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La Renga en Chile 2012: un gran reencuentro

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El regreso a Santiago luego de 3 años, luego del lamentable accidente que sufrió un fanático de la banda en Córdoba, la espera de 6 meses de postergación del show, escuchar el resistido nuevo disco en vivo,  el alza en el valor de las entradas, todo eso y más parecían jugar en contra cuando con @bufonarq llegamos a las cercanías del Velódromo a eso de las 17.30 hrs. del sábado. Se veía una cantidad de gente bastante menor a otras oportunidades, existía una corta fila para entrar, por lo que se podía suponer que el recinto ñuñoíno no viviría una feliz jornada. Por otro lado era mayoritaria la presencia de fanáticos argentinos a esa hora, quienes llegaban incluso en buses y esperaban en Pedro de Valdivia sin hacer fila, junto a sus lienzos.
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Los lienzos “ché” en las afueras del velódromo.
Luego de una previa, entramos al lugar para esperar a los grupos teloneros, los lienzos ya se empezaban a colgar tanto por chilenos como argentinos. “La familia renguera no distingue fronteras” diría Chizzo luego, y así era, la fiesta del rock de barrio no distingue ni clases, ni equipos de futbol, ni nada. Muchos dicen que es como ir al estadio, por los canticos y todo eso, pero un estadio donde son todos hermanos y al más mínimo estribillo de alguna canción conocida, todos juntos entonan los clásicos de la banda. Es algo que no se ve muy seguido y por lo que acudir a un show de La Renga es una experiencia absolutamente distinta a otro recital. Se puede ver en los rostros de los rengueros, “Los Mismos de Siempre”, todos contentos y expectantes por asistir al “banquete”.
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Galería de lienzos al interior del velódromo.
La música comenzó con las nacionales Lilits, quienes a pesar de tener más de 10 años de carrera solo tienen 2 discos, con poca rotación en las radios, pero con una actitud y puesta en escena envidiable y solida. Se ganaron a la mayoría del publico presente a esa hora, para quienes mayormente eran unas desconocidas, quizás por nombre las habrían escuchado, pero que al paso de media canción ya tenían el respeto y admiración de todos a punta de belleza, coros y riffs. Notable presentación, con gusto a poco, con lo que engancharon sin duda a muchos que estarán pendientes de sus próximas presentaciones en algún lugar capitalino.
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Las Lilits en acción.
Luego vino la presentación de la nueva banda del líder de Ataque 77, Ciro Pertusi  : Jauría. Mostrando un sonido plano solo destacaron por un par de temas de Ataque y por sus mascaras al inicio del show. Sin duda se esperaba más de ellos.
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Jauría, el escenario y los mismos de siempre.
El tiempo pasó rápido y el sol se escondía cuando se apagaron las luces y comenzó la proyección de videos alusivos al arte de “Algún Rayo”, Tanque comenzó a golpear los platillos suavemente hasta que con un redoble se encendieron las luces y todos comenzamos a saltar, la fiesta comenzaba con “Canibalismo Galáctico” el primer single del ultimo disco de la banda, que hizo saltar y cantar a toda la cancha. Le siguieron “A tu lado”“Detonador de sueños”, “Almohada de Piedra” y el primer clásico de la noche “El Twist del pibe”, en un setlist cargado a los temas de sus últimos 3 o 4 discos, pero con grandes momentos como con una de las mejores interpretaciones de “La Balada del diablo y la muerte” y con momentos para el recuerdo como el apoyo al movimiento estudiantil antes de “Poder” (donde estuvo invitado Nacho Smilari, de Vox-Dei, La Barra de Chocolate, etc) y la presencia de hermanos mapuches tanto “chilenos” como “argentinos” antes de tocar “Lo Frágil de la locura”, con un discurso brillante de los invitados que también participaron de la apertura del tema y de la canción completa sobre el escenario con sus banderas “bien alto”.
“Lo Frágil de la Locura” con la participación del pueblo mapuche.
Este show de La Renga según muchos ha sido uno de los mejores, porque aunque existan fallas técnicas, de luces o lo que sea, todo eso no importa cuando se nota que la banda entrega el alma en el escenario, cuando se muestran agradecidos por todo el apoyo que se les da de este lado de la cordillera. La puesta en escena quizás no es la de antes (aunque el escenario era grandioso), se extraña la presencia de más vientos en los temas, se extraña el escenario con rampas y desniveles por donde Tete corra como loco, se extrañó también escuchar “El Revelde”, pero son 10 años casi ya desde su primer show en chile, en aquella memorable noche de octubre de 2002 en el Víctor Jara, y poco les costo triplicar su publico en conciertos para llegar hasta hoy, con una familia que crece y crece, que disfruta como si fuera el ultimo cada estrofa, cada tema, cada show. Ese público que sabe que la fiesta se cierra con “Hablando de la libertad” y no se irá hasta cantar “queriendo ser libre”. Es el fin de la ceremonia renguera, aquella que de cuando en cuando podemos disfrutar, aquella que recordamos con nostalgia cuando ha pasado mucho tiempo y de la que siempre salimos con una sonrisa de oreja a oreja. Es el rock puro y honesto de La Renga el que siempre mantendrá unidos a esta gran familia que el sábado pasado los fue a apoyar luego de los malos momentos que pasaron, fueron a demostrarle, en un repleto velódromo que están en las buenas y en las malas, como tantas veces ha estado la banda con nosotros para subirnos el animo, ahora le devolvemos la mano y les decimos que no paren, que sigan siempre hacia adelante, con aquella sencillez que los caracteriza y que los hace parecer tan cercanos al común del publico, al padre y al hijo que van juntos, al grupo de amigos que vienen de regiones, a aquellos que se conocen conversando en la fila e incluso a aquellos que se ven hermanados siendo de distintas nacionalidades. Acá no caben poses, ni modas ni pretensiones de divos, y eso se nota en cada fiesta renguera, donde podemos quizás soñar con un mundo así de unido por la magia de la música, que quizás no es la mas prolija del mundo ni la más perfecta técnicamente, pero que tiene un corazón y una energía que todo lo empuja.
Gracias La Renga nuevamente, nos vemos a la próxima!!
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*iremos subiendo más videos durante la semana, atentos a
  +ROCK en twitter y facebook

