Cine +Rock: Porcupine XXX

Seguramente fue una idea bajo los efectos del alcohol o en algún estado de inconsciencia tras una tarde loca de experimentación con drogas. O quizás, sólo es un caso de una genial sinestesia melómano-cinéfila. Cualquiera sea la razón, el asunto es que dentro de la extensa discografía de los ingleses Porcupine Tree podemos encontrar una canción "inspirada" en uno de los estandartes del cine erótico de los 80. Hablamos del señor Giovanni Brass.

Más conocido como Tinto Brass, el reconocido director de cine erótico italiano inicio sus pasos en el mundo del séptimo arte al lado de titanes del neorrealiamo italiano como Federico Fellini (La Dolce Vita, 8 ½) y Roberto Rossellini (Roma Città Aperta, Paisá). Luego de incursionar en variados géneros como el documental, el spaghetti western y la comedia, Brass decide dar un giro a su carrera y en 1976 filma Salon Kitty, una película que mezcla una historia de prostitutas en medio de la Alemania Nazi. Este sería el puntapié para que Brass se dedicara en los próximos años a rodar películas con alto contenido erótico mezclados con iconografías históricas, sin dejar de lado el ojo estético y la técnica aprendida en su juventud .

Ahora, ¿por qué Porcupine Tree compuso y tituló una canción con el nombre de este voyerista director? La verdad, el camino que intersectó al softporno con el rock progresivo fue casualidad. Steven Wilson, líder de los ingleses cuenta que conoció a Tintoretto gracias a un libro de cine que tenía su novia, en cuya portada aparecía el mencionado director. Luego de una nefasta investigación para saber más de éste (donde no obtuvo mayor información y ya encontrándose en proceso de composición del tema) decide incluir en el comienzo de la canción una parte narrada, en japonés, sobre algunos datos biográficos de Brass.

Musicalmente, el track 11 del álbum Stupid Dream (1999), se configura como una pieza clásica de rock progresivo: un instrumental de seis minutos, tintes de sicodelia y retazos sonoros clásicos que no hacen otra cosa más que un inmediato link a sus inspiraciones más cercanas como King Crimson o Jethro Tull. Una particularidad del tema es que es el único track del LP compuesto por toda la banda y además está incluido en 3 registros oficiales (en vivo) en su discografía.

Si bien es cierto al escuchar el tema no evoca ni lanza una pista sobre quién podría ser Tinto Brass, el antecedente está y ya no es tan inaccesible la información para generar el vínculo como lo fue para Wilson hace 12 años atrás.

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CINE +ROCK: Denzel Washington y los Stones

En una de aquellas tarde o noches haciendo zapping, años atrás, me encontré con el inicio de una película en el cable, me llamo la atención la música que sonaba, era la inconfundible voz de Mick Jagger, pero no ubicaba en ese entonces de que canción se trataba, pero era interpretada de tal manera por un prisionero camino a la ejecución que me quede viéndola solo por esos dos aspectos.

La película en cuestión era “Fallen” del año 1998, protagonizada por Denzel Washington y John Goodman y cuenta la historia de como una especie de demonio va sobreviviendo al pasar de persona a persona solo mediante el contacto físico más mínimo. Según recuerdo, el demonio se llamaba ‘Azazel’ y es a quien primero vemos en la película, entonando la canción de los Stones personificado por Edgar Reese (Elias Koteas, con un parecido a Henry Rollins), un asesino serial que es condenado a la cámara de gases. Al morir Reese, el espiritu de Azazel va en búsqueda de un alma ‘corrompible’ para seguir asesinando gente de la misma manera que antes, iniciándose entonces, una vez que lo descubre, la persecución por los policías encarnados por Washington (John Hobbes) y Goodman (Jonesy).

