 20 años de carrera ¿En qué dirección va en este momento La Renga?
Chizzo: No creo que hayamos tocado un techo ni nada de eso. A nosotros nos gusta hacer música y eso es lo que queremos seguir haciendo ¿no?. Y dentro también de la música explorar con el mismo estilo de rock ¿no? que venimos manteniendo desde hace años. Darle una variante siempre y bueno en las letras también expresar cosas diferentes también.

En mis manos tengo el nuevo trabajo de ustedes 'Algún Rayo' ¿Cómo fue el proceso de realización de este disco después de cierto tiempo de quietud musical por parte de La Renga? ¿Qué nos puedes contar sobre este disco?
De 'Algún Rayo' nos tomamos nuestro tiempo para darle un sonido nuevo también. La Renga viene cambiando, disco a disco cambia. Como dije antes, teniendo un tronco central que es el rock, crudo, simple, que sé yo, como decirte...pero bueno 'Algún Rayo' tiene, puede ser tomado como una obra conceptual, salvo por los temas. Está muy basado en el espacio, la poesía, hay un poco de todo. Hay temas de amor, temas un poco violentos, un poco caóticos.

Sobre su concierto en Bogotá, es su primera vez. ¿Algún tipo de ansiedad, sorpresa o sentimiento semejante por su presencia acá? ¿Han escuchado algo sobre Colombia al respecto?
Bueno acá llegan a diario pero una información centrada así sobre lo que es el rock de Colombia no estamos muy empapados, tenemos mucha expectativa, nosotros vamos con nuestra música, espero que sea bien aceptada.

Pasando a otro campo, La Renga en sus letras y en muchas participaciones a nivel social ha manifestado ese apoyo ferviente a la educación, las artes y más en pro de la formación de las nuevas generaciones. ¿A qué se debe esa fuerte posición?
Venimos de familias trabajadoras, hemos sido obreros nosotros y hemos trabajado para sostenernos mientras teníamos la banda y poder solventar todo lo que serían los gastos de la banda, salir a tocar, comprar los equipos e instrumentos. Nos ha costado mucho eso. Entonces nunca olvidamos ese origen y tenemos como una postura un tanto así como decirlo, solidaria con movimientos independientes. La Renga es una banda que se mantiene en forma independiente y bueno siempre estamos apoyando unas cosas que para nosotros son nobles, como: Festivales para los Aborígenes, Festivales para SANOM que es una fábrica independiente de cerámicos que es un símbolo de lucha acá en Argentina y creo que también para Latinoamérica. Una organización independiente que en los momentos más críticos del país se supo organizar y bueno hoy está considerada como un emblema de lucha. De esas causas como sabes nos sumamos y bueno siempre tratamos de apoyar y dar una mano haciendo digamos eco de las voces. La Renga también es una banda que no solo son los músicos sino que tiene un montón de gente trabajando y es una como una gran familia que se mantiene en el camino de la independencia, entonces por eso hace que la juventud alimente su mente y su espíritu. También se puede cuestionar ¿Qué se enseña en la escuela? Pero la educación es muy importante, yo creo que la búsqueda tiene que estar instalada en cada una de las personas, de cada uno de los jóvenes ¿no?. La escuela pública es muy importante, lógico. Acá se está luchando mucho por eso pero lo importante para mí que dentro de esa escuela pública exista una diversidad de materias y es como decís, el arte es muy importante, la expresión artística de todos los puntos de vista. Eso debe estar bien tratado. Es cierto lo que vos decís. Yo estoy de acuerdo con la escuela pública quizás con lo que no estaría de acuerdo es que según la conveniencia del gobierno de turno es lo que se enseñe en la escuela. Pero realmente queremos tener una humanidad más capacitada, debemos ser muy sinceros y realmente la escuela tiene que enseñar honestamente no a conveniencia del gobierno de turno que instala sus propios sistemas de enseñanza.

Y hablando un poco del sistema, hace unos cuántos días en Argentina se vio un modelo quizás muy aplicado por ciertos dirigentes en Sudamérica  Cristina Kirchner, la presidenta de tu país adoptó ciertas medidas de censurar a algunos medios de comunicación. ¿La Libertad de Expresión es sólo sujeta a este aspecto o también ha afectado esa conducta a otros frentes como el arte en sí?
No en ese sentido se ha evolucionado mucho, venimos de años de dictadura en dónde no se podía decir nada, en dónde fueron perseguidos los músicos, los artistas, todas las ramas que tenían quizás un pensamiento diferente. Entonces a lo largo de los años de democracia eso se fue hundiendo. Hoy en día creo que hay una gran libertad de expresión y bueno no sé cómo será en Colombia pero acá es un tema que ya está casi limado eso creo.