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Jorge Gonzalez, nuestro rockstar

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Casi de casualidad, estas ultimas semanas (y meses) el líder de Los Prisioneros se me ha cruzado en el camino, en parte impulsado por la reedición del catalogo de discos de la banda de San Miguel (tanto en vinilo como en digipak) visto en alguna que otra disquería, un par de entrevistas dadas en radio y tv, y un día (cuando me cayó la teja para escribir este post) mientras recorría los estantes de una librería donde sonaba de fondo el “Pateando Piedras”.
“El profesor no tiene la cabeza en enseñar
Como el doctor no sale de su casa para sanar
Somos mil perros tras un hueso esclavos de los pesos”

(Quieren Dinero, 1986)
Mientras revisaba algunos libros variados, y luchaba contra el comprador compulsivo, las letras de las canciones me salían de manera automática, desde el subconsciente me hacían volver a aquellos tiempos a principios de los ‘90 cuando descubrí a la banda, algo tarde quizás, pero no tanto como para que fueran una de aquellas bandas con las que uno se inicia en la música, y cuyas canciones se quedan grabadas a tal punto que en cualquier momento que las escuchas, ni siquiera te esfuerzas por recordar la letra, sale sola.
“Tu educación es una porquería
Yo con esas notas, ni siquiera trataría
Dedícate a ladrón, a vago o esclavo
Y nunca trates de entender
¿por qué, por qué los ricos?
Tienen derecho a pasarlo tan bien
Si son tan imbéciles como los pobres”

(Por que los ricos, 1986)
Entonces caí en cuenta que no le he dedicado desde esta tribuna el espacio que se merecen, aunque ya lo hizo @bufonarq en su ocasión, es a Jorge González  a quien en gran parte le debemos gran parte de nuestra historia rockera, con sus altos y bajos, como todo rockstar, como toda figura, como un Maradona quizás. Nadie es perfecto, nadie es modelo, los ídolos no existen si tienes los ojos bien abiertos. Y ese era el rol que siempre jugo González, un tipo del barrio como cualquiera de nosotros, que supo plasmar en sus letras, como muy pocos, la idiosincrasia del país en el que nos toco nacer, el que queramos o no, será siempre parte de nosotros.
“y el inocente pueblo de Latinoamérica
llorará si muere Ronald Reagan o la reina.
Y le sigue paso a paso la vida a
Carolina,
como si esa gente sufriera del subdesarrollo ...”