Azazel, toma como parte recurrente de su dialogo la letra de la canción, repitiendo de tanto en tanto la frase del coro, siendo utilizada como un recurso para reconocer en que cuerpo esta, o bien para delatarse de una manera irónica, cantando:

“Time is On My Side, Yes it is”
(“El tiempo esta de mi lado, si lo está”)

La canción, como se estilaba en los 60, no es original de los Stones, pertenece a Jerry Ragovoy y fue grabada por primera vez por el trombonista de jazz Kai Winding (Wikipedia). Pero, la versión más famosa es la de los Stones, quienes la grabaron en su disco de 1964 “12X5” y también en una versión con intro de guitarra en 1965 en “Rolling Stones Nº2”.
También ha sido versionada por Michael Bolton, Cat Power, Patti Smith y Andres Calamaro.

La película tiene sus cosas interesantes, como un inusual y muy pocas veces visto desenlace, si la pillan por ahí alguna vez (suelen ponerle el nombre de ‘Poseídos’) denle una oportunidad y/o disfruten al menos de la secuencia donde aparece esta gran canción.

... el porque Reese merece estar en este post.

Anexos:- Ver critica a la película en aullidos.com
- Ver la canción original interpretada por Rolling Stones en vivo.
- Ver el trailer de la película, con la canción una y otra vez en distintas voces.

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FUTBOL +ROCK: Si México Ganara el Mundial

El Tri debe ser una de las bandas más longevas que cantan en español, fundada en 1968 bajo el nombre de “Three Souls In My Mind” con más de 30 millones de discos vendidos, es sin duda uno de los principales representantes del rock mexicano, con canciones o ‘rolas’ muy cercanas al común de la gente, al pueblo y que nos muestra la idiosincrasia de un país más reconocido por sus baladistas románticos.

Por este lado son casi desconocidos, personalmente los descubrí a través de La Renga, quienes realizan el cover para ‘Triste Canción de Amor’ en su disco A donde me lleva la vida de 1993, originalmente publicada por los mexicanos en Simplemente, del año 1984.

Uno de los mejores discos para conocer de que se trata El Tri, para comprender aquella mezcla de humor, picardía e ironía, y también para conocer el carisma de Alex Lora, el mítico fundador de la banda, todo un personaje, es el ‘Directo desde el Otro Lado’ un disco en vivo del año 2007, que registra un concierto grabado en julio de 2006 en los Estudios Universales de Los Angeles, California, donde Lora aprovecha la ocasión para dedicarle un par de palabras al ‘Governeitor’ Arnold Schwarzenegger y a los políticos corruptos del país, hasta con una mención al Dr. Simi, o Víctor González Torres, candidato ilegal a la presidencia de México en 2006.

La biografía de Alex Lora, extraída de la web oficial de la banda.

Pues bien, en aquel disco aparece  la canción ‘Si México Ganara el Mundial’, originalmente publicada en el disco ‘Mas Alla del Bien y el Mal’ del 2005, y que es interpretada por Lora con el recuerdo fresco del partido que disputo la selección Mexicana versus la de Argentina en el Mundial de Alemania 2006, el 24 de junio, en el que luego de 90 minutos empatados 1-1 finalmente la albiceleste se quedo con el triunfo luego de un golazo de Maxi Rodriguez, cuando la esperanza mexicana (la selección conocida también como ‘el tri’) estaba en los penales.

Maxi Rodriguez y su golazo.

La fatalidad y la mala suerte de México en el futbol son retratadas tanto en la canción como en el discurso previo de aquel disco en vivo, en que Lora recuerda al entrenador Ricardo Lavolpe como ‘el capitán Garfio’ y el autogol de Borgetti en el empate argentino en ese partido. La canción en si es una ficción pensando en todo el caos que se produciría por la alegría de que la selección mexicana fuera alguna vez Campeón del Mundo, en una mezcla de alegría desbordada, feriados por un mes, borrachos en las calles y un enorme descontrol. Algo sin duda muy similar a lo que uno podría imaginar que sucedería en nuestro país, y algo que se puede ver a menor escala con los triunfos menores o las clasificaciones al mundial cada cierto tiempo y que la ‘rola’ retrata, y que para países con pocos triunfos futboleros a gran escala, es decir, toda Sudamérica excepto Argentina, Brasil y Uruguay, pueden sentirse identificados con la letra, donde siempre esta primero la fatalidad que la gloria, algún mal cobro, algún mal sorteo, o cualquier otra cosa se interpone en el camino al triunfo aun cuando se tengan las mejores esperanzas.

