Una de las novedades relacionadas a nuestra sección de LITERATURA +ROCK que tuvo la versión 2010 de la Feria del Libro de Santiago, fue el lanzamiento y publicación del libro de Antonio Díaz Oliva, una investigación respecto al ya mítico y recordado festival realizado en el sector de los Dominicos en los 70. “Piedra Roja: El Mito del Woodstock chileno” es el titulo de la investigación realizada por Díaz Oliva, un joven temuquense que viene a aportar con su libro a la escasa (pero no por eso menos interesante) bibliografía de rock chileno.
El mito del Festival de Piedra Roja es conocido, con más o menos detalles por la gran mayoría de los chilenos, que en este libro pueden encontrar una buena fuente de información, certera y confiable respecto a las verdades del originalmente llamado ‘Festival de Los Dominicos’, que tuvo un origen tan simple como reunir fondos para un viaje de estudios de 4º medio. Digo confiable en mayor parte por que es un libro, más que cualquier cosa, honesto. El autor es consciente de que la información y recopilación es difícil de encontrar en un país donde los festivales de música aun en estos días son poco abarcados por los medios, y sobretodo en pleno año 1970, cuando el país vivía una etapa de máxima polarización luego de que Allende asumiera la presidencia. Es por eso que el primer párrafo hace la advertencia de que es “un libro en progreso”, que tiene pocas fuentes de información ajenas a los recortes de prensa, a los músicos que participaron en el evento o de quienes los organizaron. La intención es reunir en un futuro las visiones y vivencias de más actores involucrados, de asistentes y quizás de quienes tuvieron en el festival un evento que cambio sus vidas.
El libro es rico en recortes de prensa de la época, donde se grafica la visión conservadora de la prensa en general, incluso de aquella que puede ser relacionada históricamente con una izquierda supuestamente más liberal. Y de la prensa derechista de siempre, esos que mienten podemos revisar reportajes titulados “El Festival de la Marihuana”. Las fotos del festival, de gran calidad y valor historico, que aparecen en la publicación son de Paul Lowry.También es interesante el reconocimiento que se hace de dos ‘facciones’ de hippies existentes en la capital en esos años, muchos de ellos motivados por la película-documental del Festival de Woodstock que se proyectaba en los cines locales, que vieron en la moda hippie reconocidas sus naturales ansias de libertad. Existían los hippies de clase media para abajo que se reunían en el Parque Forestal, en cambio los hippies cuicos se reunían en Providencia y pocas veces se relacionaban con los primeros, situación que se rompió en el Festival de Los Dominicos.
Si bien luego de leer el volumen de casi 200 paginas, queda una sensación de que pudo haber sido más acuciosa y reveladora la compilación final, al menos se agradece la honestidad declarada desde un principio. No es fácil el tema ni dedicarse a escribir de música en un país donde solo se leen best sellers pirateados y poco contenido se busca en las canciones. Ojala que el libro tenga un segundo capitulo y que las editoriales le den cabida a la investigación musical.
Para quienes quieran encontrar el libro, pueden pedirlo en la Editorial RIL, o en librerías como la Feria Chilena del Libro o Que Leo que tienen muchas ofertas convenientes, por ej, yo aproveche una que hicieron de 40% de descuento, que avisaron a través de su twitter, y me traje este libro. También pueden leer un capitulo en pdf en CIPER.
Hoy ví un DVD de Muse, y se lo comenté a algunos ortodoxos. Los primeros comentarios de estos feligreses de la iglesia del Rock Clásico fueron “poseros”, “niñitas”, “son como neo-glam”… etc., etc., etcéteraaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa.
Bueno, no sé si la “vanguardia” del rock la porte Muse, o alguna banda contemporánea en particular, pero me permito a propósito de esas descalificaciones, hacer algunos paralelos a partir de lo visto en ellos.
Las guitarras de Muse suenan como el resultado del paso del sonido de las cuerdas, a través de más que varios efectos y procesadores de sonido. Esto me recuerda mucho los múltiples efectos de todo tipo usados por David Gilmour en vivo y en estudio. Tantos son en ambos casos, que probablemente se requiera de autorización de la empresa eléctrica pa enchufar tanto transformador asociado. Un detalle de oreja iniciada es que tienden más al Fuzz que al Overdrive (el que sa’e, sa’e…). Aprovecho el ejemplo de Gilmour, a través de Pink Floyd y su respectiva puesta en escena.
Luego viene el uso de efectos en el bajo. No es novedoso, lo he escuchado en otros casos, pero generalmente como un detalle (como por ejemplo en King Crimson). En Muse aparece insistentemente, sobretodo distorsiones.
La batería no tiene particulares detalles en términos de procesos de sonido, y es más bien estándar dentro de lo que se conoce en el rock. No hay que dejar de mencionar que como toda buena banda de rock, tienen un excelente baterista.