(Latinoamérica es un pueblo al sur de Estados Unidos, 1984)
Creo que el segundo cassette que tuve fue el ‘Corazones’, claro, era el año ‘91 y “Tren al Sur” era el hit del momento, una canción y un disco que más tarde descubriría que nada tenían que ver con la obra trascendental de la banda, aquellos primeros 3 discos que de una u otra forma se convertirían en inmortales y dentro de los cuales, hasta el día de hoy, sus letras se mantienen vigentes, lo que también viene a demostrar que el país, a pesar de lo que nos digan los poderosos, en30 años no ha cambiado mucho para la gran mayoría.
“Es fácil vegetar,
dejar que otros hablen y decir ellos saben mas que yo,
ponerse una insignia,
marchar detrás de un líder,
y dejar que nos esgriman como razón,
no vamos a esperar,
la idea nunca nos gusto,
ellos no están haciendo lo que al comienzo se pacto.”

(No necesitamos banderas, 1984)
Pero en esos tiempos conseguir música no era tan sencillo como ahora y de a poco fui consiguiendo los 2 primeros discos. No fue hasta la época del CD que descubrí aquella joya llamada “La Cultura de la Basura”, también casi de casualidad, lo encontré de oferta en una disquería. Un disco con un par de éxitos radiales y un montón de grandiosas canciones desconocidas, con las letras mas profundas de toda la discografía, un disco que se descubre con paciencia de melómano.  Años mas tarde seria casi una salvación para el espíritu el escuchar “Jugar a la Guerra” mientras realizaba el servicio militar obligatorio, de hecho en alguna caseta de guardia debe haber quedado su letra completa escrita, como una manera de resistir aquellos días bajo las ordenes de aquellos simios con uniforme.
“Con los uniformes limpios y las botas con betún
Parecen niños en edad escolar
Los que están en último grado
Tiene voces que ordenan
Estar preparados a jugar
A jugar a los pistoleros
A jugar a la guerra”

(Jugar a la guerra, 1987)
Luego vinieron los discos de rarezas, las reuniones, los estadios repletos, las peleas, las otras reuniones, los libros, los dimes y diretes.. y todo aquello que personalmente me fue alejando de González y su obra. Sus discos solistas no tenían aquella rebeldía que si la tiene el personaje al dar cada entrevista, aquella lucidez para comprimir el actual estado de las cosas en un par de frases punzantes se echaba de menos en sus proyectos solistas, acústicos, electrónicos, de apadrinamiento de otras bandas y un largo etc. que al final iban tapando la gran obra de los ‘80.
“Usted y su ambición
Dan tanto asco, dan tanto asco
Sus mil obreros le saludan y le dan la mano
Pero lo quisieran devorado por gusanos
Nadie lo estima y le dicen señor
Porque el desempleo es lo peor”

(Usted y su ambición, 1987)
Pero al fin y al cabo, entrando casi al chovinismo y la comparación siempre odiosa, es nuestro Dylan, nuestro Lennon, nuestro Charly. Es quien no debe estar ausente en ningún recuento de la música chilena, a quien muchos le deben y casi nadie le reconoce el lugar fundamental que posee en nuestra incipiente historia musical y social. El show del festival de viña en el 2003 y el de la teletón son verdaderos hitos, son la base para que muchos artistas chilenos hoy y estos últimos anos se atrevan a desafiar al poderoso, a exigir su lugar en los escenarios y a hacerse valer como tales. Sin Jorge González veo difícil la existencia de un Manuel García, de unos Sinergia, de una Camila Moreno y de tantos otros que acompañan su creación musical con un fuerte compromiso social y colectivo, como lo hicieron antes el gran Víctor y la gran Violeta.
“Hay gente que esta comiendo
De tu no saber que decir
Su fuerza es la ignorancia
De todos nosotros
Vampiros que suponen que somos
Felices con sobrevivir
Y se aseguran que todo siga así.
Queremos elegir decidir
Debemos elegir como quieres vivir
Reclamar y pelear obligar
Y dejar de llorar
Y que nadie aproveche de ti”