Sin duda una postal de futbol y rocanrol, escúchala a continuación:

dale click al Play para escuchar.

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Los Mac`s, innovadores del rock chileno

Los Mac`s son como aquellas bandas de la mitad de la década de los sesentas que añoraban ser parte de un proceso musical que fuera reflejo de lo que acontecía conLos Beatles, Los Rolling Stone y el rock and roll en EEUU, es que las ganas de hacer cosas nuevas para el ambiente chileno se clavó con fuerza en esta banda porteña, debido al temprano acceso que tuvieron sus integrantes a la música rock del momento a través de los discos que traían consigo los marinos y pasajeros de los barcos que recalaban en el puerto Valparaíso, la ciudad natal de David y Carlos Mc Iver los fundadores del grupo, pero esa cuota de originalidad y perseverancia que necesariamente se necesitaba por aquellos años, no fue suficiente y al inicio de su corta pero productiva carrera tocaban y grababan covers de las mismas bandas extranjeras que tanta admiración les causaban, con el objetivo de inmiscuirse y destacar dentro de un circuito que era duro con los beat nacionales y castigaba con desinterés e indiferencia cualquier intento de autonomía compositiva.

Por eso no es de extrañar que sus primeros trabajos en 1966 Go Go /22 y en 1967 con GG Session by the Mac`s estuviesen compuestos casi en su totalidad por cover de los Stone, Beatles y Chuck Berry. Pero hay que ser justos, Los Mac`s solo tuvieron que esperar un poco más para dar un paso gigantesco para el rock chileno cuando en 1967 lanzaron uno de los discos precursores de la fisonomía musical de estas tierras.

Kaledoscopio Men se llamó, y fue el primer disco psicodélico compuesto en Chile, en donde Los Mac`s dieron rienda suelta a su imaginación con letras que hablaban de amores poco dulces, sexo, drogas, un disco en donde resaltaban nombres extraordinarios de canciones instrumentales como “el evangelio de la gente sola". Este disco inauguró para la música chilena una serie de técnicas de grabación , como por ejemplo homenajear a Bob Dylan incorporando su voz en medio del temaDegress o incorporar guitarras en reversa en Dear friend Bob.

Punto aparte significó la inclusión La muerte de mi hermano dentro del set list, laprimera canción protesta del rock chileno no pertenecía al grupo, esta fue una composición de Payo Grandona cantautor popular externo al grupo e integrante del movimiento de la nueva canción chilena. La canción popularizó a los Mac`s, su contenido aludía al conflicto bélico en que EEUU invadió la isla de santo Domingo, un argumento que aunque ajeno a nuestro proceso social de país, fue novedoso y sentó un precedente para el Beat en las radios nacionales.

De toda la camada beat chilena muy pocos pudieron dar a conocer de manera masiva una canción en español, lo que sirvió como trampolín para todo un movimiento que solo logró asomar la cabeza por la ventana y que debió contentarse con mantenerse relegado por el auge y reconocimiento de la música popular en español, y claro, Los Mac`s con esta canción cruzaron a la vereda del frente, la misma por donde habitualmente circulaban Víctor Jara, Violeta Parra, Rolando Alarcón, Patricio Manns y tanto otros, la primera canción protesta contra el armamentismo remeció la escena, porque la gente la escuchó y entendió, pero por sobre todo porque esta vez la canción protesta llevaba guitarra eléctrica y batería.

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Hey! Ho! Let’s Go [Influencia_01]