La Renga fue una banda que mantuvo su extremada independencia hasta en los círculos en los que muchos artistas quieren figurar: Los medios de Comunicación. Para algunos es el plus para otros es una herramienta tontamente innecesaria. En su historia sé que tuvieron demasiados desacuerdos por la forma en la que un artista debe rogar para figurar o darse a conocer hasta el punto que se negaban a conceder entrevistas. Yo lo llamaría un ‘matoneo comunicativo’ que afecta a un gran porcentaje de artistas. ¿Qué opina al respecto?
En ese sentido los medios también utilizan su conveniencia ¿no?. Mira La Renga siempre fue una banda criticada, siempre trataron de hundirla por decirlo de alguna manera. A lo largo de los años, será por esa postura independiente pero no tenemos publicaciones en los medios ni en las revistas, osea sino fuera por el público que nos sigue que acá podemos hacer estadios y girar por todo el país o ir a otros países, sino fuera por el público que valora a la banda, si fuera por los medios estaríamos acabados, no existiríamos. Entonces nosotros tuvimos un medio conflicto con la prensa porque en las primeras etapas de la banda, tal vez por ser una banda que viene de barrios bajos. Las notas no fueron publicadas como nosotros habíamos hablado entonces parecía que quedábamos siempre mal, entonces tuvimos una postura de no darnos a ciertos medios y eso se han enseñado cada vez más. Yo tengo la confianza de que han pasado los años y los periodistas han cambiado. Nosotros siempre estamos abiertos a notas. A fanzines, a revistas under como vos decís, a alguna revista que sea fan del rock nosotros no tenemos inconvenientes de darles nota. Nosotros, nuestro máximo reconocimiento acá es por parte del público, porque hemos estadio, grandes shows como fue el ‘ojo del huracán’ y no salió publicado en ningún lado. Entonces uno dice ¿Cómo puede ser? Sin desmerecer a nadie ni despreciar a nadie pero viene un artista foráneo acá a Argentina y le ponen la alfombra roja y sale en todos los medios, que sé yo y una banda nacional tiene que pasar por el desprecio, no sé cómo llamarlo. Nosotros dentro de todo con eso ya estamos curtidos y los que estamos muy agradecidos a nuestros seguidores que si no fuera por ellos no sé si vería la historia de la banda.

Y sin caer en poesía de bajo presupuesto pero ¿cómo define La Renga ese ‘rayo salvador’ que aún los mantiene invictos haciendo música, siendo la voz de un selecto pueblo?
Es cierto que cambian, van cambiando los formatos de cómo entregar un material grabado. Al principio fue el LP, luego el cassette, vino el Compact Disc y ahora el Mp3 y todos los sistemas digitales están apariencia ahora y la Internet, todo hace que el compact también haya caducado ¿no? La última tentativa que nosotros, que fue idea de nuestro manager Gaby es que ‘Algún Rayo’ fue que se vendieron muchísimos CD porque se entregaban con la entrada del show de presentación. Osea a cada lugar que íbamos la entrada era el CD. Entonces de esa manera se evitó la piratería ¿no? . No sé hasta qué punto se puede luchar de esa manera ¿no? Teniendo en cuenta que el CD va quedando como obsoleto digamos frente a las nuevas tecnologías. Lo que sí tenemos siempre en cuenta hasta ahora es que no hay una formato que haya superado la calidad de sonido que tiene un CD digamos ¿no? . Hablando en temas de frecuencias musicales, un mp3 al tener, al ser todo más compacto hay frecuencias que se pierden y quizás el común del público no lo nota pero si uno se detiene a escuchar música, se va a dar cuenta la diferencia que hay entre un LP y un CD. Un LP tiene frecuencias más graves, cosa que perdió el CD. Y a su vez encontrarás música muy comprimida en dónde se pierden un montón de secuencias que hay grabadas pero bueno así corren los tiempo, muy veloz. Se ha vuelto en Estados Unidos, México al LP, como objeto de culto en dónde uno para poder escucharlo debe tener la bandeja. Me parece que es una de las formas más lindas de escuchar música. La venta de CD’s ya no sirve para una banda. El último manotazo fue la salvar el compact fue con la idea que tuvo Gaby.