(Poder elegir, 1987)
Es entonces cuando escuchar a González, en cualquier contexto y momento, se vuelve necesario, se vuelve útil. Escucharlo dando entrevistas acerca de la educación chilena y su admiración por el movimiento estudiantil dentro de los cada vez mas pusilánimes noticiarios y escucharlo sonar en cualquier librería, no es casual ni es gratuito, nos hace tener presente que la lucha por un país mejor no es algo que nació ayer, es algo que viene lento y creciendo poco a poco desde hace mucho,  siempre es y será necesario tener esa voz siempre alerta y filosa removiendo los espacios a los que pocos llegan y donde el puede acceder con la autoridad que le da su legado. Porque es nuestro rockstar.
Entrevista a Chilevision en 2011
ANEXOS:
- Entrevista a Canal13 2011 (video, con tijeras)
- Entrevista a Julio Cesar Rodríguez en Radio Bio-Bio (audio)
- Video puteando a un fan porque lo ‘hinchaba’ durante su show.

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5 Discos antes de que nos lleve el 2012 [02]


Esta es la segunda patita de “5 Discos antes que nos lleve el 2012”, está nuevamente escrita desde mi libertaria esquina delirante, como han decidido calificar mis posts algunos de mis colegas.

Sin que todavía me asalte preocupación alguna por el fin de los tiempos, paso a recomendar:

Los Prisioneros - La Cultura de la Basura


El primer disco chileno en esta compilación, con los mismos merecimientos de todos los demás, y otro disco sepultado bajo singles del tipo "Sexo" o "Quién Mató a Marilyn".

Cuando me regalaron este cassette (agrego link para los nativos digitales que no tienen idea lo que es esta pieza de arqueología), el año de su lanzamiento, tenía una limitada comprensión del contenido de sus letras, revisado nuevamente años después, con una mejor perspectiva, descubrí nuevamente ese disco. Una joya!

El que -según creo- es el gran secreto de este disco está oculto en los temas que no fueron singles oficiales. Ultra recomendables “Cuando Te Vayas”, “Él es mi Ídolo” y “Poder Elegir”.

The Clash . London Calling


Imposible no citar a The Clash, junto a los Prisioneros. Su principal influencia e inspiración sonora.

Una banda de punk, que no aceptó limitarse a los acordes en quinta en temas de 3 notas y que siempre corrió riesgos. Desde sus letras “politizadas”, hasta las múltiples exploraciones y mezclas de estilos. 
The Clash es una puerta siempre abierta.

El disco London Calling es básicamente el primer gran experimento sonoro de The Clash, agregando Ska, Soul, Jazz, Rockabilly y Reggae a su repertorio, y que manifiesta su compromiso político, en años de una Inglaterra aporreada por el desempleo, la crisis social y el desencanto.

Si no le hace al inglés directo al oído, revise sus letras, éste no es un álbum como los de Arjona.

Deep Purple - Machine Head


No hace falta ser un chascón metalero, de los que se toman la cerveza y luego se comen la lata para poder apreciar una joya de disco como esta. 

No me voy a detener mucho en un análisis de un disco excelente, sólo destacar la perfecta conjunción de riffs de guitarra poderosos y memorables, a cargo del nunca bien ponderado Ritchie Blackmore, y una ejecución en la batería de Ian Paice, de la que no hubo Lars Ulrich capaz de alcanzar.

Ésta banda es el mayor y más claro referente de lo que después se conocería como Heavy Metal.

Ahora, sin más, recordar que éste es el disco de “Smoke On The Water”, cuyas eternas reversiones incluyen la más furibunda ejecución por parte de la banda nortina Manhattan Sur http://www.youtube.com/watch?v=jEQLzr-hShs (disculpen los puristas).


Guns N’ Roses - Appetite For Destruction


Aún cuando todavía algunos estén completamente dispuestos a putearme por listar a Guns N’ Roses en la lista de los discos de rock que deben oírse antes de morir, me juego el pellejo y la honra con este disco.