Un día me preguntaron: “si pudieras escuchar sólo una banda, de todas las que pudieras escuchar, ahora, en este preciso instante, cuál sería?”, como pocas veces, no me compliqué en explicaciones para la respuesta, ni titubeé un segundo y respondí, casi automáticamente, The Ramones.
The Ramones era una banda cuyo único mensaje estaba contenido al interior de su música. El resonar del último acorde de cada canción, generalmente venía seguido sólo por un “one, two, three, four"… y son escasas y puntuales las ocasiones en que habían pausas para decir otra cosa salvo “estamos felices de estar aquí…”, o “buenas noches y gracias”.
Cuando estos cuatro tipos “en riesgo social” se juntan a vaciar lo que sienten de vivir la vida que tienen, lo hacen de tal forma, que el Rock no vuelve a ser más lo mismo. En este sentido, no está de más echarle un ojo a letras como “Loudmouth”, “Now I Wanna Sniff Some Glue”, o “Beat On The Brat”.
The Ramones son los padres de un estilo de música que trascendió al Punk Rock de los 70s, y que de hecho, constituye la base fundamental de la forma de hacer de varios géneros posteriores, como el thrash, el hardcore, e incluso el grunge.
Inicialmente, es posible que ninguno de los cuatro tuviera mucha conciencia de estar fundando un estilo, de hecho en prácticamente todas las entrevistas que dieron, explicaron que el resultado de su sonido, es más bien el no poder hacerlo de otra manera.
El “invento” tras el sonido de The Ramones, tiene la virtud del azar. Tanto es así que el que es por muchos considerado como “el mejor frontman del PunkRock” (Joey), partió en la banda como baterista, y terminó cantando porque Dee Dee, era incapaz de hacerlo y tocar bajo simultáneamente.
Sin ninguna pretensión de virtuosismo, The Ramones son reconocidos como gran influencia por artistas como John Frusciante, Rob Zombie, Metallica, Blondie, Talking Heads, Television, Sex Pistols, Eddie Vedder, Green Day, Motörhead, Judas Priest, Iron Maiden, Sonic Youth, Nirvana… y un demasiado largo etcétera.
Tal era el interés que esta banda despertó en el mundo del arte, que gente como Andy Warhol iba a sus conciertos, queriendo incorporarlos a su "fábrica”, así como en su momento lo hizo con The Velvet Underground. Sobre esta misma idea, no es una mera anécdota haber tenido un disco producido por Phil Spector, y tampoco lo lo es que éste haya apuntado a Dee Dee con un revólver, en medio de una discusión.
The Ramones dejó un legado de actitud, estilo, y puesta en escena que determinó un cambio radical y que perdura hasta el día de hoy, tanto en bandas que continúan la tradición punk, como muchas otras al exterior de este género.
Sobre el contacto con tu oreja:

PD: La parte triste, es que de esta banda sólo sobreviven Tommy, Marky y CJ Ramone. Joey, Dee Dee y Johnny se fueron en un período de 8 años luego de disuelta la agrupación.

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Voces de la contracultura en el nuevo milenio : Nine Inch Nails

“Country Joe Mc Donald dice que si en este mundo hubiera un cambio total, ese cambio sería al sonido del Rock; más podríamos agregar nosotros, si el sueño, si ese sueño que nos impulsa a vivir es real, si la vida es real, si es real la continua sensación de estar a medio camino entre un pasado abismal y la utopía más fecunda, entonces en ese sueño, en ese paraíso, se escuchan los sonidos de guitarras eléctricas y tambores, ¿para que, podríamos preguntar, vivir si se nos prohibiese formar republicas ideales?”

Fabio Salas. ‘El grito del Amor’.

Dentro del actual paisaje musical, existe una cierta parsimonia temática más ligada a la cotidianeidad y al ocio que a las causas grupales o masivas, en parte atribuibles al individualismo al que ha llegado el ser humano impulsado por las fuerzas capitalistas del consumo y la competitividad sin sentido. Pocas son las voces que desde la vereda del rock nos remecen con sus mensajes y propuestas incorporadas dentro de su música y por sobre todo de sus letras, en un momento en que es tendencia la búsqueda de un sonido particular, un look en particular o entrar en una tendencia en particular, lejana a la fuerza que por allá por fines de los años 60 llevaron a lo más alto la expresión artística en la archirevisada postura anti-Guerra de Vietnam. Es por eso que, a partir de este post, iremos revisando aquellas canciones que nos han remecido dentro del ultimo tiempo, aquellas que mantienen viva esa llama del rock, y comenzaremos, de manera aleatoria con Nine Inch Nails, quienes comandados por Trent Reznor se lanzaron directamente contra el presidente de los EEUU en ese entonces George W. Bush en su canción ‘Capital G’  del año 2007, quien, a pesar de las evidentes referencias, ha señalado que esta ‘G mayúscula’ se refiere realmente a la codicia o avaricia (Greed, en ingles).