Francamente el concepto visual del disco es muy llamativo, sobre por el holograma plasmado en toda su carátula pero regresando al tema de ‘Algún Rayo’ ¿qué representó haber sido nominados a los premios Grammy? Eso es poco común para una banda que prevalece y defiendo su postura under.
No sé la verdad a nosotros también nos sorprendió porque acá fue postulada otra banda, Carajo y nosotros. No quiero despreciar el premio Grammy no es como nosotros nos basamos en querer o cualquier otro premio. Premio para nosotros es encontrarnos con nuestro público y compartir el momento de las canciones, el premio de hacer música. Esos premios están bien pero no son tan importantes para nosotros.

La Renga y sus fans en Bogota (via facebook.com/diero2701)

¿Cómo definir la interacción con la comunidad argentina de músicos o mejor decirlo: de rockeros?
Nosotros siempre estamos muy conectados sobre todo con bandas under. Yo he grabado con muchísimas bandas under, he cantado, he tocado la guitarra, hace poco estuve en un programa que se llama “El bombardeo del demo” en las que me presenté con varias bandas con las que yo he grabado. Puede ser que haya competencia entre bandas pero en nuestro caso no tenemos problemas, compartimos con muchos músicos y muchas bandas, escenarios, tocadas. Nos invitamos mutuamente. Creo que hay una buena relación acá en Argentina con los músicos.

La Renga jamás ha desmeritado el valor de otros festivales pero son de las pocas bandas en Sudamérica que se dedica a realizar sus propios encuentros con bandas locales e invitadas internacionales. ¿Han pensado en un próximo encuentro compartir escenario quizás con bandas colombianas?
A eso también vamos a conocer a algunas bandas de allá, relacionarnos y ver si tenemos la posibilidad de compartir escenario porque eso realmente lo que nosotros también hacemos cuando fuimos a México conocimos a Los Tri, los invitamos aquí, ellos allá. En España conocimos a los Suaves, conocimos a Marea y después hay como un intercambio ¿no?. Para posteriores visitas a esos países nos invitan a tocar igualmente nosotros aquí, así que no hay ningún problema, estamos con mucha gana de conocer las bandas de allá de Colombia.

A pesar de la trascendencia histórica argentina sobre el anglo y su influencia en el arte nacional, ¿La Renga ha denegado la posibilidad de cantar en otro idioma?
No, no para nada. Más hemos compartido con algunos músico de blues que han ido para Argentina, Jesse Mills, no sé, no tenemos ningún problema con el idioma, puede ser latino, anglosajón, italiano, ruso, cualquiera, no hay problema, el idioma es lo de menos. (risas)

Y para finalizar la típica pregunta sobre algún tip o consejo para tus seguidores o quiénes empiezan en este rollo musical.
Un consejo mío. Bueno que crean en lo que hacen sobre todo los músicos y las bandas. Eso es lo principal. Cada uno puede hacer lo que quiera pero si uno se va a basar en la música o en el arte, debe creer realmente en lo que está haciendo y no ir atrás de la zanahoria, como se dice: Tratando de tener éxito, de ser una banda exitosa, eso viene después pero uno se abocó al arte, a su música, a sus canciones, a su escultura, a su danza, a lo que sea y cree en eso y eso lo hace ser único realmente un verdadero soñador digamos.

* Entrevista publicada originalmente en CarAudioRockFestival

BONUS TRACK:
- Entrevista a Tete en Rockombia
- Chizzo en "El Bombardeo del Demo" en Rock&Pop Argentina

- La Renga, recital completo en apoyo a empleados de Sanom (via @andystoy )

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La muerte de los rockstars


En los años en que las disqueras obtenían jugosas ganancias por las ventas de discos, los altos ejecutivos de los sellos paseaban sobre el globo terráqueo en jets y encendían sus cigarros con billetes. Lo mismo hacían los rockstars privilegiados, que eran una construcción en la que no siempre concurrían talento y gracia. Mucho del brillo glam de los ochenta era sólo eso: maquillaje y vestuario a costos siderales, editoriales completas de revistas, gigantografías, etc. 