Si nos situamos en que son años en que G N’ R no eran una banda de impacto global, y la pose era una cuestión puesta en escena para auditorios de no más de 100 personas, el golpe de las guitarras de Slash, el peso de la batería de Adler y el bajo alambrado de McKagan, ya eran un éxito en el resultado de la licuadora que los convocaba, y el resto material para la discusión entre fans de Metallica vs los de Guns N' Roses. Sobre esto, no está de más destacar que ningún miembro original de la banda, ni siquiera el portador del nombre y que lo mantiene figurando (Axl), han logrado por sí solos un disco de este calibre.

En este disco, a diferencia de lo que muchos siguen sosteniendo, no encuentra una influencia en esa basura conocida como “hair-metal”, sino más bien en el punk, en el hard-rock de los 70s, y todo condimentado con una buena dosis de calle y problemas con la ley.

Antes de indignarse por citar a esta banda, le invito a escuchar el disco, idealmente libre de prejuicios. Capaz que concuerda conmigo.

The Doors - Strange Days


Este disco acumula parte del relato musical más potente de la psicodelia rockera, y no al servicio de una pose, sino en su sentido más intimo.

Aún cuando mis grandes favoritos figuran distribuídos en éste, pero también en varios otros discos, la experiencia de un disco completo (que es el motivo de estos posts) y tratándose de The Doors, es efectivamente el viaje que uno espera en un disco psicodélico.

Acá se encuentran Strange Days, una de las mejores de todas las de los Doors, Love Me Two Times, People Are Strange y When The Music’s Over, que son parte de la estructura que define la sensualidad y profundidad existencialista detrás de la propuesta de esta banda.

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El "Indie": empieza con la I de industria (y termina con la E de estética)


Tengo un serio problema con la gente que se refiere a lo “indie” como parte de una estética musical. No porque no entienda a lo que se refieren cuando clasifican a un artista como indie desde lo estético, sino porque ellos mismos en su mayoría, no tienen la menor idea de qué va eso.

Pero más allá de esa molestia causada por una inocencia respetable en la torre de Babel que significa hablar de música, lo que me molesta es que la gente que habla de “indie” se refiere en la mayoría de los casos – y de forma indirecta – al valor que posee cierta música o cierto artista por “clasificar” dentro de ese género. Ese prejuicio sí que molesta, y no es porque tenga una postura delante de ese estigma "indie” y quiera ir en contra del mismo (como suele suceder con todos aquellos que creen que ser “indie” es ir contra la corriente), sino todo lo contrario.

Si uno se pone a mirar hacia atrás, se dará cuenta de la cantidad de artistas “indie” que hemos escuchado en la vida. Si bien el fenómeno en materia estética puede atribuírsele rápidamente a R.E.M. o, más atrás, a Velvet Underground; lo “indie” – abreviación de independiente – no tiene que ver con un estilo musical, sino con un estilo de negocios en la música. Un estilo que se aparta del modelo corporativo establecido en grandes sellos discográficos y busca su propia distribución y difusión.

Más allá del estilo y de la forma, los sellos independientes son los responsables de grandes cambios en la cultura musical. El primer gran cambio lo gestó Sam Phillips, fundador de Sun Records, un hombre blanco ávido de grabar artistas negros en una época separatista y difícil de navegar si se era “de color”. Phillips fue un recluta de aquellas cosas que los grandes sellos no querían por razones de ética y de moral. Carl Perkins fue Sun Records. Jerry Lee Lewis también. Johnny Cash pasó por ese famoso estudio. Y por supuesto, por ahí pasó el iconoclasta mayor: Elvis Presley.

“Nos van a echar de esta ciudad cuando llevemos esto a la radio”, cuenta la tradición escrita que fue lo que dijo el viejo visionario Phillips después de grabarle “That’s All Right (Mama)” al joven Presley en 1954. Y tenía razón. Lo que Phillips hizo era blasfemia. Convertir a un blanco en el negro más negro que tenía todo Tennessee.

Lo que grabó Phillips con Sun Records en la independencia fue un catálogo que hirvió rápidamente y disparó la inquietud de millones de jóvenes durante la segunda mitad del siglo XX. Los Beatles le deben al espíritu “indie” de Phillips su carrera, o por lo menos, la inspiración detrás de la misma. Podemos decir que Elvis fue el primer “indie” reconocido mundialmente.