Amargamente se relacionaron Bush y Reznor al conocerse que la música de Nine Inch Nails, entre otros, era usada como medio de tortura en los campos de concentración de prisioneros en Guantánamo, Cuba, posteriormente al lanzamiento del disco. Bueno, la letra dice :

I pushed a button and elected him to office and a
He pushed a button and it dropped a bomb
You pushed a button and could watch it on the television
Those motherfuckers didn't last too long ha ha
I'm sick of hearing 'bout the haves and the have nots
Have some personal accountability
The biggest problem with the way that we've been doing things is
The more we let you have the less that I'll be keeping for me

Desde tiempos de la guerra fría se ha usado la metáfora del ‘botón’ que destruye al mundo, en tiempos en que la automatización comenzó a tomarse los principales procesos, este también llego a los métodos usados para elegir un presidente mediante el voto electrónico al que Reznor se refiere en la primera línea y que fue el que eligió por 2 periodos consecutivos a Bush; la segunda clara referencia al sistema armamentista impulsado por este y la tercera en referencia a nuestro rol de meros espectadores de los juegos de ambición y poder que se dan en la política, desde la comodidad de nuestro sillón cambiando de canal si no nos agrada ver una noticia, hastío que dura solo hasta que la noticia nos afecta directamente.

Don't give a shit about the temperature in Guatemala
Don't really see what all the fuss is about
Ain't gonna worry bout no future generations and a
I'm sure somebody's gonna figure it out
Don't try to tell how some power can corrupt a person
You haven't had enough to know what it's like
You're only angry 'cause you wish you were in my position
Now nod your head because you know that I'm right, all right!

El segundo párrafo va más allá en la postura inconformista y desinteresada a la que el sistema nos empuja con todas sus distracciones, se va generando entonces una aparente apatía, un déficit atencional inducido cuyo único resultado va en beneficio de los más poderosos mientras el resto se ve enfrascado en peleas menores por un puesto o tal o cual figuración, sin velar por los intereses comunes que tan bien suenan en sus discursos.

Well I used to stand for something
But forgot what that could be
There's a lot of me inside you
Maybe you're afraid to see

Well I used to stand for something
Now I'm on my hands and knees
Traded in my God for this one
He signs his name with a Capital G

El llamado final de Reznor en el coro es a mirar hacia atrás y ver como nos hemos acomodado, como nos han vuelto cómodos y perezosos, es tiempo de pararse y ver, ya basta de estar de rodillas. Así se refería a ‘Year Zero’ en ese entonces:

“Realmente quise enfocarme en algo que estuviese en lo más directo de mi conciencia, como es ser un estadounidense. Estoy consternado por el comportamiento de nuestro gobierno, la dirección que ha tomado y la dirección que todos están tomando en el mundo debido a su arrogancia. Decidí escribir un ensayo acerca de como llegará a ser el mundo si continuamos en este mismo camino, con un gobierno neo-con-esque que hace lo que se le plazca”

via metalunderground.com

Video no-oficial, hecho por un fan.

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Una columna de 31 de Diciembre de 2010

La copiosa y consistente arremetida del “rock de autor” y la cumbia hecha por jóvenes o “pachanga rock” de los últimos 5 años, entrega buenas luces para entender el estado del rock chileno actual. Y es que, siendo honestos, lo hecho por el ejército liderado por Manuel García, Chinoy, Francisca Valenzuela y tantos otros, y por los ritmos de Chico Trujillo, Juana Fé, Banda Conmoción y compañía, fue simplemente mandar el riff rockero made in Chile para la casa (si es que alguna vez estuvo fuera de ella).

Si hay alguien que sacó dividendos de la cuestionada escena chilena de los últimos 10 años fueron estas dos tendencias, cada una a su modo, dejando en claro que definitivamente el rockero chileno no quiere escuchar rock chileno, que éste tiende a darle el reconocimiento (léase aplauso y compra de tickets) a aquellos que no tocan ese rock con el que estamos tan familiarizados, sino más bien a música con muchos rasgos chilenos y latinoamericanos, la cuerda de nylon y el sandungueo, no el riff y el cabeceo (definitivamente el que dijo que dentro de todo chileno hay un poeta acertó medio a medio).