Hoy, en el fulgor de la era digital, la industria discográfica tradicional rebota entre una idea mala y otra peor, buscando escape a la debacle económica que les cayó encima apenas lanzado el emepetrés y la extendida distribución libre de contenido entre usuarios. Sin poder encontrar una nueva fórmula de fortuna y utilidades inagotables, los ejecutivos de las disqueras empezaron a apagar los billetes encendidos, y, más de alguna banda perdió su trono, al no tener una industria multimillonaria que lo cobijara. 

Lo brillante de este momento es que con la caída del disco como una fuente inagotable de dinero, los artistas han dejado de depender de las disqueras, quienes ofrecen cada vez menos “regalías” a sus contratados y han puesto sus esfuerzos en el 'directo, en las giras, en la composición, en la autoproducción; adueñándose de tanto medio como tengan a su alcance para autodifundirse. 

En el rock, estos serán años de gloria, pues día a día aparecen nuevas bandas, independientes, liberadas de los estándares discográficos que se ocupaban hasta inicios de los '90, brillando por el trabajo y el talento, dependiendo mucho menos de la difusión oficial y sin detenerse a soñar con el ideal del rockstar en limusinas, sino en obreros cuyo fin último es lograr la difusión de su arte y el reconocimiento por su trabajo. 

Para nosotros, cada vez se nos hace más fácil alcanzarlos, tanto a través de la red, como en las múltiples tocatas de toda escala, por todas las ciudades. Están más cerca y más a menudo, los viejos estandartes y las nuevas promesas, cualquier día en cualquier lugar.

La fuerza de esta nueva forma de hacer y difundir la música ha alcanzado tal nivel, que no son pocos los casos de artistas consagrados que han regalado sus trabajos a través de las descargas gratuitas, como lo hizo Radiohead con In Rainbows, o los inicios de Arctic Monkeys ofreciendo su música en streaming a través de MySpace. Otros han encontrado en las redes sociales la posibilidad de interactuar de forma directa con sus seguidores, y hoy es posible leer verdaderas entrevistas de fans, vía Twitter, a tipos como Alex Kapranos (@alkapranos) o Slash (@slash), músicos que han decidido bajarse del trono tradicional del rockstar para estar más cerca de sus fans. Y varios también -como Weezer o Jack White- han ocupado las plataformas audiovisuales como YouTube para desarrollar canales de transmisión directa que permiten el acceso a algunos shows y la viralización de contenido exclusivo donde es posible seguir su trabajo.

Los rockstars de los que les hablaba al principio, hoy desfilan en realities de rehabilitación o de búsqueda de esposa. Los rockeros de verdad, van por la calle, están en salas de ensayo, graban en sus propias computadoras y/o suben sus discos a internet para libre descarga; sean estos artistas reconocidos o anónimos.

Si bien es cierto el concepto de "rockstar" puede prevalecer como una forma de distinguir un artista de escala planetaria de cualquier otro, la mitología en torno a sus estilos de vida, a la idea de la reconversión de talento chorreante en dinero y fama, desapareció, o, al menos, parece ir desapareciendo.

Para mí, la era de la digitalización ha sido el puente de humanización de los rosckstars, y han caído y seguirán cayendo al agua precisamente aquellos que se definieron bajo capas y capas de producción, chapoteando en programas de televisión que nada tienen que ver con el rock (ver el caso de Bret Michaels, por ejemplo).

El valor del trabajo, la creatividad y la honestidad en el rock son los que prevalecerán, y el rock seguirá despojándose del artificio de las superproducciones. Eso espero.

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Canciones con silbidos


Recuerdo un jefe que tuve prohibía silbar en el trabajo, ¿raro no? Cuando aquella lúdica y tan sencilla práctica nos permite acompañar nuestras actividades más cotidianas al rememorar aquellas melodías que se nos vienen a la cabeza. Pues así como los silbidos nos sirven para recordar, a muchos le han servido para inmortalizar sus canciones y adornarlas con solo soplar a través de los labios.



Grandes canciones nos hacen silbarlas, pero en esta ocasión escogimos aquellas que los propios músicos agregaron sus silbidos, unas más recordables que otras, pero que sin duda luego de que las escuches, se te pegará una. Intencionalmente dejamos afuera a Winds of Change de Scorpions y Patience de Guns N' Roses.