El siguiente atrevido en adherir a la política de lo “indie” fue Frank Sinatra, quien venía de asestarle un golpe al establishment de los discos en Estados Unidos con su álbum “In The Wee Small Hours”, todo un experimento en una época en la que el sencillo de 45 pulgadas era el rey del mercado. Sinatra convenció a Capitol de que lo dejara lanzar un disco de 12 pulgadas con 8 canciones, algo inusual y muy peligroso para los negocios en aquella época – las tiendas estaban dedicadas a las ventas de sencillos de 45” y venderles la idea de uno de 12” no estaba en el libreto ni de la disquera, ni de los distribuidores. Aún así, Sinatra se salió con la suya, y aquel longplay fue un éxito.

Pero tanto forcejeo con la disquera y sus ejecutivos cansó al gran Sinatra, y decidió irse del sello y buscar refugio para él y los suyos en una empresa independiente. Así nació Reprise y con él, “Ring-A-Ding-Ding”, en 1961. Sinatra, el hombre de la voz inolvidable y las canciones perfectas, se convirtió pues, en un segundo e ilustre “indie”.

En el caso de Sinatra, artistas como The Kinks, Jimi Hendrix y Dean Martin conservaron libertad editorial y autoral de sus obras con Reprise, incluso hasta veinte años después de haber sido publicadas. Similar a lo que le sucedió a Phillips con Presley, que debió venderle el contrato a RCA Victor por 35 mil dólares en 1955 – a Sinatra se le acabó rápido la plata y Warner Records absorbería el sello tres años después de su origen. Independientemente de todos estos hechos, Sinatra fue clave en el desarrollo de la filosofía “indie”.

Antes de Reprise hubo unos cuantos más, como Stax y Motown, que se fundaron por esa misma época. Y más adelante irían apareciendo muchos más sellos que adherían a lo “indie” desde el negocio de la música, más que desde la música como tal. Notables casos como Factory Records en Inglaterra a finales de los setenta, que albergaron en sus filas a Happy Mondays y a Joy Division, o Def Jam, la cuna industrial del hip-hop como hoy lo conocemos.

Casi todo lo revolucionario que se conoce en la música ha comenzado “indie”, es decir: dentro del marco de lo que un artista puede llegar a lograr con su música en un modelo de negocios desarrollado por unos cuantos que, buscando su propia forma de hacer las cosas, encontraron a los artistas que eran, en el momento que era, bajo las circunstancias que eran. Todo tiene que ver con estar en el lugar correcto en el momento correcto.

Sub Pop, el gran canal discográfico de la primera mitad de los '90, nació en 1979 en la ciudad de Olympia como una revista. Siete años más tarde, se trasladaron a Seattle para formarse como sello independiente y ser los impulsores del sonido Seattle. Ahí fue donde llegó Nirvana en 1987 a grabar sus primeras maquetas. Sabemos lo que pasó después.

Muchas veces me hago la pregunta qué es el “indie”. Me la he hecho de manera personal y se la he hecho a varios fanáticos de la música. La he hecho porque, en materia de conocimientos, el indie comenzó con el descubrimiento de Joy Division, en un Manchester gris, uniformado por el Estado, en cabeza de un genio de la composición de grandes canciones de pop como fue Ian Curtis. Y me parece curioso que todo lo “indie”, después de averiguar, leer y escuchar música, venga de esas épocas de blanco y negro, después de la Segunda Guerra Mundial y el levantamiento del Muro de Berlín, que quiso uniformar a la cultura misma separando con concreto el mundo, y fracasando en el intento.

Y no puedo entender por qué, en un mundo tan colorido como es el indie – esa fuerza de negocios que se atrevió a pintar el espíritu de su tiempo desde Elvis hasta Adele – se sigue buscando una razón, un color, un uniforme estético a la inspiración, al arte, a la música, que pinta con descaro y sin discriminación, el espíritu de nuestros tiempos.

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5 Discos, antes que nos lleve el 2012


Cada vez que pienso en el 2012, como año final de todo, pienso en el 2000, que también era una fecha final para todo, y en la lista de discos que dejaría adeudados a mi oreja.