¿Qué será? ¿Reconocimiento del público chileno a la raíz chileno- latinoamericana o esnobismo? ¿Castigo a la poca originalidad y constancia en el trabajo del rockero convencional nacional? ¿Simplemente algo que nos emerge desde lo más profundo de nuestros chilenos seres? ¿Es que acaso sencillamente, el rock no es algo que a los chilenos nos salga naturalmente bien? Lo cierto es que hoy, la tribuna no es para los que intentan día a día hacer suyos los sonidos de AC/DC, Pantera, Faith No More, Sonic Youth o Nirvana, sino para aquellos que han visto en la música popular, esa cumbia que ya se baila como si fuera nuestra, o esos acordes de Violeta Parra y Víctor Jara que permanentemente se tratan de reinventar, la senda de la evolución musical chilena.

Lo positivo, de todas formas, es que está reviviendo una escena, algo que habíamos perdido desde los 90, y hoy podemos identificar al “rock” chileno con algo: con canción de autor que de vez en cuando se arranca y se pega su rockeada (“Reloj” de Manuel García y “Llegaste de Flor” de Chinoy son algunos ejemplos) o bien que acepta dentro de sus filas a nombres como Angelo Pierattini (Ex Weichafe). Podemos, por otra parte, identificarlo con baile y bronces, pero a cargo de históricos del rock nacional como “El Macha” Asenjo (Ex La Floripondio y todo un marcador de tendencia), quien abrió el camino para que otras bandas originalmente rockeras hayan terminado inclinándose por fusionar sus sonidos para hacernos mover el esqueleto como Guachupé o Cholomandinga.

Historia para nada nueva, que ha tomado distintas formas en otros tiempos con otras fusiones hechas por grupos como Los Tres o Los Jaivas (cuando el Rock Chileno todavía llenaba recintos). Es esa rara esencia la que constituye nuestro rock. No sé qué nombre ponerle. A ver si a alguien se le ocurre.

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25 villancicos rockeros para celebrar

¿Cansado de los villancicos de Luis Miguel y José Feliciano? ¿Sofocado por los 35° de calor comprando regalos a última hora (en 3 cuotas precio contado)? ¿Aburrido de la fruta confitada y el Cola de Mono aguado? Pues, no desesperes.

En +Rock hemos seleccionado los más destacados villancicos distorsionados y furiosos para esta nochebuena esté musicalizada con los acordes ad hoc a nuestro gusto rockero. Entre tanto consumismo, papel de regalo y luces multicolores, es bueno darse un tiempo para escuchar algo de villancicos con olor a whiskey para escapar de la vorágine navideña.

Un regalo de todo nuestro multidisciplinario equipo en estas fiestas, que parte con la majestuosa composición de 31 Minutos, en donde refleja la manera en que absorbimos la celebración navideña con las tradiciones del hemisferio norte, y la paradoja que esto conlleva.

Sumo – Noche De Paz

Luca Prodan, con el humor que lo caracterizaba, se mandó esta versión del clásico villancico -de origen alemán- en clave punk-rock-spanglish junto a los incombustibles Sumo, que aparece en el álbum After Chabón (1987). Sin duda, una de las inolvidables para esta fecha. Parafraseando a Luca: “Sueña un sueño imposible”.

Divididos – Villancico Del Horror

Siguiendo con canciones del otro lado de la cordillera, en el 2001, justamente Argentina vivió una de sus peores crisis político-económico-social, gracias el famoso corralito. Una amarga Navidad para los hermanos trasandinos que "la aplanadora del rock" retrató en esta canción de su disco Vengo Del Placar De Otro, pero que les dejamos en un registro acústico.

The Kinks – Father Christmas

Esta canción cuenta la historia de un Santa Claus que es golpeado por una pandilla de niños pobres que quieren dinero en lugar de regalos, ya que los regalos son inútiles y sólo para niños ricos. Otro niño pregunta a Santa si puede darle un trabajo a su padre para Navidad. Realidad social al palo.