En síntesis, en la familia del rock, siempre es posible encontrar parámetros de asociación. Pero hay algún agente legitimador, y es el que está en las cabezas de los ortodoxos, la “tradición”.
Una cuestión curiosa, y de la que mucho chascón con polera negra no cae en cuenta, es que aquellos estandartes del rock clásico, han ganado su ubicación de privilegio gracias a la ruptura, más que otra cosa. En la novedad, en lo que los separa de lo que se ha convertido en movimiento. Ejemplos? The Beatles, The Rolling Stones, The Ramones, The Clash, The Who, Led Zeppelin, The Police, Pixies, Nirvana, y etcéteras x 10000… Nombro bandas que quebraron el molde, y que son finalmente los padres de movimientos que se extienden a través de cientos y miles de bandas que fundan sus maneras en las formas propuestas por estos íconos.
Esta cuestión de esperar la consagración final, o que surjan los imitadores, pues no es inteligente… Es una idea equivocada, porque, al menos para mi gusto, el rock es ruptura, rebeldía, sobretodo al molde, y apertura (de mollera sobre todo).
Los ortodoxos del rock finalmente terminan cerrándose a todo, y eso es una idiotez, porque se pierden de mucho. El rock es tradición, pero tradición de ruptura, ergo de novedad, variación, cambio… (no “viva el cambio”, favor no confundir).
Arriba Muse, abajo Pink Floyd… para que hagan la analogía los ortodoxos… las diferencias las veran los abiertos de mollera… XD
Si de algo se puede estar seguro, es que Julio Verne nunca pensó que podría inspirar, indirectamente, una canción de rock, y menos, una que se transformaría en un clásico del género. Y es que la obra del célebre escritor francés, padre de la literatura ciencia-ficción, es la primera piedra de una estructura que termina con un acorde fade-out en MI.
No hay duda que Verne inspiró a toda una generación de escritores con sus cuentos sobre el hombre y sus fantásticas travesías surrealistas, por ejemplo, en grandes naves viajando por el espacio como en “De la Tierra a la Luna” (1865). Así fue como Arthur C. Clarke, uno de sus más acérrimos seguidores, escribe en 1948 “El Centinela”, cuento sobre un geólogo que encuentra en la luna una alarma alienígena que avisará a los extraterrestres, una vez activada, cuando comunicarse con el hombre. Ésta sería la materia prima para que 20 años más tarde, uno de los genios del séptimo arte, Stanley Kubrick, tomara esta obra, y al propio Clarke como guionista, para realizar una de sus obras cumbres y un clásico del cine moderno: “2001: A Space Odyssey”.
El ambicioso film sci-fi, dirigido en una especie de formato documental, consta de a lo menos, cuatro partes, en donde el director intenta relatar la relación de la evolución del hombre con la intervención extraterrestre, a través de la tecnología y sus avances en el tiempo. Con este hilo conductor, la película muestra desde la era prehistórica, como los simios comenzaron a dominar la 'inteligencia' a través de un extraño monolito que encuentran. Cuatro millones de años después, el hombre posee estaciones en el espacio y en la Luna, donde también encuentran otro monolito, que esta vez, los llevará a realizar una travesía hasta Júpiter.
No es el objetivo de este post analizar la película y transcribir su importancia en el mundo cinéfilo, tampoco dar más spoilers, sin embargo, una buena síntesis la da el propio director newyorkino:
"2001 es una experiencia no verbal: de dos horas y 19 minutos de película, sólo hay un poco menos de 40 minutos de diálogo. Traté de crear una experiencia visual que trascendiera las limitaciones del lenguaje y penetrara directamente en el subconsciente con su carga emotiva y filosófica. Quise que la película fuera una experiencia intensamente subjetiva que alcanzara al espectador a un nivel interno de conciencia como lo hace la música."
Lo que Kubric no sospechaba era la influencia que tendría esta película en un joven músico inglés, quien toma como inspiración el relato de este film y escribe lo que se convertiría en su primer gran éxito. El joven, de entonces 22 años, es David Bowie, y su creación: "Space Oddity". La canción (traducida como 'curiosidad espacial'), fue lanzada al mercado un 11 de Julio de 1969, como primer single de la ópera prima –del mismo nombre- del 'Camaleón'.
Pero ¿de dónde nace este romance 'espacial'? La historia cuenta que Bowie y un par de amigos fueron a ver la cinta de Kubric -estrenada en 1968- al cine. Ahí, el impacto fue inmediato. La película marcó el estilo que seguiría a este músico cuya influencia aún es inagotable. El propio Bowie afirma que:
“Unas cuantas películas me marcaron en los '60 y una de las más importantes fue 2001 de Kubrick. Me acerqué al sentimiento de aislamiento. Éste y otros elementos sentaron las bases para un montón de actuaciones que ofrecí, y probablemente predijo mi estilo de vida en los '70”.