Los agoreros del fin de los tiempos cruzan los dedos, para que, si queda uno sobre la faz de la Tierra, ése le haga un templo, o una animita por lo menos, en reconocimiento a su capacidad predictiva.

Hace unos años, con una envidia expresada en exceso de salivación, observaba el libro que recibió de navidad un amigo, un gran regalo, a diferencia de las mierdas de regalo de navidad que habitualmente recibo yo, que hablaba sobre los 1001 discos que debes escuchar antes de morir. Ahora, en posición de “escribano de mi capricho”, me propondré hacer una lista con un número indefinido.

Les propondré 5 por sesión. La idea, es que hayan escuchado alguno antes del final de los tiempos, y si no se acaba todo, entonces tendremos tiempo de escuchar más, lo cual sería bastante mejor, ¿no?

Advertencia: el orden no implica jerarquías de preferencias.

Nirvana - In Utero



Me tomó 3 años terminar de digerir el disco, o 3 años en que me terminaran de gustar todas las canciones. Un año me gustaban algunas, al siguiente otras distintas, y así. Una tarde cualquiera, de aquellos años en los que podía destinar horas a no hacer nada, pero nada de nada, descubrí que me gustaban todas. No porque me lo haya propuesto, sino porque las había integrado.

Este disco es una ópera no-convencional, en el sentido de que la conexión entre sus temas no necesariamente existe, no son singles encadenados de forma intencionada, pero son una unidad en la que se desarrolla una tensión temática y sonora. Para que tenga una idea de lo que explico, le recomiendo escuchar los temas del disco en el orden propuesto.

Más sobre Nirvana acá.

http://grooveshark.com/album/In+Utero/114770

Ramones - Loco Live



Para mi gusto, el mejor disco en vivo de todos los tiempos. No caben más palabra sobre The Ramones, sólo lo que ya pude haber dicho aquí. Imposible perderse esta joya del punkrock.

http://grooveshark.com/album/Loco+Live/198481

Rage Against The Machine - Rage Against The Machine



El proceso mediante el cual el rap y rock encontraton el punto perfecto de estimulación mutua.

Mientras todos los borrachos de los 90s cantaban la “guatona tetona” se iba infiltrando el sentido más profundo de la comunión entre rock y rebelión, actualizado a la realidad contemporánea, con letras comprometidas, antisistémicas, perfectas para quienes miramos el mundo en escorso, con la seguridad de que todo se ha montado para robarnos un poco más todos los días.

http://grooveshark.com/album/Rage+Against+The+Machine+Explicit+/3556448

Metallica - Ride The Lightning


Nunca terminé de entender por qué este disco es tan ignorado a la hora de hablar de Metallica. Bueno, el año pasado la cagaron con esa porquería que hicieron con Lou Reed, pero no por ello se puede desconocer que son una piedra angular en el desarrollo de lo que hoy entendemos por metal.

Este disco contiene aquellas gotas que ampliaron el horizonte posible para lo que en los 80s se conocía como Thrash Metal. Tiene temas en todos los tempos, en todos los tonos, en todas las fibras. Es un gran disco. Probablemente aparezcan más en próximos posts, pero por ahora preferí éste, desde mi idea de que es un disco que yace bajo las placas más populares de Metallica, a la sombra del éxito del disco negro, de “...And justice for all”, y de “Master of puppets”.

http://grooveshark.com/album/Ride+The+Lightning/1233978

Led Zeppelin - Led Zeppelin II


Un álbum de Jimmy Page, así de corta. Con la gracia de tener uno de los más grandes bateristas, bajistas y cantantes de la historia del rock, para armarlo todo.

En este disco, se concentra parte de los temas más importantes y trascendentes, rockandrolleramente, respecto de lo que hoy podemos mirar como historia del rock, y cuya influencia llega hasta los artistas más novedosos de nuestros días.

http://grooveshark.com/album/Led+Zeppelin+II/121245

Disfruten!

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Perdiendo la fe

Judith
No, esto no es acerca de Faith No More, REM ni George Michael (?). Es más bien un análisis e interpretación algo libre de una de las canciones más populares (si cabe ese termino) de la banda de Billy Howerdel y Maynard James Keenan, y específicamente muy cercano a este ultimo. Para no entrar en introducciones lateras, me refiero a “Judith”, de aquel mar de nombres que formaba el primer disco de la banda y con dedicación a la madre del vocalista de Tool, quien producto de un aneurisma cerebral quedó postrada en una silla de ruedas por el resto de su vida.