The Ramones – Merry Christmas (I Don’t Want To Fight Tonight)

De su disco de 1989, Brain Drain, una banda que no se pierde recopilación alguna.



John Lennon – Happy Xmas (War Is Over)

El gran Lennon en protesta a la Guerra de Vietnam, creo este clásico navideño en 1971, usado hasta la saciedad por las tiendas en sus comerciales. En los coros participan los niños del Harlen Community Choir.

Yo La Tengo – It’s Christmas Time

De su EP navideño Merry Christmas From Yo la Tengo, del 2002. Porque los hipsters también tienen derecho a escuchar y cantar villancicos.



The Beatles – Christmas Time (Is Here Again)

Originalmente grabada en 1967 para los miembros del fan club oficial que pidiesen la canción por correo. Al final, cada integrante envía un saludo. Un gesto orquestado por su manager, Brian Epstein.



Yeah Yeah Yeahs – All I Want For Christmas

Grabada en 2008 y lanzada para aquella Navidad como regalo a los fans.



Smashing Pumpkins – Christmas Time

Chris Cornell – Ave Maria (feat. Eleven)



Ambas canciones forman parte del disco ‘A very Special Christmas 3’ del año 1997, a beneficio de las olimpiadas especiales.

Kenny Wayne Sheperd – Rudolf The Red Nosed Reindeer



Joe Satriani – Silent Night / Holy Night Jam



Steve Vai – Christmas Time Is Here



Las 3 extraídas del disco producido por Joe Satriani el año 1997 titulado A Merry Axemas, en que invitó a grandes héroes de la guitarra a interpretar grandes clásicos navideños.

Ronnie James Dio, Rudy Sarzo, Simon Wright & Tony Iommi – God Rest Ye Merry Gentlemen



Lemmy Kilmister, Billy Gibbons & Dave Grohl – Run Rudolph Run



Del compilado metalero We Wish You A Metal Christmas & A Headbanging New Year, editado en 2008, recordando al gran Dio, el enano maldito, que falleció este 2010.

Bob Dylan – Must Be Santa

Ni el inmortal Dylan ha querido estar ausente en esto de los villancicos. Ya convertido en todo un abuelo, el 2009 realiza el disco Christmas In The Heart, canción que además cuenta con un muy buen video.



Type O Negative – Red Water (Christmas Morning)

De su disco de 1996: October Rust, en la voz de otro grande que nos dejó este año: Peter Steel.



AC/DC – Mistress For Christmas

Parte de The Razor’s Edge, de 1990, una especial petición para la Navidad.



Korn - Jingle Balls

Parte de las composiciones de la banda para su disco Issues de 1999, que fueron editadas posteriormente en Australia como single.



Queen - Thank God It’s Christmas

Otro single navideño, grabado en 1984 como parte del disco The Works, pero que solo aparece editado en el Greatest Hits III de 1999.



Pearl Jam – Don’t Believe In Christmas

Unos que hicieron tradición lanzar singles navideños para sus fans (y que pueden encontrarlos acá). Este cover de The Sonics fue incluido en el X-Mas Singles del 2002.



Rob Zombie – Jingle Bells

Esta es una especie de remix de ‘More Human Than Human’ en clave villancico navideño, que apareció en la banda sonora de aquel gran juego llamado Twisted Metal 3.



Beck – The Little Drum Machine Boy

El ‘tamborilero’ versión Beck, del disco recopilatorio Just Say Noel de 1996.



Jeff Buckley – Corpus Christi Carol

De aquel inmortal disco ‘Grace’ de 1994.

Intentamos ponerlas en Grooveshark, pero como saben, The Beatles y Korn no están, así que les dejamos las que encontramos en una lista,

[Gracias a los aportes de @cesartudela y los robados a @arquitecta]

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Sinergia y su ‘Vamos con Todo’: rescatando patrimonio

El pasado sábado 18 de diciembre, la banda oriunda de Conchalí, precursora del metal pájaro en nuestro país, dueña de un estilo inconfundible y una propuesta novedosa que no admite imitaciones recorrió la capital para lanzar su ultimo disco ‘Vamos con Todo’, que incluye 7 covers a canciones de la nueva ola chilena, pero versionadas al estilo Sinergia.