“Ground Control to Major Tom” canta Bowie en los primeros compases. Así, y con una narración poderosa, hace eco del cuento de Clarke y de la película de Kubrick, y nos relata la historia del lanzamiento al espacio de un astronauta ficticio que entra en una especie de depresión durante su misión, que terminaría sin retorno.
El significado de la letra tiende a ser un poco ambiguo, pero la realidad es que es un homenaje a la citada película, pero también, mezcla otra inspiración: una relación amorosa con final abrupto que tuvo Bowie con una antigua novia, Hermione Farthingale, mujer por la que tenía profundos sentimientos, y, que además, menciona en otros dos temas más del LP ("Letter to Hermione" y "An Occasional Dream") El mismo Bowie se encargó de admitir estas inspiraciones en una entrevista en 1997, en el programa VH1 Legends.
Con ese antecedente, la interpretación que se puede sugerir es la de un canto de autodestrucción y distanciamiento de la humanidad. El críptico mensaje final del Comandante Tom sugiere que aún sigue vivo y en buen estado, y que es él quien decide cerrar la conexión con la Estación Tierra (‘Ground Control’):
"Though I’m past one hundred thousand miles I’m feeling very still And I think my spaceship knows which way to go Tell my wife I love her very much… she knows"
[“Aunque avanzo a más de cien mil millas Me siento muy estático Y creo que mi nave espacial sabe que camino seguir Dile a mi esposa que la quiero mucho… ella ya sabe”]
Bowie parece confirmar esta interpretación con la continuación que tuvo este tema en “Ashes to Ashes” (1980), donde declaró que ésta “es un epitafio suficientemente bueno” para el Comandante Tom, quien envía otro mensaje a la Estación Tierra que dice:
"I'm happy, hope you're happy too I've loved all I've needed to love Sordid details following"
[“Estoy feliz, espero que ustedes también He amado todo lo que he necesitado amar Los detalles sórdidos a continuación”]
La relación que potencia además la característica ‘espacial’ de la canción es que, en 1969, año del debut del LP “Space Oddity”, también fue el año del alunizaje, donde (se supone) Neil Armstrong y su equipo de astronautas logran llegar y caminar en el satélite natural de nuestro planeta. Pero ese es sólo un dato coincidente, sin embargo, hay otros dos sucesos que conectan al músico tanto con el alunizaje, como con el director de 'una odisea en el espacio': (1) En la transmisión oficial de la cadena británica BBC para el llamado 'acontecimiento del siglo', deciden poner la canción de Bowie como banda sonora de la cobertura, y (2) los más escépticos, esos que aún no creen en la hazaña de los estadounidenses, sugieren la teoría que, mientras Kubric grababa “2001…”, en los ratos libres que le dejaba la filmación, también dirigió la supuesta llegada del hombre a la Luna en un estudio cinematográfico, por petición del mismísimo Presidente de USA, Richard Nixon.
La otra interpretación que se maneja fuerte tiene que ver con las drogas, específicamente, refiriéndose a los problemas que le ocasionaban los alucinógenos que consumía Bowie en los '60. El mensaje oculto del que metafóricamente se hablaría en “Space Oddity” tiene relación a un ‘mal viaje’ (por las malas experiencias con LCD). Al principio de la canción, se hace la mención que el Comandante Tom se toma unas píldoras:
"Ground Control to Major Tom Take your protein pills and put your helmet on"
“Estación Tierra a Comandante Tom Tome sus píldoras de 'proteínas' y póngase el casco”
Y esas píldoras tendrían su propio efecto, donde finalmente el Comandante Tom es incapaz de salir de este viaje.
"And I’m floating in a most peculiar way And the stars look very different today"
“Y estoy flotando de una manera muy peculiar Y hoy las estrellas tienen un aspecto muy distinto”
Paradójicamente, la teoría del consumo de drogas del Comandante Tom -que vendría siendo el mismo Bowie- se sustentaría también en “Ashes To Ashes", cuando literalmente canta:
"We know Major Tom's a junkie Strung out in heaven's high Hitting an all-time low"
“Sabemos que el Comandante Tom es un drogo colgado en lo alto del cielo con un bajón sin precedentes”
Sea cual sea la interpretación, que finalmente son personales, "Space Oddity" es una canción soberbia, muestra desde el inicio que Bowie es un artista conceptual y que refleja lo quimérico de su composición, donde se fusionan los elementos del rock sicodélico sesentero con las claras influencias del folk-rock de Bob Dylan. Contiene la inclusión de un instrumento difícil: el mellotron, a cargo de Rick Wakeman, y de sintetizadores a cargo del mismo Bowie, que marcarían un precedente en el rock progresivo de los '70. Además, colaboró el bajista Herbie Flowers (quien en 1974 lo volvería a acompañar para grabar “Diamond Dogs”). El baterista fue Terry Cox y el guitarrista Mick Wayne, que no quedó muy contento con su contribución en el tema principal ya que no pudo utilizar su propia guitarra. Tras la primera mezcla, y como anécdota, su amigo y productor Tony Visconti, no le convenció para nada el tema y menos las locas ideas que su amigo David tenía para grabarlo, así que no dudó en sincerarse: “No, no voy a hacer eso. Es terrible”, por lo que le recomienda a Gus Dudgeon, quien finalmente produce el tema a la versión que conocemos, convirtiéndose en la canción más famosa del 'Duque Blanco'.