La canción en si es una afrenta, una desgarradora confesión personal desde los más profundos conflictos que pueda haber tenido Maynard con aquel desafortunado hecho, y que sin embargo fue el primer single de la banda. Una canción algo contraria a las apologías mesiánicas de Cornell iremos revisando en el ejercicio de desmenuzar las liricas, donde el comienzo no es para nada suave.

“Eres una inspiración tal para las formas
Que nunca jamás voy a elegir ser”


Sin rodeos, contra la madre, anticipándonos que el resto de la canción deja en claro los argumentos para tal frase. Un ataque directo que denuncia el desapego que le provoca la figura materna, a pesar de su estado físico, un ataque más bien provocado por su accionar y sus creencias.

“Oh! tengo tantas maneras para demostrarte
Cómo el salvador te ha abandonado
A la mierda tu Dios
Tu Señor y tu Cristo
Él hizo esto
Tomó todo lo que tenías y
te dejó de esta manera
Y todavía le rezas, nunca te desvías
Nunca pruebas la fruta
Nunca pensaste en preguntar ¿por qué?”


La afrenta, la acusación, el cuestionamiento, el razonamiento lógico frente a la tragedia y la reacción a la misma, aquel razonamiento que no necesariamente es compartido en su origen, la religión, pero si es cuestionable sobre todo luego del compromiso fanático de la madre de Keenan con la fé en el Todopoderoso. El accidente para Keenan es la doble negación de la creencia, la prueba fehaciente de su inexistencia, que lo lleva al sufrimiento personal por aquel inentendible aferro a la fé de la afectada, la abandonada de la mano de dios, la incomprensión en su esplendor.

“No es como si mataras a alguien
No es como si le enterraras una lanza en su costado
¡Alabado sea el que te dejó
Roto y paralizado!
Él lo hizo todo por ti
Él lo hizo todo por ti”


El coro se refiere a la historia contada por la Biblia sobre la muerte de Jesús, y  como el sacrificio que aquel libro cuenta, es usado como pretexto para sostener la fé, aún después de las consecuencias que tuvo la tragedia, la cual no la mata ni la hiere levemente, sino que la deja en un estado de postración por el resto de su vida, como descubriríamos más tarde por 10.000 días, titulo del disco de Tool del año 2006 que profundiza en esta historia.

“Oh tantas tantas  maneras de que yo te demuestre
Cómo tu dogma te ha abandonado
Ora a tu Cristo, a tu dios
Nunca  pruebes de la fruta
No te alejes nunca,  nunca te rompas
Nunca - - - se ahoguen en una mentira
A pesar de que él es quien te hizo esto
Nunca pienses en preguntar por qué”


La segunda estrofa reafirma y repite lo de la primera, el aferramiento casi ciego a aquella fé, es señalada como la culpable de la miseria que la condena a la postración de por vida. Tanto como se acusa a Dios por el hecho se esta acusando a la madre por ni siquiera tener el coraje de cuestionarse el porque de su situación, no abandonar la creencia luego del abandono que se acusa ha sufrido Judith, no caer en la tentación ni desviarse del camino, como si la voluntad ‘macabra’ del creador no fuese un hecho lo suficientemente relevante como para entrar en una crisis moral y religiosa. Es ahí donde se crea el juego de palabras que da titulo a la canción, que si bien es el nombre real de la madre, paradójica y trágicamente genera una especie de paronimia con la expresión en ingles “tu lo hiciste” (“you did it”). Es tu culpa.

Habla con Jesucristo
Como si el supiera las razones
Él lo hizo todo por ti
Lo hizo todo por ti
Lo hizo todo por ti ..”

el video no tiene nada que ver con la letra, pero siempre es bueno ver amarrarse el pelo a Paz.


NOTA CURIOSA:la imagen del post, caratula del single “Judith” tiene una curiosa y casual (?) referencia a la cultura musulmana, quienes prohíben dentro de su religión el matar hormigas. [fuente]