Para lanzar este disco la banda se subió literalmente arriba de un camión y recorrió las comunas de Santiago realizando 4 conciertos en el mismo día, todos gratis. El ultimo de ellos pude presenciarlo en la intersección de las calles Cumming y Agustinas, en pleno centro-poniente de Santiago. Coincidentemente en el mismo lugar estaba la presentación de la gira de 31 Minutos y actividades organizadas por las juntas de vecinos del sector, por lo que la tocata de Sinergia, programada originalmente para las 17 hrs se retraso hasta pasadas las 19 hrs, en una agenda que ya había pasado por el Persa Bio-Bio, Peñalolén y La Florida.

    

El show como de costumbre fue una prueba de la potencia que alcanza la banda en vivo, que no se aprecia cabalmente en sus discos, porque la propuesta alcanza su máxima expresión cuando entran en contacto con su publico y la ‘sinergia’ entre ambos entes genera el mejor de los resultados. El show fue un repaso por algunos de los ya clásicos del repertorio propio y las canciones de su nuevo disco, el segundo de covers (antes fue un repaso a los 80) y el séptimo de su carrera, que viene a rescatar aquel patrimonio de la cultura más popular chilena ligada a las radios, a recuerdos de infancia para algunos o de juventud para otros, como algunos de los peatones que se encontraron con el show de casualidad.

Personalmente las canciones de este disco me rememoran mis tiempos de educación básica, cuando en aquellos años al mediodía, cada día escuchaba antes de irme al colegio, junto a mi madre que me preparaba el almuerzo, el programa de Radio Chilena conducido por Luis Hernan Schwaner llamado “Lolos de Ayer” quien tocaba las canciones de la ‘época dorada’ de la música según sus palabras, desde el año ‘54 hasta el ‘73.

Embustera, original de Raul Vera Chacon

Pero más allá del recuerdo o valor personal, la gran gracia del disco es que a partir de canciones ‘añejas’ la banda de Don Rorro sigue manteniendo vigente su propuesta, a partir de esas canciones escogidas, de los covers, de esas inspiraciones es cuando las canciones de la banda adquieren más sentido aun, al compartir esa misma inocencia y el lenguaje simple y juguetón de los clásicos de la nueva ola, un rescate patrimonial que sirve para dos propósitos: mostrar estas canciones a las nuevas generaciones y agradecer la inspiración a través de incorporarlas dentro del lenguaje propio, es cosa de escuchar ‘Embustera’ y ‘Te enojai por todo’ por ejemplo.

Volviendo al show, es destacable la puesta en escena y la entrega de la banda, que a pesar del calor, la extensa jornada y el escaso publico presente, mostro el mismo profesionalismo y entrega que, por ejemplo, los llevo hasta el escenario del Festival de Viña. Apretados arriba del camión y todo, se las ingeniaron para hacer coreografías en homenaje a Devo e interpretar cada canción con las mejores ganas. También se dio el espacio para que surgieran algunas cosas espontaneas y criollas que conviven día a día en la ciudad, como que un ‘mendigo’ ilustre del barrio Cumming, como el ‘Chuña’ se suba al escenario a compartir con la banda y transformarse en parte del show, además de degustar algunas bebidas que el publico les entregaba, jeje.

    

No es nuevo esto de recorrer en camión con su música para la banda, ya lo hicieron para el lanzamiento de “El Imperio de la Estupidez”, lo que viene a destacar, además de sus intentos musicales de rescatar canciones del imaginario colectivo chilensis, una búsqueda igual de trascendente e importante, que es acercar a los barrios la música y la cultura, tratar de revivir aun con el éxito que han logrado la vida de barrio y ese sentimiento de arraigo con la ciudad ‘inventando’ panoramas que están al alcance de la mano y de manera gratuita. Una iniciativa aplaudible y ojala imitable, de una banda donde no hay aires de divos ni de estrellas del rock, sino que son conscientes de donde vienen, gracias a quien crean su música y para donde quieren dirigir su arte.

Aparato Raro y Devo, hermanados por Sinergia.

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