Ciertamente, el tema de ‘lo espacial’ marcó profundamente a Bowie. Se transformó en una constante inspiración, no sólo para la creación de “Space Oddity” y sus secuelas en “Ashes to Ashes” y, en una tercera parte en 1996 con “Hallo Spaceboy”, sino que también, para la elaboración de uno de sus mejores discos, el conceptual “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” de 1972, pero esos ya son riff de otra guitarra. Además, y como dicen que 'lo que se hereda no se hurta', su hijo Duncan Jones (Zowie Bowie), filma una película de ciencia ficción - cuarenta años después del lanzamiento del primer disco de su padre- su opera prima: "Moon", que cuenta la historia de Sam Bell, un minero que es enviado a la Luna con la misión de extraer un gas que salvará a la Tierra de la crisis energética que atraviesa, en donde por tres años pasa solo en una base lunar y donde empieza a sufrir una serie de extrañas visiones justo antes de su regreso. No podía ser de otra forma...
El otro día, un viejo amigo me invitó a una tocata de su nueva banda.
Habíamos tocado antes en otras bandas, pero este proyecto parecía ser bastante más serio que los que compartimos. Su única intención en la música, era llegar a tener una banda “tributo”, de alguno de los grupos que le gustaban. Y por supuesto que tuvimos, la discusión trascendental sobre por qué tener una banda tributo, era una cuestión demasiado sharsha pobre.
El asunto, es que por esos compromisos que uno tiene con sus amigos, fui a ver la presentación de su banda en House of Rock & Blues. La velada fue de re-encuentros con todos los viejos amigos, amenizada con el tributo grunge-noventero de esta banda tributo, así que era una visita a 15 años atrás, lo que para efectos de la memoria, es bastante estimulante.
Cuando teníamos 15 años menos, rockearse el Ten o el Nevermind, era todo lo que hacía falta para tener una velada perfecta. En ese entonces sacábamos las canciones en guitarras de palo, y cantábamos al fragor de copete barato y tóxico. Una gran época de la vida.
Quince años después, varios de ese lote hicieron bandas, ninguno con mucho éxito, otros abandonaron la música, otros lo cruzamos con otras actividades, en fin...
Tener una de esas bandas que imitan lo más fielmente posible a quienes “tributan”, es una pega exigente, no crea que no. Requiere un particular talento para hacer la imitación, ser extremadamente (o lo más posible) riguroso con la ejecución… y así, un día se ganan el “derecho” de tocar en House of Rock & Blues, que es la catedral de las bandas tributo.
En este caso, una banda formada por gente que tiene que encontrar el tiempo para ensayar, y algunos con más disponibilidad, tiene sus aciertos y sus errores. Esa prolijidad de los próceres del “tributismo” no es alcanzada, y al día siguiente, la banda está disuelta. Por eso mismo quizás, y luego me pregunto… Y qué habría pasado si lo que tocaron, hubiese sido original?
No hay ese mérito rockero en el tributo. Eso es lo que pienso. Una banda tributo es una banda de fans. Tanto es así, que muy probablemente la disolución de esa banda no se deba a haber alcanzado el techo, al tocar en HoR&B, sino que por la exigencia sobre la ejecución de aquellos que no lo han hecho bien, en la correcta emulación de quienes son los imitados…
En fin, una banda sin peleas… El vocalista tiene en venta un amplificador y una guitarra.
Ojalá que si se ponen en la buena, escriban una canción sobre este episodio.
, sino que también, para la elaboración de uno de sus mejores discos, el conceptual “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” de 1972, pero esos ya son riff de otra guitarra. Además, y como dicen que 'lo que se hereda no se hurta', su hijo Duncan Jones (Zowie Bowie), filma una película de ciencia ficción - cuarenta años después del lanzamiento del primer disco de su padre- su opera prima: "Moon", que cuenta la historia de Sam Bell, un minero que es enviado a la Luna con la misión de extraer un gas que salvará a la Tierra de la crisis energética que atraviesa, en donde por tres años pasa solo en una base lunar y donde empieza a sufrir una serie de extrañas visiones justo antes de su regreso. No podía ser de otra forma...
